la musica secondo me

Youtube e altre storie comunicative.

2012-01-30T20:29:00.001+01:00

Carissimi lettori, oggi mi va di aggiornare il blog, non parlando di musica ma con un'invettiva dedicata a quelli di Youtube.

Come avranno notato gli utenti più abituali del sito esso è stato ristrutturato in maniera discutibilissima. Enumeriamo le principali caratteristiche negative (di positivo io non vedo niente!).

Intanto non si può più fare "amicizia" con le persone, poi non ci si può più iscrivere ai canali (i vedenti ce la fanno ma io no).

Va anche detto che io (con jaws versione 5.10 come screen reader e Internet explorer 7) vedo i profili raddoppiati. Veramente inutile. Sinceramente mi ricordo che si poteva tornare alla vecchia homepage, io ci ho provato ma non ci sono riuscita, se non sbaglio ormai non è più possibile. Tramite questo blog io lancio un appello: protestate in qualche modo, reclamiamo, magari li convinciamo a tornare indietro.

Fra l'altro in questo macello della grafica ci si è messo anche il fatto che non ti fa partire i video sui quali tu credi di cliccare: io prima volevo ascoltare una canzone e mi è partita la pubblicità dei "prezzi pazzi". È da una quindicina di giorni che ciclicamente si ripropone il problema e non fanno niente di concreto per risolverlo.

Se qualcuno sa come potermi fare tornare alla vecchia homepage mi scriva a valentinalocchi@hotmail.it, indirizzo di posta che potete utilizzare per qualsiasi comunicazione, meglio la posta (alla quale posso rispondere e lo faccio con grande piacere) che i commenti che non mi arrivano, quindi li vedo raramente e poi non posso entrare in contatto con chi li redige.

Scusate per questo articolo, serve solo per uno sfogo personale e per piccoli consigli a chi voglia entrare in contatto con me.

Comunque ringrazio tutti quelli che passano sul mio canale di Youtube (www.youtube.com/valentinalocchi) perché solo loro mi dànno il coraggio di non cancellarmi.

Bigazzi secondo me

2012-01-21T22:07:00.000+01:00

Carissimi lettori, l'altro ieri la musica italiana è stata funestata da un lutto importante: è morto Giancarlo Bigazzi.

Come amo fare io con i musicisti ed i parolieri lo ricorderò con un po' di aneddoti e riflessioni su alcune canzoni che ha scritto.

La prima citazione va per uno dei tanti capolavori della carriera di Massimo Ranieri (quando non faceva l'intellettuale che porta la canzone napoletana verso la world music). Il brano è "Rose rosse", pezzo coronato da un'orchestra fantastica. Bello il testo, leggera riflessione sui cambiamenti sociali del boom economico (non critica ma riflette e racconta, anche questo è importante, forse più delle canzoni a orologeria!).
Poi si può citare "Luglio," noto tormentone estivo, di quando in estate si ascoltavano canzoni che oltre ad essere da spiaggia erano anche belle e non scadevano come mozzarelle. Il brano ha una di quelle andature latineggianti che sempre (tutt'ora) connotano spesso e volentieri l'estate, sottolineate dalle marimbe e dalle trombe messicaneggianti.

Notevole è anche "Il carnevale", da Bigazzi scritta per la Caselli, che la interpretava con leggerezza senza tralasciare il pathos del testo, che esprime senza pudicizia il grido d'una persona lasciata dal proprio amante.

Altro tormentone a firma Bigazzi è la bellissima "Lisa dagli occhi blu" cantata dal grande (ma per colpa della semplicità apparente di questa canzone e della nostra superficialità) sottovalutato Mario Tessuto. Nell'interpretazione di Tessuto il brano, su un addio consumato tra i banchi di scuola, diventa un grido di dolore unico.

Meno importante per me, non per questo meno bella, è "Lady Barbara" cantata da Renato dei Profeti (quelli de "Gli occhi verdi dell'amore"). La canzone ha un'aria favolistica, si parla di un amore irraggiungibile, direi perfino un po' gotico.

Dalla collaborazione con Totò Savio (che poi sarà con Bigazzi e Pace una delle anime degli Squallor) nasce "Vent'anni", una di quelle melodie semplici ed aperte che permettono come poche di brillare al grande Massimo Ranieri, raccontando con leggerezza la storia di una vita.

Per Ranieri scrive anche "Erba di casa mia", resoconto nostalgico di esperienze giovanili. Anche questa porta con sé un ritmo lento e asciutto, bella davvero.

Non ho mai amato i fratelli Bella, ma in questo articolo li devo citare tutti e due. Bigazzi per Marcella ha scritto alcune canzoni tra cui mi va di citare la famosa "Montagne verdi", bella ballata nostalgica, che però per me non ha il fascino impareggiabile di "Sole che nasce sole che muore".

Per il fratello scrive "Non si può morire dentro", "Questo amore non si tocca", Più ci penso". Queste tre canzoni fanno di bella un ottimo musicista ma un interprete sfortunato: mamma natura non l'ha dotato di una voce minimamente affascinante.

Per i Camaleonti, insieme a Claudio Cavallaro, scrive alcune canzoni di cui conosco solo "Eternità", ottimo testo, reso pesante da certe trovate discutibili della melodia.

Non amo nemmeno Tozzi ma va detto che Bigazzi scrive per lui canzoni notevoli: non ne posso più delle due canzoni-tormentone "Ti amo" e "Gloria" ma non posso tacere la bellezza, pur nella sua apparente semplicità di "Donna amante mia", la cui tenerezza ha sempre saputo distruggere ogni mio preconcetto.

Facendo un salto di una decina d'anni ci ritroviamo il nome di Bigazzi in quella canzone, tormentone e banale quanto volete ma comunque ben fatta, che è "Si può dare di più", portata da Ruggeri, Tozzi e Morandi al Sanremo 1987 (e vinsero, meglio di chi ha vinto mediamente gli ultimi Sanremo, eccezion fatta per Vecchioni).

Gli anni Settanta sono anche gli anni degli Squallor: ve la ricordate "Trentotto luglio"? Trauma!

Credo che lì la voce da basso (bellissima ma al contempo terrificante per la sua profondità disumana) non appartenga a Bigazzi, comunque tra i componenti del gruppo c'è anche lui.

Negli anni Novanta il Bigazzi (dopo aver spalleggiato gente come Pupo...) fa un errore madornale: produce Marco Masini. Il cantante "disperato" io non lo posso sopportare: troppo triste. Le ultime? Pur di farsi perdonare la tristezza con cui ci ha ammorbato per anni adesso fa l'allegrone!

Sempre grazie a Bigazzi scopriamo il primo emulo di Masini uscito qualche anno dopo: Alessandro Canino. Vi ricordate una canzone patetica e bruttissima chiamata "Brutta"?

Per chi fosse tanto giovane da non ricordarla dirò che è la storia di una ragazzina bruttarella che viene consolata dal protagonista maschile della sua bruttezza durante una festa di compleanno nella quale le sue amiche la lasciano sola.
"E mi piaci tutta: brutta... lo vedi che non sei brutta... crescere è sempre una lotta, ma io ti aiuterò" (vado a memoria, è da un secolo che non ho la grandissima fortuna di imbattermi in questa brutteria suprema).

Grazie al Bigazzi, poi, abbiamo il piacere (si fa per dire...) di scoprire Raffaele Riefoli, a tutti noto come Raff. È del paroliere in questione il testo dell'hit dance "Self control".

Grazie al Bigazzi (santo Dio che robettina...) scopriamo nel 1991 o giù di lì Paolo Vallesi, che con la canzone "Le persone inutili" ci viene a dire che le uniche vere persone sono quelle che non andranno mai sulle pagine dei giornali o nei cortei (ma che amano ogni giorno molto più di noi". Il ritmo, in sé bello, e il testo squallido verranno ripresi dal cantautore anche ne "La forza della vita", perché ritmo che ammorba non si cambia!

Bigazzi è il colpevole per uno dei tormentoni del 1992, la canzone vincitrice della sezione "Nuove proposte" del Festival di Sanremo "Non amarmi". Ancora mi ricordo che la cantavamo a scuola e io, pur essendo una femmina quindi dovendo razionalmente fare la parte di Francesca Alotta, per l'orgoglio di vedere un non vedente come Baldi arrivato fino a lì facevo sempre le parti sue.

Negli anni Novanta, epoca del tramonto degli Squallor, bigazzi intraprende la carriera di compositore di colonne sonore da film (ma è mai possibile che tutti, soprattutto spesso musicisti senza successo compongono per cinema?). È da ricordare, nel caso di uno che non lo ha fatto per mancanza di successo, la bigaziana firma apposta alla colonna sonora di "Mediterraneo" di Gabriele Salvatores.

È del 1992 il capolavoro (e si deve dire!) "Gli uomini non cambiano" interpretata dalla grande (graaaaande) Mia Martini in quel Festival di Sanremo che comunque di chicche ce ne aveva anpiamente sfornate.

È di Bigazzi (oh mamma mia!) la musica di uno dei capolavori del repertorio di Francesco Guccini dal titolo "Cirano".

Adesso, grazie al solito listone di canzoni che la Wikipedia (non deve chiudere, mai sia! dà ripercorriamo un po' meglio le tappe della carriera del nostro.

È del 1969 un altro pezzo del Del Turco molto carino, sempre con le atmosfere latineggianti che andavano tanto allora, intitolato "Cosa hai messo nel caffè". È una canzoncina che racconta con semplicità e leggerezza un innamoramento, metaforizzato dalla presenza di qualcosa di strano nel caffè bevuto dalla donna amata, che darebbe un'eccitazione del tutto speciale. La cantante Lisa Hono ne ha fatto una versione sussurrata e bossanoveggiante per me da scordare.

E anche la canzone "Sole che nasce sole che muore" è nata dalla penna del Bigazzi! Ascoltare tutto ma specialmente il flauto col soffio alla Jetro Tull applicato alla melodia italiana.

Tra i brani dei Camaleonti merita sicuramente una citazione (non per la bellezza, solo per la notorietà) "Perché ti amo". Questa canzone potrebbe essere portata come esempio del fatto che anche il più bel testo può essere ridotto a pattumiera da un arrangiamento penoso e da una musica mal fatta. Per una serenata dalla semplicità quasi popolaresca si impiegano mug, wawa e altri effetti assurdi.

Come si può raccontare la tossicodipendenza con le parole che capirebbe anche un bambino di cinque anni? "Perché lo fai disperata ragazza mia, perché ti fai..." (citazione a memoria dal capolavoro-bruttura di Marco e Giancarlo Bigazzi lanciato dal Masini al Sanremo 1991. Pensate un po' a confrontare questa frase con: "E adesso ridi e ti versi un cucchiaio di mimosa nell'imbuto di un polsino slacciato" (De Andrè, "Giugno '73").

Un po' di polemica c'è forse stata, comunque un altro mito se ne è andato e io così l'ho ricordato.

Sui big del Sanremo venturo

2012-01-18T22:46:00.000+01:00

Carissimi lettori, mentre sto preparando un'altra avventura virtuale sulla quale mi terrò un articolo a parte, mi va di aggiornare questa mia prima e mai dimenticata creatura virtuale. Mi va di fare un articolo (al fulmicotone...) sul Festival di Sanremo 2012, sui cantanti in gara nella sezione "big".
Grazie al bellissimo sito www.popon.it diretto dalla giornalista Paola De Simone ci possiamo sfogare sulla lista malefica: quest'anno non mi aspetto il Vecchioni di turno.

La prima artista è anche brava, una delle poche voci valide sfornate in questi ultimi anni, dal colore caldo e dalla timbrica potente, mi riferisco a Nina Zilli (vi ricordate la bellissima "L'uomo che amava le donne" o "Centomila" colonna sonora di un film di successo? Quella è la Zilli).

Per fare il verso ai festival di sanremo di una ventina d'anni fa (che a loro volta ricopiavano da quelli di trent'anni prima) tornano gli stranieri. Con Nina Zilli nella serata dei duetti (quest'anno solo con cantanti stranieri) la cantante romana duetterà con la voce dei Morcheeba in un brano intitolato "Never never". Staremo a vedere, qui in fondo il tono polemico è assente.

Ma ecco "lu focu" s'accende. Il cantante in sé non è male, anche perché ci si riferisce a Samuele Bersani, la canzone ("Un pallone") non può essere giudicata perché sconosciuta, ma il problema è che il cantautore (dato il suo essere romagnolo ha scelto di reinterpretare "Romagna mia" in inglese (voglio che ai Grammy qualcuno tipo Eminem faccia un reppaccio dei suoi in italiano, la tortilla tiene que volverse, ¡diablo!)). L'ospite è Goran Bregovic, la cui maestria è fuori discussione, ma forse è fuori luogo. Per ascoltare qualcosa di bello di Bersani io vi consiglio di ritrovare "Replay" (brano presentato ad un Festival di una decina d'anni fa), "Giudizi universali" e, soprattutto "Il mostro", pubblicata per la prima volta nel cd "Amen di Dalla (tra un pochino ne parleremo...)

Dolcenera, la prima cantante salentina che ha sbancato prima della coppia Amoroso-Marrone, torna con la sua voce da cantante rock sussurratrice che finge di urlare ma non ce l'ha fa, con un brano dal titolo "Ci vediamo a casa". Lei a me non è mai piaciuta, non le perdono poi di aver sfruttato come nome un personaggio di Fabrizio De Andrè, è come se io mi chiamassi "Macaria" dato che amo gli Zoè... vergogna!

Duetterà con un artista che disconosco in un brano che non so capire quale è.

Dalla, Dallino, Dallotto! Qualche mese fa tu avevi sparato cazzate (adesso Bertoncelli non spara più, adesso spari tu!), avevi detto che il pop l'avevi lasciato per il troppo schematismo che vi è dentro. Solo che... Mi duetti con Pierdavide Carone da Amici, la mecca della musica pop spazzatura! Vabbè che dopo la pagliacciata con Marco Mengoni su "Questo è amore" nel brano "Meri Luis" da te mi aspetto di tutto
(Per chi non sa il nostro ha tolto alcune parti del canto originale e, sulla stessa base ha fatto cantare l'asessuato!).

Il duetto che Dalla proporrà certifica un'ossessione del bolognese: essere meridionale. Lucio Dalla, insieme ad un artista che disconosco, canterà "Anema e core". Sinceramente è veramente negato per cantare musica del Sud, basta sentire l'orribile versione de "Lu rusciu" che Dalla dette in una N.D.T. sparagnesca.

La cantante che continua il listone è Irene Fornaciari, figlia d'arte come si vede, anche se va dato merito al padre d'averle per anni sconsigliato la carriera musicale (io ho un preconcetto stupido ma ancora non lo riesco a vincere, sui figli d'arte italiani, in pratica non me ne piace uno). L'unica cosa bella è l'artista con cui duetterà, il grande Brian May dei Queen, uno dei migliori chitarristi rock senza le pretese virtuosistiche che affollano quel mondo e la musica in generale.

E a proposito di quanto dicevamo in occasione della presentazione di Dolcenera, ecco una della coppia delle salentine sopra citate: Emma! Il brano che presenta è "Non è l'inferno", mentre dovrebbe (dico "dovrebbe perché Maria Letizia Veronesi, vedova Battisti li starebbe fermando cantare "Il paradiso" insieme ad un artista che non conosco. La voce di Emma non sarebbe neanche male se non urlasse troppo.

E qui non si può che parlare bene del gruppo e (perché no) anche della cantante testè ritornata. Mi riferisco ai Matia Bazar con "Sei tu" e alla stupenda voce di Silvia Mezzanotte. Basta ascoltare canzoni come "Brivido caldo" o "Messaggio d'amore" per farsi un'idea di ciò che ci potremmo assaporare tra un pochino. Il cantante anglofono con cui duetta il gruppo genovese è bravissimo (Aljarreau), ma è troppo virtuoso, a me il virtuosismo stanca.

Noemi, forse l'unica cantante veramente convincente degli ultimi anni insieme alla già citata Zilli, torna a Sanremo con "Sono solo parole". Per quanto riguarda il duetto anche questo è a rischio stop, in quanto si omaggia battisti con una traduzione di "Amarsi un po'" (rimpiango quando erano gli stranieri a cantare in italiano, in questo modo entrambi ci arricchivamo: noi conoscevamo pezzi di altre culture che ci sarebbero rimasti sconosciuti altrimenti,, i cantanti stranieri facevano esperienze di nuove sonorità). Ora loro si impongono e noi ci schiavizziamo. Comunque l'abbinamento stavolta potrebbe essre buono, la cantante anglofona è Sara Jane Morris (già interprete della versione inglese di "Se stiamo insieme" al Sanremo 1991), le due voci hanno un bagground simile, non dovrebbero cozzare.

È proprio il caso di dire: "¡Que lástima!".. In spagnolo questa espressione significa: "Che peccato". Immaginatevi di mettere insieme un artista che non amate ma rispettate con uno che detestate. Ecco l'accoppiata successiva. Francesco Renga, per la sua temerarietà e oserei dire discrezione si è guadagnato una certa stima, torna al Festival di Sanremo con "La tua bellezza". Chi detesto è Sergio Dalma, cantante spagnolo che qualcuno ricorderà per "l'amico che hai", canzone dello spagnolo rifatta in italiano con Antonacci. In quel caso le due voci stavano bene insieme, entrambe roche, vissute, simili. Ok che i duetti spesso si fanno per contrasto, il problema sorge insolubile quando si tocca una canzoncina da niente (di Meccia e Fontana, chiamata "Il mondo"). Qui ci vuole una voce melodica, Renga ce l'ha, Dalma no!

E con tutta la "Sincerità" me la sarei risparmiata volentieri la prossima artista, come forse avrete sospettato parlo di Arisa. Intanto non mi è mai piaciuta la sua voce, non sa di niente. Poi, sinceramente, è adatta per le canzoni leggere (forse leggera potrebbe essere una definizione che le potrebbe calzare...). Ovviamente non posso parlare della canzone inedita e conosciuta solo a Morandi e Mazzi, posso però dire che il pathos che ci vuole per cantare "Che sarà" (che è il brano che costei reinterpreterà in coppia con uno dei suoi interpreti originali, il portoricano José Feliciano) è almeno per me completamente assente dalla sua voce. Forse il virtuosismo del chitarrista metterà una bella pezza!

Ed eccoci a Chiara Civello (incognita perché è caduta nello stesso errore in cui cadde la Balistreri nel 1973, se viene ufficialmente presa è uno scacco alla buona musica: le canzoni dei big devono essere inedite, questa non lo sarebbe). La cantante di questo nuovo jazz (pop jazz, acid jazz, non lo so!) duetterà con Shaggy ("bombastic " vi dice qualcosa, a me sì!). La cosa potrebbe tendere al curioso, bisognerebbe capire quale titolo italiano si nasconde sotto quello inglese citato su www.popon.it.

Andando avanti (e siamo alla fine grazie a Dio), c'è il duetto più assurdo della storia della musica italiana degli ultimi anni. Immaginatevi due persone che (almeno per me) non sono accumunate che da una cosa: l'essere nati nel Sud Italia. Di lui posso dirvi che è il capo di una casa di produzione che voleva (non so se l'ha fatto, spero sia fallito!) esportare altri cantanti neomelodici napoletani sul firmamento nazionale. Avete capito di chi parlo: ovviamente il Gigione D'Alessio (preferisco Gigione vero, almeno con lui mi faccio quattro risate! Attenzione: il "Gigione vero" è un cantante di liscio napoletano: ebbene sì!).

Cosa dirvi di lei: nata a Bagnara Calabra, sorella di una molto (mooooooolto più brava di lei, purtroppo morta a quarantasette anni. Ovviamente mi riferisco a Loredana Bertè, sorella della grande (graaaaaande) Mia Martini.

Vi immaginate D'Alessio e la Bertè insieme: per trovare di peggio giusto se penso a Pupo, il Principe e il Tenore. Duetteranno (cioè "terzetteranno!") con una tedesca a me sconosciuta.

Dopo "O Fado" (Edel, 2001), "Il silenzio e lo spirito", "Anima blues" e altre esperienze particolari e formative (non è come Dalla che prima sputa sul piatto dove ha mangiato per quarantacinque anni e dopo duetta con Pierdavide Carone) Eugenio Finardi ritorna alla canzone d'autore. Staremo aperti ad ascoltare la sua canzone nonché il suo duetto in inglese con Noa (una delle più belle voci al mondo, basta sentire "Beautyful that way" o "Es caprichoso el azar con il grande e sconosciuto in Italia Joan Manuel Serrat). Forse la cosa migliore del Festival.

L'ultimo big è un gruppo, del rock indipendente, perché è da diverso tempo che Sanremo (per mangiarsela, come ha fatto per molte altre cose negli anni) sta strizzando l'occhio alla musica alternativa. Si chiude con i Marlene Kunz che, dopo aver presentato un brano di cui non mi è rimasto il titolo, duetteranno con Patty Smith. Non nego la bravura della cantante ospite, non nego una certa compatibilità tra i due mondi, ma mi sembra una grande corsa al mito.

Avevo voglia di fare questo articolo, per dirvi che potrete contare ancora su questo blog. Buon anno musicale tra musicadautoredintorni.

"Sodade": ricordo di Cesaria

2011-12-18T17:37:00.001+01:00

Carissimi lettori, la musica capoverdiana oggi è di lutto, difatti ieri se ne è andata la più grande voce dell'arcipelago, la cantante di Mornas e Coladeras Cesaria Evora.

Per descrivere i generi di musica capoverdiani, alcuni portoghesi, forse con un po' di megalomania ma comunque realisticamente, dicono che sono "fados con ritmo".

Per me, sinceramente, pur avendo sentito altri cantanti capoverdiani, nessuno ha l'espressività dolcemente strappacuore della voce di Cesaria.

L'album a cui io sono più legata è "Café Atlántico", disco del 1999 dove, oltre a Mornas e Coladeras, si assiste anche all'interpretazione di brani in portoghese ("Negue", classico brasiliano) e in spagnolo ("Maria Helena"). Per motivi ovvi, legati alla lingua, rende di più l'interpretazione intima del primo brano, piuttosto che quella del secondo, dove comunque c'è un bellissimo arrangiamento.

Le canzoni di Cesaria sono cantate in creolo, una lingua nata dal contatto tra il portoghese, lingua dei colonizzatori europei, e i dialetti africani autoctoni. Purtroppo io non capisco molto i testi, ma spesso essi sono animati da un senso quasi ecumenico, che forse la nostra musica (sia leggera che popolare) dovrebbe riscoprire.

Bella la voce dell'Evora, che era dolce ma potente, leggera e malinconica.

Gli ultimi album, come i primi, usciti tra l'altro quando la cantante aveva più di quarant'anni, non sono forse perfetti. Le due gemme che costellano la sua discografia sono, almeno per me, "Café Atlántico" (già citato ma "repetita iuvant") e "São Vicente di longe".

Scusate se questo articolo non può assolutamente ambire ad essere il ritratto di questo genio capoverdiano, è stato l'unico modo che ho trovato per sfogare la mia tristezza.

Chicca officiniana imperdibile!

2011-12-06T20:40:00.003+01:00

Carissimi lettori, devo aggiornare il blog con un piacere del tutto particolare. Rovistando nel web (e non si finisce mai di scoprire roba nuova!) ho trovato un'intervista a Lamberto Probo degli Zoè veramente succulenta. Risale alla partecipazione del gruppo alla penultima edizione di "Roma incontra il mondo", rassegna di musiche popolari che si tiene nell'estate romana.
Il link è radiosonar.net/.../82-intervista-officina-zoe-10-luglio-roma-incontra-il-mondo.html.
Non ve la spiego, il musicista si sfoga a tutto tondo, da godere!

Una bella notizia "pizzicata"

2011-12-04T15:16:00.001+01:00

Carissimi lettori, oggi scrivo per darvi una delle notizie più belle che mi potesse capitare di dare.
Dal sito "www.radiotvsalento.net" si può accedere con estrema facilità alla prima web radio dedicata alla pizzica ed alla musica popolare salentina chiamata "radio salento pizzica station".

Laprima volta che l'ho aperta il giorno non sembrava essere dei migliori perché mi ha salutato il gruppo dei Mascarimirì (il "cavallo" e il "cavallino" che nitrivano di una contaminazione tra pizzica, tarantella, rai e non so che altro... incubo!).

Dopo, a Dio piacendo, sono arrivati gli Allabua con "'A vigna", traccia minore del loro secondo cd, incisa con la collaborazione di Quintino Sicuro alla ghironda. Subito dopo sono partiti i Cunservamara, gruppo della nuova ondata, non privo di spunti di interesse. Il loro brano era una versione stornellante di "Te sira".

Tornata ad accendere la web radio sono stata accolta da una "Carataranta" del Canzoniere Grecanico Salentino a guida Daniele Durante. Il brano non è un capolavoro ma è inhnegabile la maestria del gruppo.

Ora mi stanno deliziando gli Officina (Zoè ovviamente!) con la loro versione de "lu rusciu de lu mare", tratta dal classicissimo "Terra".

Continuerò per un po' ad ascoltare redigendo un resoconto di una playlist, per consigliarvi a voi comunque di ascoltarla e farle anche delle critiche, costruttive e sentite come a me piacciono.

Continuando si arriva ad un brano de La notte Della Taranta, ossia alla"Pizzicarella" versione Sparagna. La critica che viene istintiva è che mettono troppo prevalentemente cose commerciali ma meglio di niente come divulgazione della pizzica si può accettare.

Il brano sinceramente è una delle peggiori cose che si siano mai fatte, in quanto il signorino Sparagna nei suoi tre anni di conduzione dell'orchestra popolare (idea bruttissima in sé oltretutto!) si è ritenuto in diritto e in dovere, per ridare contemporaneità al folk salentino, di rimusicarlo in tutto e per tutto. Questo a casa mia si chiama essere ladroni! Per me, e fortunatamente non solo, la "Pizzicarella" della "Simpatichina" è più bella e più coinvolgente.

Poi, per quanto riguarda la voce di Alessia Tondo, bambina prodigio della Notte, non ha una voce convincente ma nemmeno un po', e sette anni dopo questa incisione (2004-2011) la sua voce è già rauca e forza molto se canta. Se questo è il futuro del Salento sinceramente meglio restarsene al passato.

Va detto che la batteria, e su questo Sparagna è stato bravo, imita i tamburelli, anche se piuttosto che sentirli imitati da una batteria io li avrei voluti sentire dal vero i tamburelli.

Pur di allungarla allo sfinimento, invece di trovare nuove strofe, cosa che veramente darebbe un futuro a questa musica, la "Pizzicarella" si ricanta identica in tutto e per tutto. Fantasia, novità, innovazione solo a chiacchiere, a fatti stagnazione!

Gli strumenti si stanno dando a una pizzica casinara ma forse coinvolgente per i "tarantolati" (e la smettessero di chiamarsi così!) che stavano nel cortile del convento degli Agostiniani.

Questa stazione ha di bello che alterna brani veloci e brani lenti. Andando avanti si ascolta un brano, probabilmente in dialetto siciliano o brindisino, con un testo bellissimo ma con una musica ed un arrangiamento di questi che vanno di moda ora, in minore, con tre accordi e melodie dove, pur di non calcare e imitare gli anziani, si fadiventare il folk altrodase stesso. Almeno qui non c'è la batteria, si ascolta un gruppo quasi tradizionale. Come spesso succede nei gruppi nuovi, magari si assiste anche ad un dominio buono degli strumenti, qui fanno cose interessanti sia le percussioni che il violino, ma anche alla scarsità delle voci, che invece, secondo quanto affermano quelli che hanno iniziato questo lavoro venti o più anni fa, sono l'elemento più importante della musica popolare salentina, che, non lo scordiamo, era cantata nei campi e non c'erano strumenti se non in cotnate occasioni.

Il brano successivo fa fare un bel salto di qualità, difatti, dal cd "Focu d'amore" del Nuovo Canzoniere Grecanico Salentino a guida Mauro Durante, si ascolta la "Pizzica caddhipulina", molto ben cantata e suonata da tutti.

Il canale comunque è caldamente consigliato, ma ancora un pochino lo seguiamo redigendo un resoconto.

Oltre al repertorio tipico di ogni regione o di ogni zona c'è un repertorio che ormai è diventato una "coinè", ossia uno standard panameridionale. Tra i brani che compongono questo standard, purtroppo, c'è "Brigante se more", brano con testo e musica d'autore (Eugenio Bennato e Carlo D'Angiò) dedicato al brigantaggio, una forma di "leghismo" meridionale, molto più giustificato della secessione della Lega Nord, comunque inutile in un'epoca di globalizzazione selvaggia dove per aver spazio si può solo pensare unitariamente e non separarci.

Si dovrebbe riparare le ingiustizie che da ogni lato si sono perpetrate, si dovrebbe vivere in pace tra di noi, l'Italia è bella perché è ricca di diversità, restare uniti è un dovere!

Comunque questa canzone io non l'ho amata né nella versione originale né, tantomeno, in quelle fatte in tutto il Sud senza conoscere il dialetto napoletano, in una coinè (anche questa insopportabile quanto questo obbligo di scimmiottare i dischi di Bennato di trent'anni fa spacciati per tradizione) dove si mischia napoletano, salentino, siciliano. La stessa traccia continua con "Vulesse addeventare nu brigante", altro brano della "coinè" che io condanno (il Sud, come tutta l'Italia, è bello perché è diverso e vario. Un conto è se tu scegli consapevolmente di fare tutto il Sud, un altro è, come succede ora spessissimo, se per ignoranza di quello che hai a casa tua, lo vai ad arricchire con brani, oltretutto prevedibilissimi, presi da altre regioni senza studiarti niente né gli stili né i dialetti).

Adesso stiamo ascoltando un brano di un gruppo a me sconosciuto (purtroppo qui non so se si sanno gli interpreti ed i titoli delle canzoni, per ora io non so come fare). Il brano è bello solo per la musica, le voci fanno abbastanza pena, ma già ne abbiamo parlato in precedenza,questo è il futuro della musica salentina (preferisco il passato, grazie!).

La critica è sempre quella, quasi solo cose commerciali!

E torniamo al piacevole, arrivano gli Zimbaria (i veri, quelli con Pino "Zimba"!). Dal loro primo disco ("live", 2004) arrivano degli stornelli con strofe riprese dagli Ucci, almeno adesso si canta la vera tradizione salentina.

Adesso fate voi, io ve l'ho detto e comunque sono felice.

Lucio Dalla: "Questo è amore" (2011)

2011-11-09T17:04:00.002+01:00

Carissimi lettori, ieri è uscito il nuovo disco di Lucio Dalla, una raccolta "extraordinaria" (come l'ha definita lo stesso Dalla) che riporta alla luce brani particolari.

La prima traccia è "La leggenda del prode Radamès", omaggio del cantautore al Quartetto Cetra.

L'arrangiamento rimanda istintivamente e spudoratamente alle atmosfere del dalla giovanile, quello nato ancora prima del cantautore, il musicista che suonava dixieland. Il brano potrebbe essere considerato un ritratto ironico del trattamento che spesso si riserva alle donne e non dico altro.

La prima delusione (cocente!) si ha con la seconda traccia, la reinterpretazione di "Anema e core", capolavoro della musica napoletana scritto nel 1950 da Tito Manlio e Desposito.

Intanto non mi piacciono le libertà armoniche e melodiche che dalla si prende, poi, addirittura, sfociate nello spostamento di una parte di testo, in secondo luogo è deludente la pronuncia nel napoletano.

Non viene per niente conservata la classicità che ha fatto di questa melodia un brano tra i più conosciuti al mondo. Il canto non usa mai tentativi di avvicinarsi alle tecniche del bel canto (che poi Dalla ama e conosce).

L'ultimo inedito (l'unico vero inedito!) è "Anche se il tempo passa (amore)". Come ritmo potrebbe ricordare Mary Luis, anche se le sonorità sono quelle elettroniche ed elettriche che caratterizzano l'ultimo Dalla. Comunque sotto l'apparente semplicità si intravede un impegno nella ricerca di sviluppi melodici ormai poco consueti, tipici di chi ha avuto la fortuna di iniziare l'attività musicale negli anni Sessanta.

Nominata e vista! Eccoci ad una "Mary Luis", non riarrangiata, solo con alcune parti di canto affidate a Marco Mengoni. Devo dire che rende bene, il brano fra l'altro è molto bello e tratto da uno degli album più riusciti del nostro, quel "Dalla" che fra l'altro conteneva "Futura", "Mambo", "La sera dei miracoli" e altri classici di Dalla.

Da qui inizia la parte propriamente antologica, un percorso a ritroso, iniziando dalle più attuali, fra le canzoni meno conosciute. Il viaggio comincia con "Angoli nel cielo" title track del disco precedente del Dalla. Se dovessi descrivere il brano, che non conoscevo prima, direi che è una ballata dall'atmosfera molto sospesa, anche grazie ai tocchi di pianoforte e percussioni latine, che dove arrivano addolciscono sempre i tocchi di batteria.

Il brano successivo è uno degli esempi del Dalla che amo di meno, quello che, pur facendo tanta morale agli altri, leggere la dichiarazione per musicblog it per credere, copia dall'estero dei generi che neanche riesce a reggere. Il brano infatti sarebbe anche una suadente ballata, se non fosse riarrangiata con delle chitarre elettriche distorte che non le rendono giustizia, semmai la rendono inascoltabile.

Anche il brano successivo è un esempio di questo tipo di repertorio, in cui bei testi, magari anche belle melodie, sono riarrangiate talmente male che sono inascoltabili. Il brano si chiama "Malinconia d'ottobre", c'è un violoncello talmente mal usato che non riesci nemmeno a fartene cullare.

Il brano è curioso perché ha un pezzettino dedicato a Lisbona, al Café Martinho Da Arcada, bar che Fernando Pessoa frequentava negli anni Trenta del Novecento, in cui c'è sempre spazio per lui, come se dovesse arrivare ad ogni istante. A questo stesso ambiente si riferisce Antonio Tabucchi nel bellissimo "Sostiene Pereira", libro da cui è stato tratto un film, l'ultimo recitato da Marcello Mastroianni.

Dall'album "lucio" del 2003 viene questa bellissima "Amore disperato", che Dalla interpreta insieme a Mina. Il brano è stato originariamente composto per l'adattamento moderno e personale che Dalla ha fatto della storia di Tosca. Il brano ha una struttura fortemente classica, cosa che lo potrebbe paragonare a "Caruso", uno dei classici del repertorio dalliano. Sicuramente le due voci stanno molto bene insieme, anche perché entrambe amano molto allargare i propri orizzonti in sede interpretativa, non accontentandosi quasi mai di cantare semplicemente. Per avere conferma di ciò basta sentire l'ultima bellissima canzone di Mina dal titolo "Questa canzone".

Il brano successivo, tornando a Dalla, è "Prima dammi un bacio", altra traccia di "lucio" dal sapore fortemente nostalgico e melodico. Interessante questa valutazione del terzinato, lento come se fosse un bolero cubano, così tipico di classici come "Canzone per te" di Sergio Endrigo. Contrariamente al precedente citato, però, il brano di Dalla è in maggiore (il brano di Endrigo alterna strofe in minore a ritornelli in maggiore) ed è fortemente elettronico, addio a quelle fantastiche orchestre!

Saltando a piè pari l'album "Ciao" (1999) (per fortuna!) si arriva a "Canzoni" (1996) da cui si fa emergere un classico (checchè ne dica Dalla qualche brano famoso qui c'è!) come "Tu non mi basti mai", uno dei più belli dell'ultima produzione del cantautore.

Il successivo è una di quelle ballate che, se non fosse per l'arrangiamento pop troppo sfrontato (ti credo che si è stancato!) sarebbe anche bella. La strofa inizia e spesso torna su un inusitato dosettima aumentata e su un ritmo che non saprei descrivere. I ritornelli, o meglio la seconda frase melodica che implacabile continua la prima ad ogni sua riapparizione, ha come sue punte armoniche un fa maggiore utilizzato su una scala di sol e un finale su si minore e la alternati. Ritmicamente potrebbe ricordare certe canzoni anni Ottanta, che nel secondo compact avremo il piacere di riascoltare.

Il brano successivo, dal titolo "Latin lover", potrebbe essere considerato il secondo tentativo, dopo la già ricordata "Caruso", di scrivere un brano che ricordi ed utilizzi le caratteristiche del melodramma italiano in chiave moderna. Dallaè molto bravo ascrivere brani con queste strutture spesso terzinate, anche se forse la sua voce non è la migliore per la loro interpretazione, difatti questo pezzo renderebbe molto di più interpretato da una voce tenorile.

La melodia comunque è interessante ed aperta, anche se è semplice.

Il brano successivo fa parte del Lucio Dalla che non sopporto (preferisco quattro martellate piuttosto che ascoltare sto pezzo!). Se non sbaglio stava nel cd "Henna", uno di quelli che ho odiato di più della discografia di Dalla. L'unica traccia che andrebbe riscoperta è "Cinema", brano con l'inconfondibile partecipazione del già citato Mastroianni.

Arrivando a "Cambio" (1990, ultimo album veramente bello prodotto da Dalla) si riscopre un capolavoro sconosciuto intitolato "Le rondini". È una ballata sostenuta da una base completamente elettronica (ovviamente se fosse stata acustica era meglio!) dedicata ad una serie di sogni, forse alla libertà vera, quella interiore. Incredibile il sassofono nel finale, che si prodiga in assoli dalle venature jazz, tanto amati da Dalla, in dialogo con una chitarra elettrica distorta.

La prossima, sempre da "Cambio" è un brano completamente in "scat", se non fosse per il ritornello dove si dice solo "è l'amore" (a questo punto si poteva mettere il "pezzo zero" del cd 2 di questa antologia!). Questa non mi è mai piaciuta più di tanto ma sono solo gusti personalissimi e discutibilissimi.

Il secondo cd inizia con una delle canzoni più belle del repertorio del nostro, la poco conosciuta "Chissà se lo sai", interpretata anche da Ron. La versione di Dalla è forse più convincente, anche perché il cantautore ancora era orgoglioso del suo vero timbro (siamo arrivati con questo brano negli anni Ottanta). Vaanche detto che qui Dalla non ha bisogno di fare la morale sull'esterofilia imperante, anche perché se la fa è solo dato che sa benissimo che lui è il primo a non applicare ciò che chiede agli altri. Il brano è una bella ballata romantica, conclusa da uno di quegli assoli di sassofono di Dalla, allo stesso tempo dolci e graffianti.

Altro brano che ha cullato la mia infanzia è la seconda, "Soli io e te". Anche questa è una ballata, dove la musica leggera viene usata per creare delle melodie e delle armonie semplici ma non banali (spesso ormai la complicazione è talmente comune che essa stessa è la banalità!). Bella la corposità del suono del gruppo pop, dove gli strumenti elettronici non sostituiscono ma aiutano gli acustici.

La traccia successiva è un brano che non ricordavo dal titolo "Stornello". Da questo pezzo si deduce quella particolare familiarità del cantautore bolognese con il folk e con la melodia italiana, la stessa che lo ha portato ad incidere brani come "4 marzo 1943", "Piazza grande", "Itaca" ed altri. il brano ha una struttura quasi brasiliana che dà alla sua semplice melodia italiana un tocco molto esotico. La canzone ha anche un'altra curiosità, è natalizia, più semplice, anche se scettica, del capolavoro di De Gregori "Natale".

Ed eccoci ad un altro di quei quadretti storici che Dalla amava molto dipingere, con una ballata dalle tinte un po' blues, sospese, melodiche ma non troppo. Il brano si chiama "Viaggi organizzati". È da molto tempo che non ascolto la versione in studio di questo brano,che ho imparato ad amare follemente grazie a "Dallamericaruso", album che consiglio in maniera calda e spudorata. La versione da studio è molto più calma, d'altronde Dalla,come vero artista che è, si presenta per quello che è solo live, e forse ora non è neanche più in grado di tenere un concerto di quelli memorabili.

La traccia successiva è una poco conosciuta ma bellissima "Pecorella", tratta da "1983". Per chi non la conosce potrei presentare questa canzone come un brano dalle atmosfere latine, il bilico tra un accenno di chachacha e certe atmosfere jazz del pianoforte. La traccia successiva è "Solo", sempre tratta da "1983". È interessante la chitarra elettrica spesso usata con il wawa. Bello anche il ritmo sospeso come gli accordi, tra maggiore e minore, tra semplicità e avanguardia, d'altronde questo è il vero Dalla.

Continuando si ascolta "Mambo" tratta dall'album "Dalla" del 1978. Qui siamo davanti al Dalla migliore, né troppo vanguardistico (insopportabile!) né troppo semplice (riduttivo e poco stimolante!). Va anche detto che qui le tastiere non esistono, questo canto di sdegno e disprezzo è accompagnato con suprema sapienza solo da un gruppo di strumenti acustici, spesso suonati con abilità dallo stesso Dalla.

Interessantissima la scaletta che esegue il sassofono nella parte finale del brano, semplice, ricca ed ossessiva.

Le ritmiche sospese così care a Dalla sono le assolute protagoniste di questa ballata dal sapore quasi portoghese, dal titolo "Notte" estratta dal classico e bellissimo "Com'è profondo il mare" (1977). Il brano è in fa ma si adagia sia su scale di mi minore che in accenni di sol e do. Finalmente, verso la parte finale, il brano prende ad avere un ritmo non più sospeso, è preciso e classificabile come una specie di valzer terzinato con degli arpeggi che cesellano un giro su una scala di do che vede l'entrata fugace di un la minore.

Sempre dallo stesso lp viene la prossima traccia, uno di quei quadretti di guerra a cui Dalla ci ha sempre abituato quasi dolcemente. Il ritmo, nonostante il titolo sia "Tango", non è quello argentino, d'altronde Dalla non ama indugiare sulle ritmiche di questo grande paese, coltivate invece benissimo da Guccini in brani come "Tango per due". Qui le atmosfere argentine sono portate solo da una fisarmonica che fa brevi passaggi molto argentini, oltre a cesellare una di quelle melodie del migliore Dalla, compromesso tra semplicità e larghezza di veduta musicale (non mi stancherò mai di dire che questo è il Dalla che preferisco: né avanguardia né pop moderno odark!).

Sempre da "Com'è profondo il mare" (1977) viene questa "Quale allegria". Il brano è una riflessione amara sulla vita e sulle sue menzogne. Questa è una di quelle canzoni senza ritornello, un fiume di parole che sfocia naturalmente in un mare di note. Interessante anche lo scat finale, anche quello amaro e quasi urlato.

Sempre dallo stesso lp del '77 viene anche "Non andar più via", ballata lenta e articolata, come era il Dalla migliore. Il testo è un grido di libertà, una rivendicazione di esistenza di cui forse l'arte avrebbe bisogno più oggi che allora. Forse è anche un grido d'aiuto a chi ascolta, comunque è un bel brano. Interessante è la coda strumentale, con un leggero elemento disarmonico.

Da "Automobili", ultimo album scaturito nel 1976 dalla collaborazione con il poeta Roberto Roversi, viene questa "Due ragazzi". La prima parte è una tarantella spezzata e rivissuta da un musicista geniale, mentre la seconda è una ballata con tinte jazz. Il testo è la descrizione di un amore svoltosi in un auto. Veramente bella!

La traccia successiva già sta ai limiti di quel Dalla avanguardistico che non amo,così come non stimo il cantautore pop nato dopo "Amen" (1993. Il brano è una canzone d'amore un po' allucinato.

Molto bella e un po' felliniana è "Anna bell'Anna", presentata al Disco per l'estate 1974. In più punti ricorda le colonne sonore di Nino Rota o anche gli stilemi delle musiche del cinema muto. La ballata ha una struttura che permette al banjo di swingare, atmosfera rafforzata anche dall'interessante intervento del piano elettrico nonché dallo "scat" finale di Dalla. Va detto che il cantautore con gli anni ha forse perso smalto anche in questa sua seminale caratteristica.

Questa è una delle canzoni che più ha cullato la mia infanzia, si intitola "Il cojote". Credo sia una metafora dell'eterna sfida fra il debole ed il forte, spesso ingiustamente vinta da quest'ultimo. La metafora è rappresentata dal cojote e la stella, il racconto è scandito da continui "crescendo" che scandiscono il racconto triste e sentito. Difatti il brano ha tre tonalità re mibemolle e mi, e si torna in re solo per la chiusura in "scat", stile che spesso dialoga con la batteria che esegue virtuosismi.

Un'altra chicca, anche se non particolarmente importante nella mia vita, è la traccia successiva e conclusiva dal titolo "l'ultima vanità". Il brano è una specie di habanera, tra minore e maggiore, perfino con interessanti passaggi arabi nella parte iniziale, mentre la chiusa strumentale, brevissima, si schiude in un valzer.

Nell'insieme è un bel disco, ovviamente sconsigliato ai neofiti che devono (e dico devono!) cominciare con "12000 lune" del 2006, triplo cd con tutte le più belle di Dalla.

Canti e pizzichi d'amore Canzoniere Grecanico Salentino

2011-11-02T19:30:00.002+01:00

Carissimi lettori, pubblico una recensione di "Canti e pizzichi d'amore" del Canzoniere Grecanico Salentino, che apparirà anche su www.blogfoolk.com, ottimo blog dedicato alla musica popolare ed alternativa curato dal campano Salvatore Esposito.

Il Canzoniere Grecanico Salentino è uno dei gruppi più longevi della scena della riproposta salentina, il più antico tra quelli in attività e l'unico rimasto in piedi (seppur con formazione completamente rimaneggiata) tra quanti iniziarono negli anni Settanta la riscoperta del folklore basso-salentino.
Lo stile del gruppo si è sempre trovato in bilico tra riscoperta delle sonorità popolari ed innovazione, specialmente per quanto riguarda i testi (prima fase coincidente con gli anni Ottanta) e i tocchi strumentali (successivamente, fino ad oggi).
Dimostrazione di ciò è il disco "Canti e pizzichi d'amore", album pubblicato nel 2000 per l'etichetta "Salento altra musica".
L'album è composto da brani tradizionali rielaborati dal gruppo sia musicalmente che testualmente (è raro che il Canzoniere esegua i classici salentini con le strofe che si trovano nei corrispondenti documenti originali).
Il cd è introdotto da rullate di plettri (tipiche dello stile di Daniele Durante) che ci portano verso una "Pizzicarella" caratterizzata da un interessante ed inusitato passaggio in sottodominante che ricorda certe pizziche dei secoli precedenti. Il canto è portato da Rossella Pinto (storica voce femminile del gruppo sin dagli anni Settanta e fino al 2007, anno di uscita anche per Daniele Durante) ed Anna Cinzia Villani, allora alle prime armi come interprete di canti popolari, ma già dotata di una fortissima personalità.
Dal punto di vista testuale il brano è caratterizzato dal minor numero di strofe rispetto alla versione raccolta da Brizio Montinaro nel suo "Musiche e canti popolari del Salento", che contiene anche la parte di testo dedicata alla rondine.
Forse i controtempi di chitarra affievoliscono la forza della pizzica, comunque è una buona versione.

Sempre dai dischi di Brizio Montinaro proviene "Ferma Zitella", che invece viene eseguita per intero, con un ritmo molto fedele a quello del documento "di campo" seppure quest'ultimo è eseguito a cappella.
La prima strofa è cantata a cappella, poi entra una chitarra accordata in re minore, dalle forti risonanze barocche, accentuate anche dal mandolino e dal violino. I momenti strumentali forse tendono a far dimenticare che il canto è narrativo, una maggiore fluidità sarebbe un elemento a favore di una maggiore leggerezza e anche, perché no, di una maggiore filologia.

Tornando alla pizzica si arriva a "Canuscu na carusa",, ancora lontana dall'essere quel classico della tradizione salentina, lanciato in ogni salsa a partire dall'inclusione del brano nelle scalette del Concertone di Melpignano. La versione del Canzoniere è caratterizzata dall'importanza della voce baritonale di Durante, che per la prima volta all'interno di questo disco canta con piglio da protagonista, delegando i cori alle due voci femminili, Anna Cinzia Villani sulle basse, Rossella Pinto un'ottava sopra il canto principale. È interessante notare come il brano sia guidato, come già "Pizzicarella", dalla fisarmonica, che esegue un assolo successivamente ripreso da Durante nella canzone "A ddhai oju bu bisciu" del cd "E allora tu si de lu sud" (Animamundi 2007).

Dai dischi di Montinaro proviene la traccia successiva, giustapposizione di due brani di ispirazione religiosa: "Oh Diu quantu sta casa è benedetta" e "Sia benedettu ci fice lu munnu".
Il primo brano è eseguito a cappella, così come avviene nel documento originale, se non fosse che nella versione del Canzoniere assistiamo alla polifonia, con lo schema già enunciato per il brano precedente. La seconda parte della traccia è eseguita con l'accompagnamento degli strumenti, ma invece di usare cupacupa ed organetto (come nell'originale) il gruppo opta per un trio composto da tamburello, flauto e mandolino. Quest'ultimo è sicuramente lo strumento che esegue le parti più interessanti, dato che si assiste ad una contaminazione tra tecniche da "barbiere" e stili della tradizione portoghese, specialmente per quanto riguarda gli accordi eseguiti con il tremolo. La parte di flauto, ponte strumentale tra le varie strofe, è una serie di scale eseguita con un semplicissimo flauto dolce.

Nella traccia successiva, la classica "Quantave", fa la sua comparsa da protagonista il violino di Mauro Durante. È lui difatti a guidare questa pizzica che, a livello di intensità e di spirito, potrebbe ricordare la "Tarantata" o "indiavolata" di Luigi Stifani, seppure non ne ricalca mai i giri melodici.
Come per "Pizzicarella" anche qui va notata la tendenza del gruppo a stemperare la forza della pizzica, creando così una scuola che, in modo diverso, ha influenzato quasi tutti i gruppi salentini degli ultimi vent'anni.
Della tradizione il brano conserva l'entrata degli strumenti in momenti diversi, stratagemma che viene utilizzato anche per la loro uscita. Difatti il tamburello, dopo l'ultimo assolo di violino, esegue una serie di accenti dopo iquali sparisce, permettendo a chitarra, violino e fisarmonica di chiudere da soli il pezzo in sfumato.

La traccia successiva è "Ohi rondinella ci", brano lento che il gruppo riprende nella versione pubblicata su partitura dallo stesso Daniele Durante nel volume "Canzoniere", curato insieme a Luigi Chiriatti per le Edizioni Erreci di Lecce nel 1990. Il brano ha una struttura di ballata, paragonabile al Fado portoghese, seppure la fluidità della serenata viene intaccata dai troppo numerosi e lunghi assoli strumentali, eseguiti sia dai plettri che dal violino, creando una certa pesantezza in chi ascolta. Va anche detto che forse la voce di Anna Cinzia Villani in questo brano dolcissimo non convince, data la sua ancestrale durezza.

Tornando alle pizziche si esegue una strabiliante versione del classico "Te sira", delegata solo al tamburello, che usa la tecnica moderna con una terzina che ne ingloba varie al suo interno, e alla fisarmonica oltre alle solite tre voci. Il canto qui torna ad essere affidato a Daniele Durante, mentre le voci femminili fanno solo i cori, stavolta con Anna Cinzia Villani sulle note alte.

Dalle ricerche di Giovanna marini nonché dal primissimo repertorio del Canzoniere stesso viene la traccia successiva, un toccante canto funebre intitolato "'Ntunucciu". La versione del gruppo consta di due parti ben delineate. La prima, corrispondente al primo giro melodico, è un raffinato valzer lento solo inficiato da qualche nota di troppo della fisarmonica che prova, riuscendoci a stento, ad imitare la sacralità dell'organo.
La seconda parte, il resto del brano, è un valzer quasi festoso che, almeno secondo chi scrive, non si addice alla tristezza del testo. Solo la raffinatezza dei controcanti per terze smorza un po' l'atmosfera di festa, rafforzata dall'uso del tamburello, che nella tradizione non accompagna mai momenti tristi, spesso delegati alle sole voci.

Andando avanti si torna alle pizziche con una delle più classiche, quella conosciuta come "Pizzica di Aradeo". Il gruppo, così come avviene nella più schietta tradizione, la accompagna con un giro in "modo misto", maggiore-minore. Ciò che smorza molto sono i controtempi degli strumenti melodico-armonici rispetto al tamburello, unico a cui viene delegata l'esecuzione dell'ossessivo ritmo. Sembra vi siano anche dei problemi di utilizzo della metrica, vi sono delle strofe dette un po' troppo velocemente, il che fa perdere l'incisività del testo, costituito da strofe di varia origine accomunate dalla tematica romantica.

La traccia successiva è forse la meno riuscita del disco, una versione a pizzica-pizzica di "Sutt'acqua e sutta ientu", melodia suonata negli anni Cinquanta come tarantella, sicuramente molto più adatta a questo ritmo.
La versione del Canzoniere inizia in maggiore con una parte lenta caratterizzata dall'utilizzo di accordi di settima aumentata e settima, poco usati, raffinati ma forse inutili.
Nella parte a pizzica, come nel brano precedente, sono facilmente rilevabili gli effetti di una scansione alternativa (forse sbagliata) delle parole, perfino nell'uso del fiato.

Il momento massimo del disco è la sua ultima traccia, una "Ronda" registrata live. Il brano è un'insieme di varie melodie di pizzica, eseguite "a botta" (voce e tamburo) in una sfida fra Daniele Durante e Anna Cinzia Villani. Rossella Pinto interviene solo nel ritornello che riecheggia la pizzica di Ugento e viene interpretato a tre voci.

Ciao Gino!

2011-09-14T13:33:00.000+02:00

Carissimi lettori, sono due giorni che lascio in silenzio la mia anima, è tempo invece di ricordare un altro grande della musica italiana che ci ha lasciato domenica scorsa. Infatti, all'età di ottantasei anni se ne è andato il più grande baritono (opinione personale e discutibile) che la musica leggera abbia mai potuto vantare.

Mi riferisco al grande Gino Latilla, che viene ora ricordato solo per "Vecchio scarpone" (presentata al Sanremo1953) e "Tutte le mamme", vincitrice del Sanremo 1954. Questo brano, come avveniva nei festival storici, venne cantato dal nostro in coppia con il tenore bolognese Giorgio Consolini. Entrambe le versioni sono presenti su Youtube (quella di Latilla grazie a mrclimonmusica, quella di Consolini grazie a Mazzone1). La solennità della voce di Latilla per me è molto più affascinante, fa provare sensazioni molto più forte. Questa mia passione potrebbe anche essere semplicemente dovuta alla rarità del timbro di baritono, che oggigiorno è solo prerogativa della lirica, difatti la musica leggera è il regno della più totale disimpostazione vocale, delle voci senza personalità, tanto se sono stonate si truccano.

Si deve a Latilla anche la scoperta di un altro grande, il contrabbassista, violinista e compositore torinese Fred Buscaglione (1921-1960). Difatti negli anni Cinquanta, checché ne dicano certi cultori del jazz estremisti, la nostra inconfondibile melodicità italiana amava adagiarsi spesso su tappeti jazz. È il caso del brano bellissimo, ma poco conosciuto, dal titolo "Scusami", interpretato da Latilla nel Festival di Sanremo del 1957.

Sul mercato, oggi come oggi, di Latilla si trova pochissimo, oltretutto niente di veramente storico. Difatti solitamente io sono contraria a tutti quei dischi dove i cantanti ricantano i loro successi, infatti è raro che questi progetti poi portino ad esperimenti di vera qualità e siano fatti pensando alla raffinatezza delle orchestrazioni, caratteristica basilare delle registrazioni anni Cinquanta. Sperando che il lugubre fatto accaduto domenica 11settembre (ora data funesta anche per la musica italiana, non solo per il Cile e gli Stati Uniti) faccia ristampare qualcosa, cito "Una voce senza tramonto" della Cetra, rigorosamente introvabile.

Buon ascolto, riscoprite le grandi voci della nostra canzone!

Considerazioni sulla parte iniziale del concertone di Melpignano 2011

2011-08-27T23:14:00.002+02:00

Carissimi lettori, questa sera recensirò la prima metà (circa tre ore e mezzo) del concertone di Melpignano, in diretta grazie allo streaming web della televisione locale salento web tv all'indirizzo www.salentoweb.tv.

Il concerto è iniziato con un breve discorso, dopo il quale hanno iniziato a cantare le "'Ngracalate", ottimo gruppo tradizionale. Accompagnate dalla fisarmonica di Roberto Corciulo (da me conosciuto ai tempi della sua militanza negli Aramirè) hanno intanto interpretato "Santa Cesarea", canto riconducibile agli Ucci, quindi al pluricitato ma poco omaggiato in questo festival Uccio Aloisi. L'interpretazione è stata molto bella e sanguigna, ed ha subito ceduto il passo a "La fija de lu massaru", brano che a cappella si rallenta rispetto alla versione degli Agorà nel cd "Io, pizzica e tu...". L'interpretazione è sporca quanto basta, ma le voci sono belle ed intonate.

Subito dopo si è avuta un'interessantissima versione di "Damme la manu" (conosciuta anche come "Damme nu ricciu), che ha subito notevoli (ma tradizionali) variazioni. Magari tutti la facessero così!

Subito dopo, sempre con la bellissima fisarmonica di Corciulo, sono arrivati dei bellissimi stornelli con delle notevoli improvvisazioni testuali (così si innova! Credo che il Salento sia uno dei pochi posti al mondo in cui si pensa di innovare solo musicalmente, oltretutto forzando molto la mano, mentre si neglige l'aspetto canoro, lasciando ad esempio perdere le possibilità che per dire sarebbero date da un addolcimento rispettoso del canto, nonché l'aspetto testuale). Gli stornelli erano sulla melodia del "Fior di tutti i fiori", di cui riprendevano anche alcune strofe. Suona strano sentire alcune strofe che si sono conosciute lente a stornello, ad esempio la coppia di distici legati "Donnaci stai alla ripa de la Francia/ dimme l'amore comu se cumincia// E se cumincia cu soni e cu canti/ e va finire cu pene e turmenti". Comunque grande lezione a tre quarti dei gruppi salentini.

Il pubblico è un po' casinaro, meglio sinceramente nelle sagre di paese, anche pensando al fatto che il secondo gruppo sta accordando gli strumenti (sì perché le 'Ngracalate" hanno suonato appena un quarto d'ora e tutti i gruppi tradizionali dovrebbero suonare per un totale di un'ora e tre quarti (certo, Uccio è meglio rappresentato da Ludovico Einaudi piuttosto che dalla gente come lui...). Poi delle disparità fra il trattamento riservato a Uccio Aloisi quest'anno e quello riservato a Pino "Zimba" tre anni fa da pagani avremo modo di parlarne polemicamente (giusto per non essere polemici quell'anno, il 2008, tre ore del concertone furono tradizionali... rifletteteci...).

Il secondo gruppo, e giustizia sia!, è l'Uccio Aloisi gruppu, che ora, dopo la morte del suo ispiratore avvenuta alla fine d'ottobre dell'anno scorso, si chiama Robba de smuju. L'esibizione è iniziata con una breve cantata a cappella, seguita subito da dei bei stornelli. Gli stornelli sono stati alla maniera di Uccio, cantati da una bellissima voce tenorile, che in questa occasione è stata affiancata da una bellissima voce femminile (che non so a chi appartiene, durante le presentazioni speriamo di capirlo. Va detto che l'audio è un po' brutto, ma questo è l'unico canale che trasmette il concertone senza pubblicità). Naturalmente va detto da subito che l'Uccio Aloisi gruppu (o Robba de smuju) ha nel mandolinista Antonio Calzolaro il miglior elemento, per quanto tutti siano bravi (se avete più fortuna di quanta ne ho avuta io quando sono andata giù che me li sono visti solo per mezz'oretta, godrete davvero).

Il brano successivo è stata una pizzica molto coinvolgente quasi al modo della cutrofianese. Della cutrofianese ha conservato la caratteristica della sfida (fra la voce tenorile e quella femminile) oltreché molta parte della melodia.

Subito dopo c'è stato un valzerino a me completamente nuovo (e così mi piace, altra bella lezione ai gruppi di riproposta: la tradizione si rispetta non a chiacchiere ma a fatti, non si sfrutta come miniera di testi, ma se ne rispetta tutto o molto, non come fanno troppi).

Ora siamo con un'altra pizzica, una molto bella (forse la più bella da me sentita) versione di "Sta cala lu serenu". Sarà anche che la leggerezza del mandolino equilibra in maniera insuperabile il battito ossessivo e forte dei tamburelli, creando quell'armonia che molti gruppi di riproposta perdono, e non dico solo quelli contaminati.

Ora i Robba de smuju si stanno dedicando all'esecuzione di "Vorrei volare", uno dei brani più noti del repertorio di Uccio Aloisi,serie di stornelli in lingua italiana che io non amo più di tanto, sia per il fattore linguistico, ma anche per quello ritmico: lo stornello lo voglio scatenato. Comunque questa è una versione interessante perché c'è la sfida tra le due voci maschili del gruppo, la tenorile e quella meno corposa ma comunque potente di Domenico Riso.

Con la partecipazione di Antonio Melegari il gruppo sta eseguendo una pizzica di Cutrofiano al modo degli Ucci. Davvero bella. Ci sono molte strofe a me conosciute, forse c'è anche qualche improvvisazione. Possiamo finalmente dare un nome ai cantanti citati poco sopra: la voce tenorile appartiene a Gino de Nuzzo, anche dedito al tamburello, mentre la notevole voce femminile è quella di Lucia Passaseo, anche negli Ariacorte e collaboratrice sporadica di Cinzia Marzo in un bellissimo quartetto vocale costituito anche da Rachele Andrioli (ex cantante degli Zoè)e Rosaria Gaballo (una delle sorelle di Nardò, grandi cantrici riportate alla luce da Dario Muci).

Il pubblico nel precedente momento di pausa ha preso i tamburelli e ha fatto qualche strofa spontanea (che non ho capito, comunque è un bel clima anche se forse la troppa gente fa fare meno festa e diminuisce l'effettivo coinvolgimento del pubblico). Il pubblico sta cantando "Bella ciao", qualcuno, molto suscettibile e fascista che frequentava il sito www.pizzicata.it qualche anno fa si arrabbierebbe allo sfinimento. È un canto inframezzato da grida e un po' stonato ma è segno di festa e perché no di ribellione a queste ultime decisioni governative che ci vorrebbero perfino privare del 25 aprile e del 1 maggio.

Ed eccoci agli Arakne Mediterranea, di cui io ho ampiamente parlato su queste pagine, gruppo diretto attualmente da Imma Giannuzzi, che insieme a Cinzia Marzo e Anna Cinzia Villani forma il trio delle grandi cantanti femminili salentine. Il primo brano è una pizzica-pizzica che convoglia una serie di tarantelle barocche. Notevoli il flauto e il violino. Il flauto attualmente si sta lasciando andare a delle improvvisazioni non molto leggere, un pochino disarmoniche (giusto per tornare a quella mancanza di armonia che mi capita di trovare di tanto in tanto in molti gruppi di riproposta).

E finalmente si è potuta sentire la bella voce di Imma Giannuzzi interpretare "Fimmene fimmene", momento di suprema armonia che precede una pizzica per ora inascoltabile a causa delle esternazioni poco armoniche di una zampogna, strumento che mi sta particolarmente antipatico nelle musiche dove non c'è di tradizione (e anche nei posti dove c'è preferisco i momenti in cui tace).

Gli Arakne provengono da Martignano, altro paesino della Grecia salentina come Melpignano, ora stanno cantando una pizzica in minore, esattamente in la, dove per fortuna le esternazioni poco armoniche di cui sopra sono equilibrate dai voli leggiadri di un mandolino. Se ve la dovessi descrivere direi che questa pizzica riprende il giro armonico tonica-dominante in la minore, come alcune pizziche scritte modernamente nella zona di Lecce o come altre tradizionali nella zona di Brindisi, che però generalmente hanno anche il terzo accordo, ossia la sottodominante.

E dagli studi del Di Lecce, ex direttore del gruppo e suo fondatore, proviene questo insieme di strofe che viene solitamente cantato con l'aiuto di una tammorra muta e delle mani del pubblico. Per trovare la genesi di questo brano si può leggere il volume comunque interessante "Danza della piccola taranta", edito da Sensibili alle foglie nel 1994.

Tamburelli, nacchere e ciaramella eseguono una pizzica in sol. La melodia è una tipica scala, alternativamente ascendente e discendente, molto ripetitiva. Il brano era iniziato con un assolo di zampogna e circolarmente ci si è concluso.

Ed eccoci ad una pizzica (che non ascolterò per intero perché c'è qualche problema streaming), una pizzica tarantata dove i tamburelli sono le mani del pubblico. Le strofe sono di varia provenienza ma riportate rigorosamente in leccese. Nel ritornello si ha la possibilità di apprezzare la bravura di Luigi Giannuzzi, che oltre ad avere un'eccelsa voce da tenore ha una strabiliante mano su molti strumenti tra cui il tamburello. Da questa pizzica è sgorgato, senza soluzione di continuità, l'assolo di questo strumento. Non ritengo questo momento fondamentale, anzi a me il tamburello piace quando accompagna, non quando diventa una batteria. Magari mi impressiona ma poi dico: "Che mi ha dato?" "Niente!". Comunque dalle acrobazie rinasce la pizzica e ritorna l'ultimo giro di tarantata.

Omaggio a Pino "Zimba", con l'attacco di "Sale", che inizia una pizzica ugentina, difatti questa strofa ("sale, ulia mangiare cent'anni sale/ pe 'na donna ca me disse su dessapitu" o anche "lu testamentu", come hanno fatto gli Arakne) è esclusiva di Ugento. Nonostante questo ritornello le strofe che luigi Giannuzzi canta sono quelle comunemente cantate come "Sta cala lu serenu", già sentita poco fa dai Robba de smuju (fantasia!). C'è di buono che le melodie sono diverse e anche gli approcci al brano, quindi non dà fastidio. L'assolo di flauto ha concluso questo brano mentre il violino ha iniziato una bellissima, e credo anche lunghissima, "Pizzica tarantata". La versione degli Arakne ha una grande parte in cui il tamburo è rappresentato dalle mani della gente, devo dire che il lavoro lo stanno facendo bene. La parte di violino, oltre che da variazioni sul tipico giro di tarantata alla Stifani, è costituita da parti in minore. Ed entra l'armonica in do, con lei arriva anche la voce di Imma che inizia a cantare le strofe che si sentono nella "Pizzica taranta" di "Tre tarante". Forse la parte di armonica pecca un pochino per certe (leggere e poco importanti) incrinature blues, soprattutto sulle note che precedono i leggeri respiri che ogni armonicista deve concedersi per non sfiancarsi del tutto. Le strofe stanno cambiando, mamma mia che bello. Qui le incrinature moderne si sentono di più, peccato perché questa pizzica è profondamente concepita come omaggio alla tradizione. A livello di canto si riconoscono infatti le strofe di Cosimino Surdo e quelle di altri anziani che non identifico. E siamo arrivati alla tipica presentazione del gruppo da parte della sua leader Imma Giannuzzi, caratterizzata dalla specificazione della provenienza, paese per paese, di ogni componente del gruppo. Difatti, meglio ricordarlo, il gruppo, anche se a prevalente presenza leccese, è composto anche da brindisini e baresi ed esegue repertori provenienti da tutta la regione. Per averne conferma basta ascoltare il cd "Apulia". Da lì è partito l'assolo di percussioni con cui il gruppo ha salutato il pubblico.

Datemi ora la pazzienza per reggere quello che sta per succedere, ossia le rielaborazioni di un grande ma molto presuntuoso musicista che si chiama Ludovico Einaudi. Odio infatti le generalizzazioni del tipo: "la musica elettronica è l'unica in grado di parlare al mondo contemporaneo". Secondo me queste affermazioni, oltre ad essere irrispettose per la complessità dei gusti possibili, denotano grandissima ignoranza, che non può esser cancellata da niente, tantomeno da anni di conservatorio e teoria musicale. Secondo il mio parere gli unici in grado di capire questa musica sono quelli che si fanno guidare da essa, non quelli che hanno la presunzione di incasellarla arbitrariamente nei loro schemi. Io nelle sagre di paese dove sono andata, specialmente a Tricase Porto, ho visto molta gente che la capiva, la amava e la sentiva come propria,senza stare a dire di sapere chissà quale verità assoluta ed acquisita. Ovviamente nemmeno io voglio con questo articolo dare qualcosa che si avvicini alla verità, voglio solo far sentire una voce che si unisce ad un coro già iniziato degli scettici e, perché no, degli stanchi, di quelli che pensano che il futuro di questa musica vada o possa anche essere ricercato nella sua innovazione rispettosa e non solo nella contaminazione sfrenata.

Comunque ora che inizia l'orchestra popolare ne parleremo canzone per canzone.

Il pubblico si sta serenamente dando a canti e grida, è rispuntata "Bella ciao", si è sentita qualche bella terzina di pizzica, si aspetta che i "signoroni" salgano sul palco e che il loro ambaradan di cose venga montato.

C'è la fanfara di Tirana che segue un brano tradizionale albanese, devo dire che i fiati qui ovviamente non mi danno fastidio, anche perché io non amo la disarmonia, dove c'è l'armonia amo tutto. Il brano è sostenuto da un accordo di fa, è in maggiore ed ha una parte iniziale paragonabile a certe musiche di liscio italiane, seguita da parti con il tipico intervallo di seconda aumentata fra il primo e il secondo grado della scala, così tipico di varie tradizioni fra cui quella balcanica. E da un brano in fa, cambiando completamente di ritmo, si passa ad un'altra melodia stavolta basata su un "basso ostinato" in sol, addolcito solo da qualche momento in do e in fa. la compattezza dei fiati è veramente strabiliante, nonché il naturale (non hanno bisogno di fare assoli, il virtuosismo sta nel ritmo stesso) girare mirabolante delle percussioni. Sempre senza soluzione di continuità, senza respiro né pausa, si arriva ad un brano più ricco, caratterizzato da un'alternanza di momenti minori a momenti maggiori.

E dopo tre brani in uno si ha la prima pausa dell'esibizione, dopo la quale si riprende con un brano in fa minore, dove si assaporano tutte le scale balcaniche grazie ad un portentoso sax contralto, presto seguito da tutta la banda nelle sue evoluzioni.

È entrato un "basso ostinato" collettivo a fare da sottofondo e poi da contraltare ad un assolo di un dolce ma pur sempre scatenato clarinetto. E cambiando di ritmo si va in do minore, con un brano in cui la fanfara armonicamente suona una coinvolgente ma triste melodia. Ed ecco gli ottoni bassi che si preparano a fare da contraltare alle acrobazie del sax, che però in questo caso esegue parti brevi e con pause, anche se questo non mitiga per niente l'effetto ossessivo (imparate salentini che pensate che per ottenere la trance uno debba sentire una stessa nota ripetuta allo sfinimento). Questo pezzo in do minore ha avuto addirittura una codina cantata. Varie voci cantano all'unisono, caratteristica comune in molte culture mediterranee, quanto la polifonia, che oltretutto nel salento non ha gli schemi rigorosi che certi pretesi insegnanti pretendono attribuirle.

Ed il brano successivo è un brano d'orchestra ma dala struttura spesso fortemente cameristica, nel senso che la fanfara ama dividersi in gruppi più o meno grandi che amano dialogare tra loro. Dopo ciò ora si sta eseguendo un vorticosissimo brano in sibemolle, breve ma sfianca tutti.

Una voce tenorile sta eseguendo un canto in sol minore, lento ma con una batteria forse anche un po' fastidiosa. Comunque il canto è interessante per certe fioriture e coloriture messe indifferentemente sulle alte e sulle basse. Il pubblico purtroppo nonascolta, per questo ripeto: meglio le sagre di paese, per quanto lì ci sia anche chi è maleducato qui si dà il massimo. Il canto è accompagnato da una nota di bordone e da qualche fioritura più alta.

E si torna ai brani veloci continuando ad ascoltare cantare voci tenorili, questa volta in tonalità maggiore. La caratteristica del grado di seconda diminuito è in questo caso la più interessante caratteristica del canto. A cui si intreccia un fiato che dopo aver stimolato in un ultimo sprint di canto il cantante fa un breve assolo che prelude ad un breve sfogocollettivo. La voce torna a far sentire il suo canto con caratteristiche di confine fra il canto e l'urlo, dal quale però sfocia un pianissimo che porta ad una velocizzazione del tempo che porta alla chiusura del brano.

Da un inizio lentissimo è arrivato il solito ritmo veloce, questa volta suonato in un gaio fa maggiore, con scale simili alle nostre, che contemplano comunque tutti i colori caratteristici dei balcani ma lasciano spazio anche alle atmosfere del nostro liscio. Le percussioni fanno la parte del leone, dando alla batteria solo il ruolo di rafforzatore del proprio messaggio (imparate batteristi da strapazzo della musica popolare italiana). Questo brano ha avuto una parte abbastanza strana in quanto carattterizzata da una mancanza di coordinazione fra gli strumenti bassi e quelli alti, i quali suonavano in completa autonomia! Il tutto poi si è pacificamente risolto con l'entrata della fanfara in re, in un'alternanza di parti maggiori e minori, tutte caratterizzate da questa scala. La gente non ho idea di quello che stia facendo, spero che stia ballando.

E il vortice continua tornando sul do minore, con un brano ricchissimo di cambi e modulazioni, con giri simili a certe cose del cante jondo andaluso, soprattutto per la scala, per quanto essa è molto più diluita, con la possibilità per ogni accordo di restare nelle orecchie di chi lo riceve.

Su un ossessivo do minore si staglia il clarino, che con dolcezza si porta dietro la gente in un ballo scatenato, che precede il dialogo tra le varie parti dell'orchestra prese singolarmente. Il brano poi si sviluppa in sibemolle minore e contempla dei fischi altissimi, bello!

Il brano ora si sta sviluppando con un assolo di tromba incastonato su un "basso ostinato" sul fa, che precede i fischi e la riesposizione del tema trainante.

Su un ritmo simile ad una habanera si sviluppa un dolce tema con tonica in sol, il quale ben presto non disdegna profondissime aperture armoniche. Quanta armonia c'è, i salentini dovrebbero farne tesoro ma credo che risulterà loro difficile.

Il brano sta continuando a scorrere, guidato dal clarinetto, strumento da noi poco valutato nella musica popolare in nome dell'idolatria generalizzata all'insipido (e scusate!) flauto dolce. Il brano dà tutta l'idea di essere una serenata suonata davanti ad un'ipotetica finestra.

Ma ecco che il ritmo si fa di nuovo vorticoso, con un ennesimo brano in sol minore, che è ancora una volta caratterizzato da certi "bassi ostinati" che non annoiano perché sono riarmonizzati e riequilibrati da molta ricchezza melodica (anche qui: imparate salentini!).

Brano apparentemente lento in fa, iniziato da un basso ostinato in fa. Quando il basso sparisce il brano diventa vorticoso, è caratterizzato dalle solite alternanze tra scale maggiori e minori, però stavolta quando si va in minore si cambia di tono, toccando il sibemolle.

Molto bello ma secondo me dovevano suonare di più i salentini: è o non è questo il festival della nostra musica popolare per eccellenza per quanto contaminata, sporcata e forse sputtanata?

Avrebbero potuto fare benissimo mezz'ora le 'ngracalate, avrebbero potuto ma non l'hanno fatto.

Si è sentito il tormentone insopportabile (in cui purtroppo sono caduti pure gli Zoè nelle ultime date da me viste) sull'acquisto dei cd, pace.

Si è sentita una pubblicità, probabilmente inizia l'incubo fra qualche minuto.

Scusate lo scetticismo ma non condivido questo festival, ora anche per esperienza diretta della tappa di Zollino. È una baraonda dove la musica popolare è ridotta veramente a musica di consumo, fanno pizziche e canti popolari come potrebberofare qualsiasi cosa. Ripeto: meglio le sagre di paese.

Il pubblico si è ridato di nuovo alle sue grida, stiamo aspettando chissà che.

Vorrei nel frattempo approfittare per soffiare sul fuochino delle polemiche sulla disparità fra Uccio e "Zimba". Non so quanti di voi ricordano che nel 2008 ben metà concertone fu tradizionale, ad eccezione o quasi di quella grandissima pagliacciata (e mi fa male il cuore) dei cantori di Villa Castelli e Mario Salvi. C'erano Giovanni Avantaggiato, Uccio, gli Zoè, gli Zimbaria e addirittura Edoardo Winspeare.

Addirittura, dopo una versione vergognosa dell'inno nazionale fatta con la chitarra elettrica e distorta (perché noi dobbiamo sempre imitare qualcuno!) si ascolta Gianni Morandi cantare Sergio Endrigo (non capisco se sto vivendo un incubo o è vero, la canzone è bella ma che c'entra). Comunque la canzone è "Te lo leggo negli occhi", meravigliosa canzone d'amore lanciata da Dino. Io ripeto che qui siamo in un altissimo livello, ma mi chiedo che c'entra. Potevamo far durare gli interventi il giusto. Stessa identica considerazione feci a Zollino con le mie amiche che mi accompagnavano. Stiamo tutti aspettando che venga montato il mostruoso palco, che il baraccone attacchi, che il presunto futuro della musica salentina nasca.

E prima bisogna anche sentire lo Zecchino d'oro, mamma mia, Santu Paulu meu de le tarante, de li scurzuni e de tutti l'animali de lu munnu!

Il brano è "44 gatti", inno di tutti i centomila gatti che sono lì in piazza ad aspettare di buttarsi in un concerto rock dove la musica popolare è sfruttata e basta.

E perfino la musica classica viene scomodata per attendere Einaudi ed i suoi arrangiamenti. Si ascolta il "Nessun dorma" dalla "Turandot" di Puccini. Bellissima, ovvio, ma che c'entra. Va bene che i momenti di attesa a nessun concerto sono riempiti con musica in tema col concerto stesso, però insomma non ne potrei più, anche pensando all'immane ingiustizia fatta ai gruppi salentini che non hanno avuto il giusto peso.

In attesa si può anche ascoltare la "Volta la carta" di De Andrè live con la PFM. Almeno, dio sia lodato, questa è una tarantella. Ovvio la critica resta tutta.

E scusate se non riesco a parlarvi del concertone nella sua parte enaudiana, non ho pazienza. Questo ho fatto!

aRIAFRISCA: "lA STRADA DELLE ROSE".

2011-08-23T21:43:00.001+02:00

Carissimi lettori, questa sera ho finalmente l'onore di potervi parlare degli Ariafrisca, ottimo gruppo di musica popolare salentina con sede a Felline (LE), in attività da ormai dieci anni.

Il pretesto è la recensione al loro pregevole ultimo compact disc dal titolo "la strada delle rose".

Il cd si apre con una spumeggiante versione strumentale della Pizzica di Cisternino (BR), diversa da quella presentataci da Massimiliano Morabito nel suo "Sendë na rionettë sunà". Se la prima è in minore, questa si lascia andare in un semplice giro maggiore a due accordi, il tipico tonica-dominante della pizzica più pura. La presenza di ben due archi (un contrabbasso ed un violino) danno alla versione degli Ariafrisca una consistenza unica che rasenta l'ossessivo (fortuna!) senza però arrivare agli estremismi che danno certe trovate ormai comuni nella riproposta. Ciò che si trova qui è la semplicità delle pizziche antiche, quella spesso ripudiata da chi questa musica la vuole sfruttare solo per ciò che gli conviene e non valutarne i pregi obiettivi.

Quando si inizia a cantare si sente subito il valore vocale del gruppo che è davvero notevole. Intanto c'è la voce femminile di Maria Laura De Filippis, il cui timbro ha una forte personalità seppur vi si riconoscono chiarissime le influenze della scuola di Anna Cinzia Villani, in una certa potenza che a certe orecchie non abituate potrebbe sembrare calco (ma non lo è). Su certe vocali finali si riconosce (o si potrebbe riconoscere) uno stile che rimanda anche a certo canto contadino non solo salentino. Il primo canto è una versione estremamente personale (e bella!) de "Lu sule calau calau". Di personale vi sono i controcanti nonché piccole parti melodiche, ma soprattutto gli assoli di flauto e mantici, che forse sono le vere armi degli Ariafrisca. Difatti, secondo me, ciò che è migliorato tra "Sona ca nc'è l'aria" e questo cd, sicuramente più bello e maturo, è l'uso di questi elementi. Da notare, in questo brano, l'inizio ed il finale a cappella, eseguiti con uguale perizia anche live (la bellissima serata a Tricase Porto lo testimonierà presto anche per chi vorrà passare sul mio canale di Youtube quando essa sarà pubblicata in molti suoi momenti).

La traccia successiva è "Lu tommareddu meu", ma non vi fate illudere dal titolo, di cose particolari ve ne sono a iosa. Intanto il brano è un misto di almeno tre pizziche. La prima, quella eseguita sempre a gruppo completo (sempre impreziosito dal solito contrabbasso che dà un corpo notevole) è una serie di strofe di tematica varia, non solo sul tamburello. La seconda, leggera variante della prima, contiene strofe particolarmente piccanti, mentre la terza, omaggio ad Otello Profazio o quantomeno da me fortemente collegata al repertorio di questo grande calabrese, è eseguita, meno che l'ultima ripetizione, voci e tamhuri. Imparate gruppetti da strapazzo!

La traccia successiva è una toccante e tradizionalissima "Damme la manu". Si sente una notevole voce da basso, ruolo particolarmente negletto da questi innovatori da quattro soldi che pensano che il futuro della musica popolare sia per forza da trovare nelle contaminazioni spinte. Vanno notate le fioriture della voce principale, nonché il fatto che il controcanto va a terze (ritenuto rigidamente lo schema della tradizione ora che deve essere insegnata in pretese scuole) solo nelle parti finali di ogni distico, giusto a dimostrare che la linearità non era un attributo della vera tradizione.

La traccia successiva è una classica (solo apparentemente) versione della "Pizzica di San Vito" (BR). Intanto non viene eseguita la versione in la minore, bensì quella che lo stesso "mestu" Vincenzino Vita eseguiva in sol-mi. Il testo è tradotto in leccese, sinceramente non disturba. Le strofe sono quelle di Angelo Sabatelli per i "Tre violini inediti del tarantismo" di Fernando Giannini, libro edito per le edizioni Kurumuny di LuigiChiriatti. Per quanto riguarda la parte strumentale essa viene rispettata solo limitatamente alla parte in maggiore, quando si va in minore entra un flauto (forse tenore) e esegue un giro che porta l'armonizzazione anche verso il grado di "sottodominante", ma neanche questo disturba. Nella parte in sol ci sono due strumenti che nella tradizione sanvitese, che io sappia, sono rari. Mi riferisco all'armonica e all'organetto. Ragazzi, questa comunque è una delle migliori (se non la migliore!) versione della pizzica di San Vito all'infuori di quelle dei coniugi Sabatelli!

Ed andiamo avanti con un valzerino intitolato "Il cacciator del bosco". La versione degli Ariafrisca ha di strano il fatto che la parte narrativa è affidata alla voce femminile, mentre sinceramente credo che il canto sia spudoratamente maschile. Questo brano ha delle parti strumentali dove i tamburelli si rimpallano alternando uno una parte quasi brasiliana, l'altro un qualcosa di simile alla pizzica.

Sinceramente lo stacco non risulta molto gradevole alle mie orecchie, più che altro perché spezza l'atmosfera di un raro e gradevole valzer in lingua italiana. Lo stacco in sé non è male, si potrebbe obbiettare (e io obbietto!) che potrebbe essere base per un brano d'autore, non ha senso (ripeto sono opinioni personali e non vincolanti) metterlo in un brano spudoratamente e fortunatamente tradizionale. Alla fine, dall'ultima ripetizione dello stacco, si parte con una pizzica in minore (tonica-dominante) davvero spacca tutto!

Interessanti i dialoghi fra fl'auto e mantici, supportati dalla vigorosa sezione ritmica.

Nel finale la pizzica fa finta di stemperarsi e si ritorna brevemente al tema mediterraneo (o brasiliano) precedentemente toccato. Per fortuna è solo una finta.

Andando avanti si trova una tarantella in maggiore, con una scala amplissima, con un testo tradizionalee semitradizionale. È la storia dell'inizio e sviluppo di una storia d'amore nel mondo contadino. Anche questo è cantato prevalentemente in lingua italiana, in quell'italiano condito di dialetto che, nonostante io non lo ami, mi fa comunque tenerezza mentre (come ormai sapete) non sopporto l'italiano standard accompagnato dagli strumenti tradizionali. Curioso notare come le parti femminili siano in un dialetto più stretto, che viene ripreso, finalmente, anche dalle parti maschili. Ma alla fine si torna all'italiano, in nome di quella convivenza che si può toccare ancora con mano in certe zone del Salento e non solo negli anziani. Musicalmente il brano non porta al ballo, talmente è annacquata e addolcita.

Il brano successivo è sulla melodia nota come "Giulia di Fornovo", grazie alla maledetta fantasia e superficialità di Giovanna Marini. Il brano inizia con una strofa di quelle cantate dalla stessa cantante romana, ma ha una grande coerenza di trama, si sente che è un documento filologicamente rispettato ed eseguito a cappella.

E tornando alle tarantelle, stavolta belle forti, si canta su un monaco un po' poco ligio ai doveri eclesiastici, che preferisce l'amore alle funzioni di chiesa. Nel ritornello strumentale si assiste, ancora una volta, alle strabilianti entrate del flautista e dell'armonicista. Magari le terzine non sono senza respiro tipo Alla Bua ai tempi di Pierpaolo Sicuro, l'efficacia comunque è sempre tanta. Alla fine del brano il ritornello viene ripetuto svariate volte, l'ultima con un finalea cappella giusto per ricordarci di chi stiamo godendo l'arte.

Ed eccoci al brano che dà il titolo al cd, una pizzica in minore, con giro variabile dai tre ai quattro accordi, con musica d'autore ma testo liberamente creato mettendo insieme alcuni gioielli tradizionali poco cantati (questa è una delle caratteristiche degli Ariafrisca, che però non la coltivano in modo paranoico come tre quarti dei gruppi salentini).

Se dovessi raccontare la struttura della melodia dovrei citare gli Zoè e le pizziche in minore di Pisanello ("Don pizzica" e "Filia"), ma lo stile degli Ariafrisca dà tutta un'altra aria al tutto. Da ascoltare con rapimento. C'è questa solita leggerezza che dai tarantati alla Sparagna potrebbe essere mal interpretata, è solo segno di raffinatezza. Nella stessa direzione si muove il lungo crescendo di cui si rendono protagonisti la chitarra, il contrabbasso con l'archetto, l'organetto ed il sassofono soprano, che partono dopo che la stupenda voce di Maria laura De Filippis abbia smesso di cantare, con la sua particolare timbrica tra il rude ed il dolce, bellissime strofe di tematica romantica. Quando si torna a pizzica il sassofono ha il ruolo del canto, incalzato dai mantici. Bisogna dire che in contesto live questa parte perde un po' data la tendenza ad accentuare la botta del tamburello, mentre qui è tutto perfetto.

L'ultima traccia è un brano irlandese, difatti il mondo celtico aleggia per tutto il cd prima di materializzarsi in questa ballata. L'interpretazione è convincente dal punto di vista musicale, anche se il canto forse non rende, come non rendono i tamburelli.

Comunque è un cd bellissimo, che si chiude con una pizzica vorticosa in sol che si attacca all'ultima parte di questa ballata irlandese.

Per scoprire gli ariafrisca si può andare su www.ariafrisca.it o su www.youtube.com/ariafrisca.

Buona scoperta, resterete almeno colpiti.

Agorà: "Io, pizzica... e tu..."

2011-08-16T12:44:00.001+02:00

Carissimi lettori, sono appena tornata dal Salento, dove ho assistito a moltissimi concerti e comprato e ricevuto qualche disco degno di essere recensito.
Questa sera pago il pegno di gratitudine più grande, quello nei confronti del gruppo specchiese degli Agorà (visitate il loro sito all'indirizzo www.agoracantiantichi.net). Ho avuto la fortuna di vedere all'opera questo gruppo amatoriale ma non per questo peggiore di molti professionisti (nel Salento spesso dilettantismo significa attaccamento alla vera tradizione, quindi qualità). Il gruppo suonava in una ventosissima serata a Torre Pali. In quell'occasione ho avuto la possibilità di ricevere il cd (in regalo) uscito l'anno scorso dal titolo "Io, pizzica... e tu...".
Il percorso del gruppo, dal pregevole "Canti antichi" fino a questo perfetto ultimo disco, ha avuto una tappa intermedia nel già qui recensito "Canti de na fiata".

Il disco inizia con un inedito che racconta come sia cambiata la raccolta delle olive (giusto per dimostrare che, come diceva Raheli, una delle strade possibili per la sopravvivenza e il rinnovamento della musica popolare salentina è la composizione di "Nuova vecchia musica salentina". Il brano, intitolato "Lu trappitu", è stato scritto da Saverio Fonseca, affabile signore a cui tocca dirigere questa grande piccola nave della musica popolare salentina. La canzone ha il ritmo della tarantella, il giro tonica-dominante-sottodominante, quindi niente astrusità. Stupenda!

La seconda traccia è una perfetta "Pizzica di Cutrofiano" interpretata magistralmente da Maria Rimini e una voce maschile (forse quella di Giacomo casciaro) che in questo cd suona anche i flauti e il mandolino, forse lo strumento principe della grande elevazione stilistica del gruppo specchiese. Mai, infatti, nessuno strumento straniero potrà rimandarmi un centesimo della leggerezza magica del mandolino. Il brano non è veloce, anzi, è una delle pizziche più "stanche" e coinvolgenti che io abbia mai sentito. Il testo è quello degli Ucci, con qualche variante frutto di accurate e personali ricerche sul campo.

Sempre a tempo di pizzica arriva la bellissima "Quando te vitti", bella pizzica in minore sempre fatta sul giro tonica-dominante-sottodominante. Le strofe tradizionali sono interpretate da Maria Rimini, bella e ormai matura voce del gruppo, con l'aiuto di una voce maschile, che prende delle note che modernamente sono spesso eseguite dalle
donne.

Nel ritornello si omaggia Cosimino Surdo, il quale, invece di utilizzare il solito "Beddhra l'amore e ci la sape fa", intercalava le strofe della sua bellissima pizzica con un "Amame beddhra e nun me bbandunà".

Alla quarta traccia si arriva al primo valzerino del cd, con una bellissima "la fija de lu massaru", che ricorda in molti aspetti certe cantate del patriarca della musica popolare salentina Uccio Aloisi, morto qualche mese fa, e molto poco ricordato nel Salento anche da chi dice di volerlo ricordare.

In questo brano si dimostra ancora una volta che, proprio per i numerosi ostacoli che gli si frapponevano da parte di una società profondamente ingiusta, l'amore dei contadini poiché raro è forse più puro. Il brano scorre leggerissimo come tutto il cd, che prende in maniera assoluta chi ancora sa apprezzare questa musica per quello che è, un genere senza mediazioni.

Quando si torna alla pizzica si arriva ad un collage di strofe tradizionali, dove il giovane Giacomo Casciaro dimostra tutta la sua insuperabile abilità nei ricami su sol centrali sulla "a" della parola "fijata" del comune, ma non per questo stancante, ritornello "Na, na, na, comu balla fijata e ne pizzicau lu core mamma mia ce dulore".

Anche in questa pizzica, insieme a strofe comuni, si sentono assolute gemme di rarità poetica inusitata (agli autori di canzoni politiche a orologeria... meditate gente meditate!).

Solo nelle due ripetizioni della prima strofa si sente il "Beddhru l'amore e ci lu sape fa", ma non stanca.

La mandola che conclude il tutto da veramente la sensazione di essere noi la stella che compare a levante.

Sulla melodia del già di per sé raro canto "'Ntunucciu", riproposto veramente in contate occasioni quasi solo dai gruppi ricollegabili alla prima ondata della musica popolare salentina (Canzoniere e Aramirè in primis) si ascolta un testo in griko cantato dalla cantante femminile aiutata da questi particolari controcanti maschili che andrebbero a toccare note che, solo per spiccata tendenza al convenzionale, consideriamo caparbiamente femminili. Mentre la cantante interpreta con durezza, la voce maschile, pur restituendo il medesimo respiro, addolcisce molto il canto creando un interessantissimo contrasto.

Quando si torna a cantare in salentino lo si fa con l'unico momento un po' fiacco del cd, una versione lenta, simile a quella degli Zoè in "Terra" (pur nella profonda diversità della rielaborazione) di "Nia, nia, nia". Musicalmente sinceramente il brano è un po' troppo elaborato, soprattutto per quanto riguarda l'ultimissima parte del giro del canto, che poi, come nella più autentica tradizione salentina, corrisponde con la completa esplicitazione di ogni singolo distico. Il brano, comunque, è interessante per quanto riguarda il testo. Infatti, ancora una volta, oltre a qualche strofa del testo leccese spesso cantato a pizzica, si assiste ad assolute novità.

Così come per "Lu rusciu de lu mare" nel precedente "Canti de na fiata", anche qui abbiamo due versioni di questo testo. Contrariamente al precedente citato, però, qui le strofe non corrispondono per tutto il tempo. La melodia utilizzata, altro merito agli Agorà, è quella di Luigi Stifani che costui interpreta a filastrocca nel cd "Io al Santo ci credo" allegato all'omonimo libro delle Edizioni Aramirè di Lecce, utilizzata dagli stessi Aramirè in maniera molto buona per la loroversione, unica pubblicata ufficialmente, del classico "Opilllopillopì".

E si torna al valzer, cantando una melodia che gli Zimba (vedere il cd allegato al libro "Zimba voci, suoni e ritmi di Aradeo" delle Edizioni Kurumuny diLuigi Chiriatti) utilizzava per rivendicazioni o consigli sulle lotte alle tabacchine del paese. Il testo qui, invece, è bucolico, forse anche troppo, ma forse anche questo era la musica popolare, anzi forse lo era anche più di quanto fosse questo veicolo di lotta che secondo molti, in maniera estremistica, sarebbe così importante nel folklore salentino, anzi addirittura lo monopolizzerebbe.

Melodia leggera e bella, ispira libertà e gaiezza, anche grazie alla mandola, la cui profondità non dà fastidio, perché non utilizzata in maniera mediterranea (bella ma ormai comune nella musica salentina) ma tendente ad un'italianità spesso dimenticata, in nome di pretesi globalismi o glocalismi che ovviamente è la nostra radice più grande.

La traccia successiva, con la quale si torna alla pizzica, è una versione molto buona, anche se forse non molto convincente perché tradotta dal dialetto d'origine al leccese, della "Pizzica di Torchiarolo", con il testo riportato alla luce di recente da Enza Pagliara.

Ancora una volta ritroviamo questa pizzica, forse per gli standard di certa gente "stanca", ma per me, proprio perché tale, coinvolgente e anche interessante per la possibilità di essere portati dall'arte del gruppo fino a profondità dove la velocità non porta.

La voce del cantante è molto vicina ai portatori della tradizione, è dura e graffiante, niente a che vedere con gli atteggiamenti da "Sanremo dei proletari" che si vedranno tra una decina di giorni a Melpignano.

La mandola cesella leggermente variato il tema vocalizzato nel ritornello, così si va avanti lentamente ma irreparabilmente nella pizzica.

Avrete forse capito che ritengo una lezione grandiosa questo cd, a chi pensa che questa musica vada fatta facendo caciara.

E utilizzando un ritmo latino completamente entrato nella nostra tradizione si interpreta un carinissimo canto da osteria intitolato spesso "Na mujere vascia vascia. una coppia tenta di separarsi minacciando l'altro componente di non farne più parte perché costui (o costei) sarà data, ma poi tutto si risolve per il meglio. Curiose certe inflessioni napoletane nella pronuncia della frase "nui ci ulimu bene", presente nel ritornello. Questo è uno di quei canti che potrebbe continuare all'infinito, per la sua circolarità. Vediamo se anche questo repertorio, tramite qualche coraggioso tra cui gli Agorà, i Calanti e i Briganti di Terra d'Otranto, acquista la dignità che ha acquistato (o fatto finta di acquistare...) la pizzica. Anche qui la mandola cesella il brano con interessanti note ribattute in corrispondenza di ogni pausa.

La penultima traccia, insieme alla seconda, è da sempre (ossia dai cinque giorni in cui ho potuto assaporare il cd) la mia preferita. Il brano si sviluppa in una vorticosa (ma sempre "stanca" e leggerissima) pizzica di Aradeo, inpreziosita dai voli del flauto irlandese, che se fosse meno leggero, diventerebbe, come per miracolo, uno di quei flautini che si sentono in qualche traccia del cd "Le tradizioni musicali in Puglia vol. 3" di Giuseppe Michele Gala.

Anche qui, pur nella relativa stabilità e frequenza delle strofe, si assiste a qualche succulenta novità che non vi anticipo, costringendo chi avrà la curiosità sufficiente, a provare a prendere il cd magari ad uno dei bellissimi concerti del gruppo specchiese.

Va detto, per la cronaca, che anche per quanto riguarda le voci, il gruppo, pur non rinunciando alle sue caratteristiche veramente tradizionali, è migliorato infinitamente.

L'ultima traccia è una tarantelluccia che ricorda da una parte "lu scarparu" cantata dagli Alla Bua nel cd "Stella lucente" del 1999, dall'altra, ampliata credo, una poesia di Cesare Monte, il cui repertorio suonato con gli strumenti del Sud è anche carino. Bellissimi i controcanti di due mandole, una sulle note sottto l'ottava centrale del piano e l'altra sopra.

Avete voglia di fare un po' di festa e magari ubriacarvi anche di semplicità? Ascoltatevi l'ultimo prezioso cd degli Agorà.

Inti-Illimani: Conciertos Italia '92"

2011-06-08T16:38:00.002+02:00

Carissimi lettori, dopo essermi sfogata in difesa di uno dei più grandi e longevi gruppi salentini, torno, per la seconda volta, ad omaggiare uno dei gruppi più importanti nella mia formazione di appassionata di musica e musicista. Mi riferisco agli Inti-Illimani, che questa volta omaggerò recensendo un loro disco di reperibilità particolarmente difficile dal titolo "Conciertos Italia '92").

Il disco è un bootleg ufficiale, ossia uno di quelli dove il suono dal vivo è lasciato puro o quasi. Il percorso inizia con un brano estratto dall'altro pregevole disco dal vivo del gruppo, pubblicato due anni prima insieme a Paco Peña e John Williams, dal titolo "Leyenda". Il brano è uno di quegli strumentali imponenti così cari al gruppo, che ne ha fatto una delle sue bandiere, più riconosciuta anche della stessa bandiera politica, che invece soprattutto per il pubblico italiano è l'unica che il gruppo ostenta. Il brano si basa su una melodia solo in apparenza scarna e semplice, composta da due giri melodici completamente diversi che si incastonano l'uno dentro l'altro e sono interpretati da un crescendo di strumenti di diverse provenienze, dal charango al tiple, dalle claves al contrabbasso. Solo nella seconda ripresa della parte iniziale, di introduzione alla base della melodia, entra la zampoña, da noi conosciuta comunemente come flauto di pan. La gente accoglie in maniera abbastanza tiepida, anche se forse apprezza sinceramente. Ho già accennato all'eccessivo legame che il pubblico italiano ha con la parte andina del repertorio del gruppo, che non è mai stata la dominante nel suo immaginario, anzi è entrata successivamente rispetto all'inizio della sua carriera in quanto il suo primo disco è un omaggio alla rivoluzione messicana ("Canciones de la Revolución mexicana 1968).

Il gruppo, continuando, va a riprendere uno spumeggiante brano boliviano da lui reinterpretato nel disco "Palimpsesto" (1981), quello che aveva inaugurato la fase della "Finestra aperta" e chiuso quella della "Valigia pronta". Il brano è interpretato inizialmente solo voci a "canone" con un leggero accompagnamento di chitarra sui bassi, per poi esplodere in una festa di armonia tra voci e strumenti.

Il primo intervento parlato è di Jorge, all'epoca principale incaricato dei contatti con il pubblico di un gruppo che non aveva bisogno di aggettivi per presentarsi come "histórico" o "nuevo" e non era stato corrotto dal più grande corruttore dell'arte, il Dio Denaro.

Quando il gruppo torna a cantare presenta un brano, a ritmo di cueca, che all'epoca stava conoscendo le sue prime apparizioni pubbliche, mentre l'anno successivo sarebbe apparso nel cd "Andadas". È un brano sull'esilio e su come questa esperienza faccia poi sentire stranieri in qualsiasi posto. Il brano è veramente stupendo, innova con quella semplicità che ora, spesso, i gruppi popolari di tutto il mondo hanno perso in favore di una discutibile tendenza al barocco. È interessante sentire come il sax soprano di Renato Freyggang riesca ad avere la stessa capacità evocativa della tromba, anzi la superi.

Gli Inti-Illimani, proseguendo, riprendono uno di quei brani che "appartengono in buona misura" alla prima generazione dei loro ammiratori, la più settaria, chiusa ma forse anche sincera. Il brano è "Run run se fue pa'l norte", scritta da Violeta Parra con un ritmo molto più veloce e con un testo molto più lungo, interpretata dal gruppo con un arrangiamento concepito dal grande musicista classico cileno Luis Advis, quello della "Cantata a Santa María de Iquique" per i Quilapayún e del "Canto per un seme" per gli stessi Inti. Il brano fu inciso per la prima volta nel primo periodo cileno del gruppo nel vinile "Autores chilenos" (1971), quasi totalmente riprodotto dal vinile "la nueva canción chilena", inciso in Italia tre anni dopo (1974). La versione del gruppo, nonostante la sua innegabile bellezza, fas perdere molto del carattere narrativo datogli da Violeta Parra (disco "Sus últimas canciones" 1966),, che lo avvicina a certi canti di tradizione italiana con la struttura di ballata.

E il tuffo nei ricordi non si arresta, anzi continua con un "Tincu" estratto e reinterpretato a partire da quel "Canto de Pueblos andinos" inciso pochi mesi prima della tournée in Italia del 1973 che si trasformerà in un esilio durato per quindici anni, ripubblicato in versione originale in Italia nel 1975. La versione live è sempre stata molto più veloce, quindi permette ai musicisti di divertirsi. Bello, e particolare, il controcanto urlato di José Seves (grandissima voce del gruppo, ora negli Históricos,) alle frasi cantate da Horacio Salinas con festosità e misura.

Si torna al presente, o meglio al futuro degli Inti-Illimani, ossia ai brani di "Andadas", con una salsa scritta da Horacio Salinas su testo del grande Nicolás Guillén, lo stesso poeta musicato da Paco Ibáñez nella sua "Guitarra en duelo mayor" ("Soldadito boliviano"), presente nel cd tributo ad Ernesto Che Guevara. L'anima centroamericana del gruppo viene da lontano, si pensi ai pregevoli esperimenti cubani di "Sensemaya" (brano musicato sempre dagli Inti nel disco "Canción para matar una culebra" del 1979, su testo dello stesso Guillén) o alla divertente "Tío Caimán" interpretata nel disco del 1980 dal titolo "En directo" (caldamente consigliato da queste parti).

Meraviglioso l'intervento dell'ottavino e l'uso del tiple come tres, altrettanto efficace nella musica cubana, mentre lo strumento cubano nella pizzica, e lo sapete, non porta a nessun risultato di mio gradimento.

Ed Horacio Durán, con il suo inconfondibile accento romanesco, sta rievocando l'incontro con Roberto De Simone che ha portato il gruppo ha interpretare, in maniera pregevole, sia una composizione dello stesso De Simone dal titolo "Canna Austina", sia una notissima tarantella barocca del repertorio della Nuova Compagnia di Canto Popolare dal titolo comune di "Tarantella del '600". Per chi volesse approfondire lo spettacolo del teatro Mercadante consiglio il canale di Youtube di Thedonnaregina, all'indirizzo www.youtube.com/thedonnaregina. Tornando all'interpretazione del gruppo di "Canna Austina" è una specie di tammurriata senza tamburi, ma l'insuperabile ritmicità degli strumenti etnici latino-americani non fa sentire la mancanza. La vocalità del gruppo fa il brano proprio ma non stravolge per niente l'atmosfera, forse l'unico problema è la pronuncia del napoletano con mancanze abbastanza evidenti. E senza soluzione di continuità entra il tamburello, basco, e con lui la "Tarantella del '600". Suona particolare sentire una bella tarantella suonata con strumenti tra cui spicca un'arpa peruviana, comunque è bella. Entra l'ottavino, in America Latina chiamato "piccolo", che tanto da vicino ricorda gli strumenti fatti con canne dai nostri pastori (meglio l'ottavino che i flauti dolci e traversi nella musica popolare italiana, grazie!). La struttura tripartita del brano viene completata da una particolare rielaborazione strumentale del tema della "Canna austina", che addirittura prevede la solita zampoña bassa, che qui dialoga e contrasta con uno squillante e festoso ottavino. Il contrasto cede spazio al sassofono soprano che dà veramente l'idea di una ciaramella napoletana. Per ascoltare questa versione, solo la parte strumentale, si può utilizzare il disco "Leyenda", caldamente consigliato anche se non so quanto presente sul mercato nostrano. Particolare è, proseguendo l'ascolto, l'entrata del Cajón peruano con terzine che si incastonano nel ritmo della tammurriata, e ancora più particolare è, ormai alla fine, sentirlo accompagnare, insieme al tamburello basco, l'ultimo vorticoso giro di tarantella. Forse manca la precisione della terzina data dal giro della mano, ma l'effetto è spesso superiore a molte tarantelle nostrane!

Quando si torna a cantare in spagnolo, lo si fa con una di quelle canzoni che, tra quelle a tema politico, hanno sempre riscosso una preferenza da parte mia del tutto specifica e particolare. Mi riferisco ad "America novia mía", pubblicata nel 1977, nel disco "Chile resistencia", il primo che annuncia la maturità musicale del gruppo, che esploderà in dischi come "Canción para matar una culebra" (1979) o "Palimpsesto" (1981). Il brano è musicalmente aperto e complicato, utilizza una serie di terze di due quenas (flauto di canna a canna singola) molto particolari. Il testo è sulla necessità, ancora oggi molto sentita nonostante tutto, di liberare il continente latino dal giogo del nord.

Continuando si torna ad uno dei brani che faranno parte poi del successivo lavoro degli Inti, il bellissimo "Andadas" (1993). Il brano è cantato in una lingua precolombiana, credo Quechua. Qui la musica andina nonesplode, anzi è addolcita da certe idee armoniche del gruppo che tendono ad interiorizzarla facendola quasisparire. Particolare è, ad esempio, il fatto che gli accordi di "re minore" (tonica" e "mi minore" siano sostituiti dalle proprie settime, creando così un leggero arricchimento jazzistico, che d'altronde, se inficia un po' la festa, non tradisce nemmeno la radice del canto eseguito.

Sia gli Inti-Illimani che i Quilapayún, entrambi esiliati in Europa per quindici anni durante la dittatura di Augusto Pinochet (1973-1988), hanno voluto ringraziare i rispettivi paesi di accoglienza (Italia per i primi e Francia per i secondi) con composizioni a loro dedicate, scegliendo località a loro particolarmente familiari. È questo il caso di questa "Cinque terre", basata su un basso ostinato su varianti di "mi maggiore", al confine con il doddiesis minore. L'atmosfera creata dal brano dà una grandissima idea di fluidità, di acqua marina in dolce movimento. Infatti, in maniera simbolica, il brano finisce con un "Palo de agua", strumento da noi conosciuto come "Canna della pioggia".

Ed a proposito di brani dedicati all'Italia, si prosegue con "Danza di Cala Luna", basata su un ritmo popolare sardo. Il brano conserva la tipica alternanza tra parti in maggiore, affidate solo alle corde e leggeri tocchi di piatti, e parti in minore dove entra una zampoña contrastata da assoli di corde al contempo intime e scatenate. Nella parte in minore, poi, dal punto di vista armonico, è interessante la presenza del sol maggiore che sostituisce il ben più tradizionale do maggiore. Qui l'alternanza si fa più serrata ed avviene all'interno di uno stesso giro melodico, oppure si potrebbe dire che giri dalla struttura armonica diversa si susseguono in maniera più serrata rispetto al resto del brano. A seguire si torna alla calma del giro in minore. Il brano è presente in due dischi del gruppo intitolati "De Canto y baile" e "Fragmentos de un sueño", risalenti entrambi alla fine degli anni Ottanta.

Si prosegue con un ritmo negro peruviano, sul quale il gruppo canta un testo ispirato a José Seves dalla lettura del libro "L'autunno del patriarca" di Gabriel García Márquez. Anche questo brano è tratto da "De canto y baile", e ancora una volta è caratterizzato da una ricchezza di atmosfere e tecniche esecutive veramente invidiabile (probabilmente se i nostri gruppi di musica popolare ascoltassero più musica latino-americana e meno blues nascerebbero composizioni meno paranoiche e più belle!). Ed entra il flauto ottavino, già presente nel ritornello, per aiutare la festa data dalla sperata, e all'epoca dell'incisione di questo disco finalmente ottenuta, libertà dalle dittature. Il finale è l'esplosione di allegria prima solo accennata, qui sia il cajón che il cencerro la fanno da padrone, e anche gli strumenti a corde e a fiato acquistano una certa leggerezza tipica delle percussioni.

Chicca assoluta è questa "El guarapo y la melcocha", brano tradizionale cubano, giusto per continuare a tentare di sfatare questo mito per il quale gli Inti sarebbero un gruppo che si sarebbe dedicato solo alla musica andina, dal titolo ispirato ad un liquore (el guarapo) e a un dolce (la melcocha). L'interpretazione è festosa, anche se, purtroppo, il pubblico non si sente ad aiutare il gruppo con le mani. Belli gli assoli di tiple, che, come detto prima, anche in questi ritmi sa fare la propria figura (anzi è bello perfino nella musica popolare italiana, per accorgersene basta ascoltare i mirabili contrappunti eseguiti da Daniele Durante su questo strumento nel brano "Quantu è bruttu e miseru lu spettare" nel cd "Allora tu si de lu Sud" (Animamundi). Per ascoltare il brano basta venire sul mio canale di Youtube che, vi ricordo, si trova all'indirizzo www.youtube.com/valentinalocchi.

Il concerto sarebbe finito, infatti la gente stta reclamando il ritorno sul palco del gruppo, il quale accontenta e chiude con un brano boliviano molto amato da noi italiani, e credo non solo. Il brano in questione è "La fiesta de San Benito", pubblicata per la prima volta in Cile nel 1969 (disco "Inti-Illimani"), da noi conosciuta per il rifacimento nel disco "Viva Chile" del 1973, primo pubblicato in Italia dal gruppo.

In questa versione, cosa mantenuta anche nelle successive, c'è una modifica nel testo, infatti il verso "coge tu mante" (prendi il tuo mantello) viene sostituito da un "aunque tunante", ossia seppur girovago. In questa versione fanno capolino alcune influenze africane, ma siamo ben lontani dalle rielaborazioni jazzate, per me insopportabili, fatte spesso dall'attuale direttore degli Inti-Illimani "nuevos" Manuel Meriño. Il gruppo nel finale gioca con le armonie, magari questo smorza la festa che si fa, e voglia se si fa, quando si ascolta questo brano. Il consiglio, in chiusura di questo articolo, è diascoltare questo brano solo nella versione di "Viva Chile".

Sperando di avervi fatto piacere, ¡Viva Chile!

Qualche inderogabile riflessione

2011-05-25T18:17:00.003+02:00

Carissimi lettori, sembra strano dover fare un articolo per valorizzare una storia così lunga ed importante come quella del Canzoniere Grecanico Salentino. I miei punti d'attrito col nuovo corso del gruppo (o meglio con quello che poi si sarebbe concretizzato come il cd "Focu d'amore") restano assolutamente invariabili, ma quando si sentono certe cose in giro anche chi magari non è legato ad una qualsiasi storia finisce per difenderla se questa ha un valore importante a livello obiettivo, al di là di quelle che possono e debbono essere le legittime preferenze estetiche di ognuno.

Nel programma "Mezzogiorno in famiglia" c'è stato un servizio da Foggia (Orsara di Puglia per la precisione) in cui è stato invitato un gruppo di pizzica leccese, perché per molti, la Rai in primis, la Puglia è solo Lecce (e al di là di quelle che possano essere le preferenze di ognuno questo è obbiettivamente falso). Si potrebbe infatti ricordare alla Rai che la zona del Gargano ha un folklore completamente indipendente, degnissimamente e mondialmente rappresentato da gente come i Cantori diCarpino, miglior gruppo in assoluto (secondo me) tra quanti si dedicano al folklore della zona foggiana, diversissimo dalla pizzica leccese, brindisina o tarantina che sia (si pensi alla bellissima ma troppo massificata e rovinata "Tarantella del Gargano" che si trova, con il suo testo più conosciuto, nel primo cd, prodotto con mezzi moderni e diretto da Eugenio Bennato, del gruppo plurigenerazionale garganico).

Ma veniamo a quello che mi ha ferito di più. La presentatrice, e scusate l'ignoranza ma non posso dirne il nome, ha presentato il Canzoniere Grecanico Salentino (che come ripeto non c'entrava niente in questa storia foggiana) come un "Gruppo folkloristico". Che io sappia, e lo so anche per esperienza diretta per aver partecipato ad un concerto di un vero "gruppo folkloristico", questo tipo di associazione non si dedica solo all'aspetto musicale ma ad un'imitazione, secondo me in verità sterilissima, di tutti gli aspetti della vita tradizionale, allo scopo di farne spettacolo gradevole e divulgativo (qualcuno ci riesce ma sono pochi e, almeno per la mia esperienza, non sono italiani).

Basterebbe leggere anche solo qualche piccola testimonianza di Daniele Durante (membro precoce e direttore del gruppo per circa trentadue anni) per accorgersi del fatto che il Canzoniere, d'altronde in contatto con la più ampia esperienza delNuovoCanzoniere Italiano, rifuggiva da questa logica, pretendendo piuttosto la non musealizzazione di questa musica, spesso reinventata (nel caso del Canzoniere anche un po' esageratamente soprattutto nel periodo 1980-1998) o addirittura arricchita con brani nuovi scritti sui canoni tradizionali.

Non dimentichiamoci innanzitutto che il gruppo nasce sotto gli auspici di Rina Durante, grande e feconda intellettuale salentina che era stata portata verso la cultura popolare proprio dalla sua vitalità anche sopita in contesti insospettabili. Tra i membri del gruppo nella sua prima formazione, e questa sarà una caratteristica che conserveranno tutti i grandi gruppi di musica popolare salentina, aveva persone che, in qualche caso come luigi Chiriatti, oltre ad essere ricercatori, provenivano da famiglie dove la musica popolare era sempre stata viva (vedasi ad esempio il caso diPino "Zimba" che entrò negli Zoè da una famiglia dove la pizzica si suona almeno da quattro generazioni, dopo aver addirittura militato in quel gruppo fondamentale per capire tutto ciò che succede adesso nel Salento chiamato Gli Ucci).

Si nota subito che il Canzoniere ha come principale desiderio quello direndere fruibile ad un pubblico giovane ed impegnato questa musica, infatti le prime esperienze il gruppo se le fa alle Feste dell'Unità, quando queste erano qualcosa di serio e non ospitavano solo discutibili gruppetti di liscio (con tutto il rispetto per la musica romagnola che in qualche caso amo anche io). Il gruppo inquegli anni ha un repertorio fortemente politicizzato e, purtroppo, per tirare fuori la politica ancheladdove non c'è, cambia qualche parola ad alcune canzoni tradizionali. Storico è il caso de "Le carceri te Lecce", conosciuta anche come "La Cesarina", che vede cambiato il suo verso "Ci ole Diu cu cangia stu mumentu" in "Ci ole Diu cu cangia stu guvernu". Questa tendenza si radicalizza, insieme ad un'altra ancora più discutibile a sostituire o far convivere in maniera stupida strumenti di estrazione troppo diversa, negli anni successivi. Molto carina, come esempio di canto politico d'autore ma di sana e robusta radice popolare, è "La pacenzia", canto scritto da Daniele Durante a partire da una filastrocca che si raccontava ai bambini. Per ascoltarla basta venire sul mio canale di youtube all'indirizzo www.youtube.com/valentinalocchi. Direi che simili preoccupazioni, per quanto abbiano portato ad un'estremizzazione esagerata l'arte del gruppo, lo allontanino da un qualcosa che possa essere chiamato "gruppo folkloristico". Va anche detto che queste preoccupazioni hanno portato a delle esagerazioni. Pur di rifunzionalizzare i brani salentini, in vari dischi li si suona con batteria, chitarra elettrica e tastiera (veramente la peggiore Notte Della Taranta non si è inventata niente...).

Tornando al programma Rai il Canzoniere Grecanico Salentino non si è assolutamente sentito, forse l'hannofatto vedere mentre ballava, ma ragazzi questo non basta.

Non credo che così si faccia un favore alla pizzica, se gliene volete fare uno ascoltatevi "Canti e pizzichi d'amore" del gruppo citato, disco risalente al 2000, così, oltre a fare un favore alla musica popolare scoprendola in maniera saggia e senza raggiri, ne avrete fatto uno grandissimo anche a voi stessi, scoprendo una delle opere più belle mai dedicate ad una reinterpretazione rispettosa (era già esplosa la lezione Zoè ed avevano già inciso il primo disco igrandi Aramirè) ma comunque volta al futuro.

Sui limiti della contaminazione tra musica americana ed italiana

2011-04-29T21:32:00.001+02:00

Carissimi lettori, non avrei mai voluto scrivere l’articolo che sto per redigere, più che altro perché la persona che sto per difendere (Lucio Dalla) ha 45 anni di carriera sulle spalle che la difendono molto meglio di me.
Il cantautore bolognese, in occasione di un suo discorso tenuto in un’Università, ha affermato che il rap, come forma d’arte, non ha niente a che vedere con la maniera profonda di vivere la musica che noi italiani, volendo o non volendo, ci portiamo nel DNA. Sinceramente, conoscendo approfonditamente l’opera di Dalla, non credo che il discorso, commentato a iosa dai giornali ma da essi non riportato sufficientemente, quantomeno per quello che mi è stato possibile vedere, che il cantautore faccia una serie di affermazioni nazionalistiche. Non avendo io chiare le opinioni di Dalla, in questa sede vorrei solo esprimere le mie, discutibili, personali, relative.
Credo che il rap vada bene (a me comunque non piace) solo cantato nello slang americano che lo ha visto nascere come musica di denuncia. Da noi, e in tutto il resto del mondo, è una di quelle musiche che, ben digerita dal sistema che inizialmente denunciava, è stata da esso dittatorialmente imposta. In Italia, almeno per me, non c’è un solo rapper decente,meno ancora Fabri Fibra, il cui caso veniva citato da un giornalista per considerare Dalla un “incapace”, in quanto non ne avrebbe capito il talento. Sinceramente, e io la metto su un punto di vista linguistico e filologico, tutti quei progetti che prendono il via da premesse che forzano la cultura con i quali essi vengono irrimediabilmente a contatto, non li approvo. Ogni lingua, sia essa maggioritaria o minoritaria, è, ancora prima che una serie di regole, un mondo sonoro che la musica deve saper sfruttare e valorizzare, obbligandosi a non farle fare ciò che non le è naturale. Se si ascolta gran parte del rap italiano, oltre ai testi insulsi della maggioranza dei brani, si sente un insopportabile (almeno alle mie orecchie) maltrattamento della lingua italiana.Sinceramente, poi, non capisco il gusto di scimmiottare pedissequamente una musica importata, oltretutto in maniera innaturale, come accennato poco sopra, rinunciando a prenderne stimoli per poi farne qualcosa veramente di proprio. Sinceramente io preferisco delle esperienze di uso più particolare del parlato, ad esempio brani di Piero Ciampi (1935-1980) come “Te lo faccio vedere chi sono io”, dove la musica non dà lo schema ritmico alla parola, solo il sottofondo affinché il cantante si possa divertire con la parola, non imprigionata negli schemi, concepiti per lo slang americano, del rap. Credo infatti che il parlato sia un grandissimo arricchimento del cantato, come anche altri colori tra cui i finali “calanti”, ma non deve essere una schiavizzazione né un obbligo. Amo infatti il Paolo Conte che mischia cantato e parlato, oppure certi “tangueros” che utilizzano il parlato per andare in controtempo, cosa che si può fare con le lingue neolatine, difattidifficilmente piegabili a schemi ritmici estranei. Sinceramente io lascio ovviamente ad ognuno i propri gusti, ma dico che, come i cantanti americani non cantano all’italiana ma hanno creato orgogliosamente un modo di canto solo per l’inglese, così abbiamo l’obbligo di riscoprire la nostra italianità, la stessa che il mondo ci invidia. Dalla, che non è estraneo alla cultura americana, ne utilizza in maniera molto propria le caratteristiche, avendo creato ad esempio un misto tra rap e scat in brani come “Borsa valori”. Nel brano, infatti, la voce viene usata in gran parte della sua estensione, dalle note alte a quelle medie, non limitandosi allo schematismo, completamente basato su note medie, del rap puro.
Un’altra tendenza che mi dà fastidio, presa anche dalla musica popolare salentina, oltre ai fastidiosissimi brani in italiano, è quella delle contaminazioni, o peggio ancora dell’esecuzione e creazione, di blues italiano. Secondo Paolo Conte,infatti, noi abbiamo la cultura per il swing e la ballad lenta, mentre il blues non è nostro. Difatti,se ci si pensa bene, il swing e la ballad prevedono il canto o un qualcosa di simile al “bel canto”, il blues ha un lamento che si può fare solo in inglese e con le sue sonorità. A dimostrazione di ciò stanno i brani, meravigliosi e indimenticati, scritti da compositori come Giovanni d’Anzi o Gorni Kramer, che negli anni Trenta traghettarono il jazz in Italia, nonostante l’ipocrita e falsa opposizione ufficiale del fascismo.
Come avete visto da una difesa di Dalla si è passato ad enumerare quelli che per me sono i limiti di buon gusto nelle contaminazioni tra la musica statunitense ed il nostro modo di concepire quest’arte, come già notato da noi stupidamente rinnegato (e notare che quando non lo rinnegavamo ma lo esportavamo davvero, noi contavamo musicalmente nel mondo, ora siamo poco più di niente).

Dedicato a Nilla

2011-03-12T15:02:00.001+01:00

Carissimi lettori, oggi devo aggiornare il mio blog per un motivo inaspettato, per commentare una notizia triste. Oggi ci ha lasciato Nilla Pizzi, la prima grande regina della canzone melodica all'italiana, quella che rappresenta, anche se noi lo neghiamo, il nostro più inconfondibile modo di cantare e sentire la musica.

Io ho scoperto questa cantante di recente, anche se le mie nonne, ovviamente l'hanno sempre profondamente ammirata. Io purtroppo, fino a relativamente poco tempo fa, ero vittima della presunzione stupida ed intellettualistica che mette un muro nei confronti delle canzoni sentimentali e soprattutto nei confronti di certe tecniche canore. Invece mi ritrovo qui a consigliarvi di cuore di scoprire questa cantante dallo spirito indomito e cangiante, che ha portato il meglio dell'italianità nel mondo. Pensandoci bene, forse, noi italiani siamo l'unico paese a non avere orgoglio del proprio modo di cantare, che spesso sostituiamo con un becero scimmiottamento delle vocalizzazioni di altre provenienze (soprattutto americane, perché per noi il mondo sono solo gli Stati Uniti!). La voce della Pizzi, impostata e preparata al "bel canto" leggero italiano, è fortunatamente apprezzata da alcuni cultori della musica anni Quaranta e Cinquanta come maxmenox60 (www.youtube.com/maxmenox60), che permettono a chi gira per il web di togliersi dalla testa i suoi infondati pregiudizi.

A favore della Pizzi, oltretutto, c'è il suo essere una cantante veramente "nazionale" ed universale. La cantante bolognese, difatti, ha cantato nei principali dialetti d'Italia (ha vinto il Festival di Napoli del 1952 in coppia con Franco Ricci, quello della canzone siciliana) e si è prodigata anche in alcuni dialetti del nord come il vicentino. In tutti i casi la Pizzi ha dimostrato una bravura grandiosa, si riscopra il brano "Maggio napulitano" da lei inciso nel 1957.

Con lei l'ultima grande voce femminile degli anni Quaranta e Cinquanta, di quella generazione che ha saputo fare il ponte tra swing, melodia italiana e ritmi sudamericani, si spegne lasciando un vuoto incolmabile per chi ancora crede che l'identità musicale italiana ha il diritto-dovere di rivendicare la propria autonomia e le proprie radici, non in senso autarchico ovviamente, ma proprio per poter avere una visibilità mondiale non imposta dai media di massa ma filtrata da un naturale passa-parola tra le genti.

In questo centocinquantenario bisfrattato, l'Italia dovrebbe approfittare di questi esempi di "cantores nacionales" (per dirla alla Argentina), per cimentare un'identità che sia davvero basata su ciò che ci caratterizza davvero e non su ciò che ci impongono di essere o di sentire.

Renato Zero: "Tutto Zero tour '96

2011-02-19T21:30:00.001+01:00

Carissimi lettori, forse riesco a realizzare uno dei sogni della mia vita, realizzare una recensione di quello che è stato il primo concerto di Renato Zero che vidi. Mi riferisco al bellissimo "Tutto Zero tour '96" a cui io assistetti al teatro Turreno di Perugia l'11 aprile 1996.

Il concerto ha una forte teatralità, rappresentata innanzitutto dalla bellissima "Sogni nel buio" che lo apre, ripresa dal primo vinile di Renato Zero, quel "No mamma no!" pubblicato nel 1973. La recitazione qui è molto più fluida, anche grazie alla profondità che in anni ed anni di maturazione istintiva ma inevitabile la voce di Zero ha indubbiamente acquistato.

In questo concerto la voce di Zero non si era ancora appropriata della leggera "sporcizia" che la caratterizza ed arricchisce da una decina d'anni a questa parte (forse anche un pochino meno).

Il secondo brano è stato colpevole della mia zerofollia, che anche se poco sfogata è uno dei sentimenti più caratterizzanti il mio privato. Mi riferisco alla bellissima ballata "Vivo", riscattata dal grande "Zerofobia", album che permise al nostro di avere il successo di massa tanto meritato dopo quattro anni di tentativi (all'epoca sui cantanti ci siinvestiva, non li si fustigava se non ce la facevano subito e non li si illudeva!). Questa versione, rispetto all'unica che io conosco pubblicata in cd live in "Icaro" del 1981 è molto più fedele a quella di Zerofobia. È stupenda.

Dopo "Sogni nel buio", canto antiabortista e "Vivo", la storia di Renato viene rappresentata da "Io uguale io", estratta dal vinile successivo a Zerofobia, quel "Zerolandia, che ha segnato la prima consacrazione di Zero. Qui la voce di Zero si incrina leggermente ma resta sempre forte e convincente. In questa canzone si ribadisce la necessità di ritrarsi e Renato fa un ritratto dell'anima sua , molto sincero ed autentico, come ora sanno farlo solo lui e Don Backy (si pensi ad "Autoritratto" nel già qui recensito "Il mestiere delle canzoni" (Ciliegia bianca, 2010)).

È curioso e perfetto il finale pianistico di Stefano Senesi, pianista dell'epoca di Renato Zero, che aveva una maggiore melodicità rispetto a Mark Harris (attuale pianista), ma forse era più adatto, anche perché è sia pianista che tastierista (cose profondissimamente diverse!).

Andando avanti si riprende un gioiello ripreso dal periodo più difficile della carriera di Renato, quello del declino del successo di massa, avutosi nella prima metà degli anni Ottanta. Il brano è tratto da "Leoni si nasce", disco nato dalla delusione avuta da Renato Zero dopo il sequestro del Teatro tenda "Zerolandia" dove si era tenuto il concerto "Icaro" nel 1981, da cui era a sua volta stata estratta una videocassetta dal titolo "La notte di Icaro".

La prossima canzone è è il primo medley della serata, con "Il caos" da "Trapezio", per continuare con ""Fantasmi" ("Soggetti smarriti, 1986), "Chiedi di più" ("Tregua" 1980) e "Regina" da "Zerofobia" (1977). Bellissimo questo medley, da cultori, va detto, perché non so quanto questi brani siano di dominio di massa. Questo mix, poi, continua con una traccia estratta dal bellissimo (e purtroppo introvabile come tre quarti della discografia di Zero!) "Quando non sei più di nessuno", disco uscito dopo la partecipazione di Zero al Festival di Sanremo 1993 (Che tempi! Quest'anno l'unico che ha fatto una canzone bella è Vecchioni!). Il medley, circolare, finisce come era iniziato, con "Il caos". Se non ricordo male, vado a memoria dopo quasi quindici anni, durante questo medley si vedevano sul palco degli elettrodomestici di pezza.

Dopodiché si arriva ad un dialogo tra un bambino ed un uomo (che non parla), che si svolge con il sottofondo della tenerissima "Metti le ali", che di recente, va detto, è stata ampiamente surclassata da "Dormono tutti" come tenerezza e giocosità.

Si riprende a cantare con "Inventi". L'arrangiamento, forse, non è dei migliori, perché è simile a quello operato per "Prometeo" (reperibile senza problemi in edizione "Tattica"). Comunque questa versione ha i soliti interventi magici e concreti di Stefano Senesi aiutati da un bel finger piking della chitarra. Curioso è anche l'uso di percussioni che rimandano alle spazzole da jazz, che dànno un'indubbia raffinatezza all'insieme. Il canto di Zero è sempre puntellato da controtempi e di "accelerando" interessantissimi. Temevo che il finale di questo pezzo fosse esageratamente rock e purtroppo è così, ma d'altronde se si vuole restare fedeli alla struttura di "Prometeo", come si è stati, non si può che lavorare in questo modo.

I vari modi di dire la parola "amore" hanno introdotto una bellissima versione di "Fortuna", estratta da "Tregua" e reperibile nell'ottimo "Icaro", che tra l'altro contiene una bellissima versione di "Inventi". Comunque nell'insieme, devo dire che me lo ricordavo anche così andando a memoria, questo concerto è molto filologico, anche perché ci sono delle corpose parti di archi credo eseguite in acustico (a Perugia non credo avessimo avuto questo privilegio, comprensibile). Meravigliosa questa teatralità tra il rabbioso ed il sentimentale, riempita qua e là di finali calanti veloci e rari.

È curioso sentire la resa (per la verità non filologica) del pezzo d'archi da parte del sint, ed ancora più curioso è l'abbassamento di ben due ottave della nota con cui termina il canto (inutile se si pensa che il nostro ancora la voce ce l'ha più che integra!).

Andando avanti si riscopre il più grande successo del q disc "Calore" del 1983. Il brano in questione, ovviamente, è "Spiagge", che nel disco era accompagnato anche da "Navigare", "Voglia" e "Fantasia", brani mai finiti su altri dischi analogici, ma copiosamente ristampati in varie raccolte tra cui le irreperibili ma per me fondamentali "Zerofavola" (il volume che contiene "Spiagge", "Navigare" e "Fantasia" è il secondo). La versione cheascoltiamo è molto bella, è come sempre coadiuvata da un pubblico che forse è solo meno rumoroso ma non per questo meno partecipe.

Il concerto, se non sbaglio, era giocato su degli interventi di un Angelo ed un Diavolo che si rimpallavano il destino di Zero. Dopo questo ennesimo intervento di questi personaggi Zero canta "Periferia", brano estratto dal terzo album del terzetto che contiene la parola "Zero" nel titolo ("Zerofobia 1977, "Zerolandia" 1978 e "Erozero" 1979). L'lp è rimasto nella storia per un brano su tutti ossia "Ilcarrozzone", mentre "Periferia" apriva la seconda facciata. L'arrangiamento è segretamente etnico, in anticipo sulle soluzioni che ora imperano nel pop giovane e sul repertorio futuro dello stesso Renato, che userà soluzioni etniche in brani come "Dimmi chi dorme accanto a me" ("Amore dopo amore", 1998).

Il brano è molto tragico, se possibile più arrabbiato della sua stessa versione originale, ma non è una rabbia inutile, semmai potenzia il contenuto di denuncia dell'emarginazione delle periferie, problema che è tutt'ora sentito da chi ci vive seppure chi di dovere tende a dimenticarlo.

Ci si scatena, ma si continua a riflettere, con "Digli no", canzone dedicata alla violenza sulle donne, tema che ora sta all'ordine del giorno per i mumerosi fatti vergognosi che riempiono la troppo popolata cronaca nera dei nostri telegiornali. La canzone risale al 1994, anno in cui non mi pare si desse molta importanza al tema. Giusto per dimostrare che i canti sociali possono anche essere un'arte senza demagogia anzi con poesia al seguito.

Per chi non la conosce posso dire che è un canto rivolto ad una donna violentata, di incitamento alla denuncia di queste atrocità. La versione qui proposta, dopo un inizio molto elettronico, compatibile con la versione da studio de "L'imperfetto", si snoda quasi completamente acustica, quindi è più ricca. Difatti credo, e sarà difficile convincermi del contrario, che gli strumenti acustici dànno inequivocabilmente e invariabilmente maggiore ricchezza timbrica di quasliasi strumento elettronico. Dopo un assolo di pianoforte del solito Senesi il chitarrista (che non so chi è, perdono!) si prodiga in un assolo dalle tinte un po' blues ma sempre melodicamente compatibile con lo stile di Zero.

Un'introduzione circense, si direbbe quasi felliniana, fa entrare nella melodicità della splendida "Manichini", traccia meno conosciuta del già quiricordato "Zerofobia" (1977). Il canto, è strano ma è vero, è più arrabbiato della versione da studio, a cui questa, contrariamente a quella presente all'inizio del secondo disco di "Icaro", è più fedele. Dopo un'appendice, la prima parte del brano si completa con un riferimento alla colonna sonora "Ponte sul fiume Quai". Va detto che questo brano, fra quelli finora ascoltati, è quello che ha sofferto più arricchimenti e modifiche, ancora con un finalino cherimanda a "Viva la rai".

Si continua con un brano che conosco meno, intitolato "Ho dato". È uno dei ritratti sinceri a cui il cantautore romano ci ha da sempre (perché non c'è mai stta incoerenza nel suo percorso, ragazzi!) abituati.

Musicalmente è una bella ballad dal respiro ricco e al contempo italiano. Infatti, per quanto lui ne faccia sfoggio solamente ora in pubblico, a Zero non può essere negata una profonda italianità. Bellissime le urla sulla parola "vita", un modo, spesso incompreso, per ricordarci il valore di questa "piccola cosa che è la vita" (per dirla con "Sogna ragazzo sogna" di Vecchioni).

E si torna a "L'imperfetto" (1994) con "Amando amando", prima traccia che mi fece scoprire questo cd, che io canticchiavo sempre, specialmente "Amando amando ti si spacca il cuore". Bellissima questa versione, non sconvolta ovviamente, ma rispettosamente rivissuta. Il canto, oltreché puntellato da questi "accelerando" e "rallentando" già segnalati in precedenza, è anche estremamente sicuro e si direbbe rilassato e raccolto. Credo, anche per testimonianze dirette di cantanti di vari generi musicali, che ilteatro è un ambiente che sviluppa il raccoglimento, che secondo me è il modo più bello di ascoltare musica.

Ed è partito l'assolo di chitarra, dove un'elettrica si sostituisce alla classica,creando un'altra atmosfera, comunque presto interrotta perché il brano viene concluso da un inusitato passaggio in sibemolle...

Tornando al repertorio storico di Zero si ascolta "Morire qui", tratta dal largamente già saccheggiato "Zerofobia" (1977). La versione è vicina all'originale ma ancheaquella di "Prometeo" (1990), mentre non riprende niente dalla particolarissima versione recitata nel 1981 in "Icaro". La melodicità nascosta in questo brano viene finalmente fuori, tramite degli accorgimenti canori, specialmente delle note inaspettate aggiunte alle frasi e delle sfumature divoce che alternano momenti arrabbiati a momenti cantati normalmente. Alla fine è curioso l'uso del titolo, credo mai fatto da Zero durante la canzone in altre versioni.

C'è un monologo teatrale recitato da una voce femminile bellissima, che alterna momenti di potenza e cattiveria. Il monologo è una riflessione sul privilegio che sia cantare e sul dovere che chicanta ha (o avrebbe) di dare voce a chi non ce l'ha perché è emarginato. Quando Zero torna sul palco interpreta "Marciapiedi", prima traccia di questa scaletta estratta dal suo storico doppio di inediti "Artide e Antartide" (1981), anch'esso di recente ristampato dalla "Tattica" (insieme a "Prometeo", "Tregua" e "Via Tagliamento 1965-1970". la versione è intima ed anche un po' raffinata, ma la raffinatezza non tocca mai l'elitarismo che ha mandato in crisi quelle che potevano essere promettenti carriere canore. Interessante il gorgheggio mediterraneo sulla "a" di "sai", con il quale Zero denota la sua profonda romanità, figlia anche diClaudio Villa. In questo secondo intervento parlato l'espressione "È bello incontrarti ancora qui" da il la ad un'improvvisazione di quelle che caratterizzano l'ultimo Zero, per intenderci molto simile a quella nella versione di "Motel" dello "Zeromovimento".

La prossima traccia è un medley (credo) dedicato a parte del repertorio dove Zero affronta, con ironia e sagacia, l'amore violento che purtroppo, come ci dimostra la cronaca nera dei nostri telegiornali è più che all'ordine del giorno. Si inizia con una "Amore sì, amore no", riscattata da "Tregua", che cede il posto ad una "Baratto" da "Erozero". Spesso e volentieri, va detto, questi mixdi canzoni anni '70, portano Zero a prendere decisioni quantomeno discutibili, si pensia quello che è successo all'ultimo tour (il "Seizero"), dove i brani del primo periodo sono stati pretesto per un bruttissimo momento discodance. Qui va detto che il tema è invece affrontato e sviscerato con molta eleganza, poi, come prima, si assiste ad un riferimento ad una canzone mitica di "Quando non sei più di nessuno", il cui videoclip era trasmesso da certe tv musicali una ventina di anni fa. Mi riferisco ad "Amore al verde", che ha un'appendice che cede spazio ben presto a "Fiori d'arancio", forse il brano più trasgressivo sull'amore mai scritto da Zero. In precedenza, dopo "Baratto", avevamo rievocato sia "Profumi, balocchi e maritozzi" che "Sbattiamoci"., tratte rispettivamente da "Tregua" (1980) e "Zerolandia" (1978).

Dopo un monologo teatrale credo dedicato all'identità gay presa ad esempio di una categoria emarginata (oddio, forse dovrei usare parole indicibili!), Zero torna a cantare e ci offre una "Felici e perdenti", estratta, ancora una volta, dall'album "L'imperfetto". Questa canzone è, io l'ho sempre vissuta così, una riflessione su come sia trasversale la sensazione di perdita, che non dipende dalla posizione sociale. Su questa rielaborazione c'è poco da dire, è molto ma molto vicina alla versione da studio, comunque molto bella.

Con il sottofondo de "La tua idea" suonata da un pianoforte, la voce femminile rievoca il disastroso passato scolastico di Zero, anche se dai suoi meravigliosi testi forse non sidirebbe,. Quando Zero torna a cantare si rievoca "Problemi", tratta da "Soggetti smarriti", album del 1986. È una bella ballata che non ha mai conosciuto la luce della notorietà, direi ingiustamente. La ballata è uno sprone a non rimandare le soluzioni dei propri problemi, che secondo Zero sono "il sale della vita".

Musicalmente è bellissima, la solita ma mai banale apertura armonica, che io forse ho anche imparato da lui oltreché da tanti altri miei maestri in vari campi della musica.

E con un applauso delirante viene accolta la successiva canzone, uno dei classici del repertorio recente di Zero, la bellissima "Nei giardini chenessuno sa" tratta dal cd "L'imperfetto" (ancora una volta!). Qui sono notevoli le entrate e gli assoli di chitarra classica, che caratterizzano invariabilmente le versioni live del brano. Il brano, per chi non lo conosce, è dedicato agli anziani,categoria a a cui il cantautore è particolarmente legato, avendone molti tra i suoi estimatori (nonci dimentichiamo che ci sono sorcini di almeno tre generazioni se non quattro!).

La canzone ha una tenerezza completamente disarmante, quella che non viene compresa da chi dice di non amare (quasi sempre per pregiudizio!) la grande arte di Zero. Comunque musicalmente è davvero bella, con questo "crescendo" impostato sulla frase "e poi silenzi", a cui, in questa versione viene aggiunto un "Non è tardi, non ancora" nell'ultima ripetizione.

Dopodiché c'è un dialogo tra l'Angelo e il Diavolo, il quale si rammarica di aver trovato in Zero un vincente. Quando Zero torna a cantare, siccome il monologo finisce con la parola "Libertà", si assiste ad una rarissima e bellissima "Che bella libertà" tratta da "Via Tagliamento 1965-1970" (appena ristampato come già detto). Il brano continua con un altra traccia di "Via Tagliamento" intitolata "Angeli", che è stata unita perché è caratterizzata dallo stesso ritmo, da molti ritenuto banale ma in realtà solamente semplice. Questo accenno da luogo ad una schitarrata di quelle elettriche che fa spazio ad una bellissima "Bella gioventù" da "L'imperfetto". Sinceramente è particolarmente emozionante questo articolo, perché riesco a rivivere, dopo quindici anni, una delle mie più grandi emozioni. Il medley continua con "Figli della guerra" ("Quando non sei più di nessuno, 1993) interpretata con una solennità accentuata anche dalla presenza di un organo da Chiesa.

Si continua con una versione di "Uomo no", dove, se possibile, questo canto antidroga, viene interpretato con una solennità ancora più grande di quella precedentemente attribuita a "Figli della guerra". Dopo, sempre nella stessa traccia, si assiste ad una bellissima interpretazione di "Arrendermi mai", tratta dal mitico "Erozero" (1979",. Il brano è meraviglioso, io vi consiglio veramente di ascoltare per intero, come io sto facendo per recensirlo,questo concerto, forse il più bello mai concepito da Zero.

Tornano l'Angelo ed il Diavolo, ovviamente hanno vedute opposte, perché uno è felice per il successo di Zero e l'altro ci farnetica sopra (come quelli, più di quanti sembrino) che ancora non lo sopportano.

Andando avanti si rievoca la prima (delle due sole che abbiamo avuto!) partecipazione di Zero al Festival diSanremo, con la bellissima "Spalleal muro", scritta per luui da Mariella Nava. Immaginateviche quando io diventai sorcina, una delle persone che mi aiutò in questo viaggio, mi disse "Non ti presto la cassetta con "Vecchio" perché ci sono troppo legata!). Comunque è stupenda, questa ballata sulla condizione diemarginazionea cui sono condannati gli anziani da una società ingiusta, che in nome di un progresso posticcio e finto annulla la saggezza di secoli di vita. La versione che si ascolta è ancora più toccante, se possibile, sentita ed emozionata. Bella!

Questa tournée, tenuta ricordiamolo nel 1996, avvenne a molto poca distanza dall'uscita del cd "Sulle tracce dell'imperfetto", album da cui, pensate un po', non avevamo ancora trovato niente! Finalmente, dico io, sipuò ascoltare la bellissima "I migliori anni della nostra vita". Il brano, già allora, era entrato completamente nel DNA di noi sorcini, anche se Zero, lo farà da "Amore dopo amore, tour dopo tour" in poi, non fa ancora cantare nessuna parte completamente al pubblico, il quale comunque si prodiga in un canto festoso e raccolto. Curiosa è l'espressione "Guarda la vita", detta da Zero prima dell'ultima ripetizione integrale del ritornello. Non tutti sapranno che questa canzone non fu scritta né da né per Zero. Quanto si morderà le mani chi l'aveva avuta per sé e non la scelse?

Dopo un dialogo tra l'Angelo e il Diavolo, Zero canta "Giorni", uno dei brani dove Renato accusa certa gente (che c'è stata!) che l'ha tradito o se lo è dimenticata. L'arrangiamento, più acustico, rende sicuramente giustizia a questo capolavoro tratto da "Leoni si nasce", disco che era molto dedicato alla perdita, per Zero molto forte, del suo tendone blu dove si erano consumate le tappe fondamentali della sua carriera tra il 1978 e il 1982.

Curioso è questo brano, dovrebbe essere, se non vado errata, un mix di "Triangolo" e "Mi vendo", eseguite solo voce e strumenti classici (ci vogliono gli attributi!), dove finalmente, dico io, si sente chiaramente la voce dei sorci che fa il coro a Zero. Probabilmente anch'io a suo tempo avrò aiutato!

La traccia successiva dovrebbe essere un medley anni '70, che inizia con "Paleobarattolo" interpretata per intero. La cosa particolare, che ancora mi ricordo, della versione di Perugia, fu che alcune parole erano tradotte in perugino (giuro che ridemmo troppo!). L'orchestra sta ora eseguendo, senza soluzione di continuità una versione strumentale de "La favola mia" che ha permesso aZero di presentare la sua band, fatta quasi tutta di fedelissimi, perché solo così si costruisce un sound che sia davvero inconfondibile. Con "Il carrozzone" Zero ha presentato i due attori che hanno interpretato in maniera veramente convincente i rispettivi ruoli. Dopodiché l'orchestra si sta prodigando nell'esecuzione di una delle "grandi assenti" di questa scaletta, ossia la stupenda "Amico". Il medley, senza soluzione di continuità, si chiude con "Il cielo, che però dovrebbe far parte di questa stessa scaletta anche in versione cantata.

Ed eccola "Il cielo" in versione cantata ed integrale, con l'inconfondibile introduzione testata in occasione del tour precedente, ossia di "Zeropera". L'interpretazione è portata avanti con sicurezza e personalità, ma mai con quella superbia che fa pensare ad alcuni che i concerti sono solo una maniera di mostrarsi senza lasciare spazio d'espressione al proprio pubblico. Devodire che è emozionantissimo, come per me lo è stato finalmente poter risentire questo concerto meraviglioso, grazie, eternamente grazie a Zerogerry, un canale già consigliato ma vi riporto ancora una volta il link:
www.youtube.com/zerogerry.

Ciao nì, spero di avervi fatto un regalo almeno tanto grande quanto quello che mi sono fatta

Ma cos'è questo vintage 1

2011-01-11T19:38:00.000+01:00

Carissimi lettori, oggi voglio riportare la vostra attenzione su una lodevolissima iniziativa avuta nel 2005 da "Tv, sorrisi e canzoni". Il giornale, va detto, ne ha sempre avute e continua ad averne. Particolarmente apprezzata da me fu l'uscita di due cofanetti doppi intitolati "Ma cos'è questo vintage", titolo parafrasato da una delle tracce del primo cofanetto, la notissima anche se poco citata "Ma cos'è questa crisi", scritta e cantata dal grande cantante e cantautore futurista Rodolfo de Angelis. Occupiamoci, per ora, del primo volume, il migliore della serie.

Il doppio cofanetto ha un'impostazione spudoratamente swing, difatti inizia con una meravigliosa "ba, ba, baciami piccina", lanciata ed interpretata dal grandissimo Alberto Rabagliati (qui c'è solo musica originale di epoche lontane, niente rifacimenti moderni spesso insopportabili!). Il brano, secondo me, va notato soprattutto per la sua vigorosa sezione di trombe.

La seconda traccia del primo disco è una delle cosiddette "canzoni della fronda", quelle canzoni che, secondo malintenzionati, erano interpretabili in senso sovversivo. Mi riferisco a "Pippo non lo sa", che ascoltiamo da Silvana Fioresi coadiuvta dalle sorelle Lescan, tre grandi cantanti olandesi note in Italia con il nome di Trio Lescano. Il brano, si diceva, fosse dedicato a Starace, uno dei dirigenti di punta del P.N.F. Come sia è geniale e sfizioso, perché noi a livello di swing non avevamo niente da invidiare agli americani, soprattutto se a swingare era gente come Pippo Barzizza o Gorni Kramer.

E a proposito di grandi gruppi vocali che hanno caratterizzato dagli anni Quaranta e Cinquanta (loro sono arrivati anche molto più avanti, anzi la grande Lucia Mannucci credo sia ancora tra noi) troviamo il Quartetto Cetra, dal quale viene cantato un meraviglioso brano in dialetto milanese che porta la firma del sopracitato Gorni kramer, ottimo (anzi virtuoso!) ineguagliato interprete della fisarmonica jazz.

Subito dopo ritroviamo il trio Lescano al quale tocca di accompagnare l'ottimo tenore Enzo Aita, in un motivetto che ancora fa ricordare Giovanni D'Anzi, il grande maestro della canzone milanese, celebre autore del brano "oh mia bela madunina". La canzone che troviamo è un inno alle gambe delle donne, intitolata appunto "Ma le gambe". Per ricordare questo grande autore di canzoni ci si può procurare (credo con molta fatica) il cd a lui dedicato dal grande Memo Remigi.

Ci troviamo davanti ad un attore che canta, tendenza che non è mai scomparsa del tutto, anche se Alberto Sordi in questo caso non cantava in modo attoriale, anzi cantava correttamente. Il brano che ci permette di ricordarlo è un brano meno conosciuto dal titolo "Finalmente solo".

Subito dopo troviamo una spassosissima canzone americana ("Civilization") che ci viene proposta da un'incisione del 1949 da due interpreti importanti della musica di quegli anni. Da una parte troviamo Luciano Benevene, al quale viene affidato il ruolo dell'africano ribelle alle comodità e agli svaghi europei proposti da una ancora sconosciuta ma presto destinata al successo popolare Nilla Pizzi. Sinceramente è meglio sentire questa versione piuttosto che quella di Renzo Arbore nel suo pur pregevole e qui consigliato "Tonite Renzo swing". Infatti mi da abbastanza fastidio il microfono usato come se fosse un dialogo tra lo spazio e la terra, che il cantante foggiano utilizza per tre quarti del cd, ovviamente anche in questa traccia. Tra i rifacimenti di questa traccia mi preme di consigliarvi quello operato da Cristian De Sica per un cd dove rendeva omaggio ai brani che avevano segnato gli anni Trenta e Quaranta.

Dal Sanremo 1953 ripeschiamo la stupenda "Vecchio scarpone", lanciata da Giorgio Consolini in coppia con il grande baritono Gino Latilla. La versione che viene rimasterizzata nella raccolta è quella eseguita da quest'ultimo in coppia con il "Quintetto vocale". Spesso certi critici, ritenendo così di essere più competenti od intellettuali, tendono a snobbare questo repertorio, scordandosi che per una parte della popolazione italiana è composto da gioielli che, oltretutto, se li si guarda obbiettivamente, hanno anche un grande fascino dal punto di vista musicale. Voglio confessare, poi, che per me certi brani, come questo, racchiudono valori che noi dovremmo recuperare in occasione di questo centocinquantenario che, invece di unirci, sta servendo a dividerci.

Andando avanti di qualche anno riprendiamo un classico della canzone italiana ispirata a ritmi latini, ossia troviamo il "Mambo italiano", che abbiamo il piacere di ascoltare nella primigenia e bellissima interpretazione di Carla Boni, grande virtuosa degli anni Cinquanta. Voce semplice e leggera, senza pretese ma perfetta. Va anche detto che gli orchestrali sono molto bravi a rendere il mambo in maniera molto buona, l'uso dei fiati è estremamente convincente, ricorda un po' l'orchestra di Perez Prado.

Ed eccola la canzone che ha dato il titolo all'intera iniziativa, questa marcettina anni Venti.Trenta cantata dal grande Rodolfo De Angelis, forse antesignano della cosiddetta "Musica demenziale", anche se il comico era ottenuto tramite ottimi giochi di parole e non tanto attraverso la volgarità, come accade per certi gruppi moderni.

Ed eccoci al "reuccio" della canzone italiana, lo stornellatore romano per antonomasia, il cantante Claudio Pica in arte Claudio Villa. Da lui riascoltiamo "Fiorin Fiorello", una delle canzoni che hanno avuto l'onore dell'immortalità, tra quelle del repertorio anni Trenta. Anche in questo caso il brano ha una "coda" swing, molto bella anche se forse poco compatibile con ciò che la precede. Io infatti vorrei permettermi di consigliarvi la versione di Carlo Buti, grandissimo cantante toscano che ebbe il suo periodo d'oro negli anni Trenta.

Ed eccoci a Fred Buscaglione, che non viene sorpreso in una delle sue canzoni ironiche, ma bensì alle prese con un classico della melodia italiana, la bellissima "Non partir", ancora una volta uscita dalla penna di Giovanni D'Anzi. La versione di Buscaglione è bella, ma forse sarebbe stato meglio affidare questa canzone ad un cantante dall'impostazione meno swing. Comunque va riconosciuta a Buscaglione abilità, e agli Asternovas (suo gruppo d'accompagnamento) umiltà nel non piegare mai al swing questo bellissimo brano melodico.

Continuando si trova una canzone napoletana tra le più famose e classiche, la bellissima "Malafemmena", che troviamo interpretata da Giacomo Rondinella, suo primo interprete. Come si sa questo brano fu scritto da Totò per questo grande cantante napoletano, che giustamente era il suo preferito. Il brano è nato con un bellissimo ritmo di habanera veloce, accompagnata da un'orchestra dove gli archi lasciano posto ai fiati come sezione predominante. La voce di Rondinella si stende sulle parole con una grande signorilità, pronunciandole con pathos che però non sfocia mai nel patetismo.

Si torna al swing con la versione originale di "Mamma voglio anch'io la fidanzata", che ascoltiamo da Natale Codognotto, cantante genovese rimasto noto con il nome artistico di Natalino Otto. Con lui c'è, ancora una volta, l'orchestra del grande Kramer, che si prodiga in uno dei suoi storici assoli di fisarmonica jazz (senza cassotto!). Questa secondo me non è la migliore versione del brano, molto più interessante, anche solo per la qualità dell'audio indubbiamente superiore, è quella incisa con Franco Cerri e il suo gruppo qualche anno dopo (negli anni Cinquanta). Sconsigliata, ovvio, invece quella degli Articolo 31, che, secondo me, non ha contribuito per niente alla divulgazione della figura di Natalino Otto. Se si vuole approfondire questo grande artista si può visitare il sito www.youtube.com/barzottone, oltre all'impagabile www.youtube.com/ildiscobolo, completamente dedicato ai supporti storici.

Negli anni Trenta (e fino all'avvento del rock and roll è stato così) non c'era frattura tra la canzone italiana e quella dialettale, infatti la prima si nutriva umilmente e quasi amava confluire nella seconda. Un esempio è la figura del grande Odoardo Spadaro (detto "spadaccino"), di cui abbiamo il piacere di ascoltare "Sullacarrozzella", in una versione incisa dal cantante negli anni Cinquanta. Molto bella, anche se in questo caso vi consiglierei di ascoltare quella incisa negli anni Trenta con Kramer. Il brano, e tutto il repertorio di Spadaro, è specchio di una fiorentinità popolare che ora non esiste più.

E a proposito di grandi toscani, andando avanti ritroviamo l'attore Paolo Poli. Il brano presente nella raccolta non me lo ricordo, quindi io divago e ne approfitto per consigliarvi una sua personalissima (ma rispettosa!) incisione della versione toscana del canto spesso conosciuto come "Le tre sorelle", contenuta in un volume della raccolta della canzone italiana curata da Renzo Arbore prima che decidesse che la sua missione sarebbe stata sputtanare le canzoni napoletane. Bellissimo lo sdoppiamento che Poli opera tra la sua voce "normale" e quella falsettatissima che usa per imitare la donna. Geniale!

Ed a proposito di grandi del swing, ecco la grande bacchetta di Pippo Barzizza, questa volta alle prese con un classico del swing all'italiana, ossia la sempre verde e piacevole "Quel motivetto che mi piace tanto", che il maestro esegue dirigendo l'Orchestra Blue Stars. Io vi consiglio di ascoltare la versione di Nicola Arigliano, incisa con il suo impagabile trio (Ascolese, Vannucchi, Tatti) nel cd "Colpevole" (2005).

Prima avevamo citato il connubio tra musica italiana e dialettale, infatti ora troviamo colui che ha più di ogni altro basato la sua carriera sulla convivenza e l'osmosi di questi due mondi. Mi riferisco a Domenico Modugno, del quale abbiamo l'onore di ascoltare uno dei suoi brani brindisini (non siciliani, smettiamola! Dopo, con l'aiuto della moglie ha effettivamente riportato il suo repertorio in siciliano, ma non all'inizio!). Il brano che ascoltiamo è "La donna riccia", sfiziosissima ballata contro le donne con questo taglio di capelli (anche se poi il cantante assolve la propria amata... va bene!). Bellissima questa versione per sola voce e chitarra, sconsigliati tutti i rifacimenti nessuno escluso.

Subito dopo facciamo un salto in Francia, anche se il classico che ci troviamo di fronte è interpretato da una grande voce italiana, ossia da Milva. Il brano che troviamo è "Milord", lanciato da Edith Piaf e tradotto abbastanza bene in italiano. L'unica critica, forse è che il giro di "musette" per noi risulta artificioso.

E ci troviamo davanti ad un altro brano minore, ripescato dal repertorio del Duo Fasano, risposta tardiva e poco convincente al Trio Lescano. Il brano non me lo ricordo, si chiama "Ragazzo dello swing".

Troviamo Totò, che recita una sua brevissima ma fulminante poesia in lingua napoletana, perché non ci si deve dimenticare mai che il poeta era altrettanto bravo dell'attore (anzi forse di più!).

Il volume secondo di questo primo cofanetto si apre con "Maramao perché sei morto", una canzoncina "sincopata", riportata forse con troppa tracotanza dai jazzisti verso ritmi standard che non le si addicono (sconsigliata la versione di Arigliano!). La versione che ascoltiamo è l'originale interpretata da una sconosciuta Maria Iottini coadiuvata dal Trio Lescano (a volte tornano!).

Proseguendo troviamo un altro attore che ha dimostrato ampiamente il suo talento anche a livello canoro. mi riferisco al grande Vittorio De Sica, di cui ascoltiamo la sfiziosissima e mai dimenticata "Dammi un bacio e ti dico di sì", canzoncina sincopata cantata insieme ad Elsa Merlini. Forse la voce di lei è poco convincente in un ambito sincopato, ma buon brano, leggero e gradevole come ora non se ne fanno.

Dal Sanremo 1952 ripeschiamo un'altra canzone che qualche malintenzionato ha interpretato come una metafora della situazione geopolitica (di allora e di sempre!) dell'Italia: i "papaveri" sarebbero gli Stati Uniti, mentre la "paperina", che non si può ribellare perché è condannata alla subalternità da un destino avverso sarebbe la nostra bella penisola. Anche se il brano è sicuramente leggero ed in fondo gradevole, lancia un messaggio che non condivido. Comunque musicalmente è carino, è una tarantella di tipo centro-meridionale (non salentino insomma), con una particina in minore prima di andare col mitico "Lo sai che i papaveri...". La voce di Nilla Pizzi qui ha un colore leggero per niente patetico, indimenticabile comunque.

Continuando troviamo il primo brano di cui non mi sovvengo, la canzone "Che musetto", cantata da un certo Elio liotti.

Ed eccoci ad un momento militaresco, con "Passo di corsa", eseguita dai Bersaglieri. Non mi piacciono le bande, e in generale non amo i gruppi costituiti da strumenti della stessa famiglia.

Ed eccoci ad una romanza, pezzo fondamentale della cultura musicale di quel periodo, perché se la musica leggera non aveva ancora rotto con la musica popolare (per fortuna!) non aveva nemmeno staccato i ponti con la classica. Ascoltiamo la voce di quello che da molti è ritenuto il miglior soprano di tutti i tempi, la greca Maria Callas.

Nel secondo cd torna Rodolfo De Angelis con un brano che non mi sovviene dal titolo "Babà, Bebè, Bubù".

Ed eccoci al "Pinguino innamorato", brano che ascoltiamo nella sua versione originale, quella di Silvana Fioresi (famosa anche per "L'uccellino della radio") coadiuvata un'altra volta dal Trio Lescano. È notevole anche la versione di Nicola Arigliano nel cd "Go man", con l'inconfondibile tromba di Enrico Rava.

E a proposito di questa convivenza tra classico e leggero, andiamo avanti e troviamo "Voglio vivere così", interpretato dal tenore Ferruccio Tagliavini, cantante dalla voce potente e frizzante allo stesso tempo, cosa che oggi si è un po' persa. Come già fatto per "Bongo, bongo" si consiglia caldamente la versione di Cristian De Sica.

Il trio Lescano, oltre che coadiuvare i principali interpreti della canzone italiana del periodo ante Seconda Guerra Mondiale, ha anche avuto un certo successo come gruppo solistico. A dimostrazione di ciò sta questo swing bello lento dedicato al camminare sotto la pioggia. È un brano che loda in maniera radicale la povertà, ma nonostante ciò è gradevolissimo.

Il brano successivo è "Boccucia di rosa", ma non riesco a ricordarmi chi nel cd lo canti. È molto buona l'interpretazione di Fred Buscaglione. Qui, ovviamente, il suo gruppo può lasciarsi andare, soprattutto Dino Arrigotti, suo grande pianista.

Torniamo a Domenico Modugno, questa volta con uno dei brani in lingua italiana scaturiti dalla collaborazione con Riccardo Pazzaglia, grande paroliere che purtroppo la gente ricorda solo per la sua apparizione in uno dei programmi di Arbore degli anni Ottanta. Stupendo è l'utilizzo degli intervalli della musica cinese con obbiettivo esotizzante, sperimentato già dal grande Odoardo Spadaro nella sua notevole "Canzone cinese". Il ritmo è a metà tra una polka ed un ritmo esotico.

Il cd continua con la versione femminile della già incontrata "Oh mamma mi ci vuole la fidanzata", che ovviamente diventa "Oh mamma mi ci vuol un fidanzato", che ascoltiamo da Nella Colombo.

Un cantante swing grandissimo, quanto Buscaglione, Carosone, Rabagliati od Otto, è sicuramente il torinese Ernesto Bonino, del quale ascoltiamo "Quindici anni". Per quanto riguarda questo cantante io sono legata alla sua versione (incisa con il solito Kramer) di "C'era una volta un piccolo naviglio".

Tornando a Buscaglione troviamo un suo brano spagnoleggiante dal titolo "Porfirio Villarosa", dedicato ad un "manovale alla viscosa" che pianta il lavoro e si dà alla bella vita! Stupendo, e devo dire che non mi dà fastidio l'uso delle ritmiche spagnole per un pezzo a scopo esoticheggiante. Ovviamente ciò si deve al fatto che il brano in questione sia suonato molto bene. Infatti, è stato già affermato durante questo articolo, in quegli anni i ritmi popolari non venivano sfruttati ma venivano studiati.

Subito dopo troviamo un elemento del sestetto dell'altro re indiscusso del night italiano anni Cinquanta. Mi riferisco a Peter Van Wood, che qualcuno ricorderà aver militato nello strampalato ma ottimo sestetto di Renato Carosone. Qui lo troviamo alle prese con un brano dedicato alla più grande mania dei napoletani, ossia il gioco del lotto. Il brano è un tipico ritmo binario (polka, Fado, che dir si voglia), giocato su un giro di tonica e dominante, ripreso paro paro da un brano qualsiasi della nostra tradizione. Il brano da una combinazione di numeri che sarebbe scaturita al protagonista da un sogno. Non vi racconto la canzone, mai sia, così ne approfittiamo anche per ricordaer questo artista scomparso di recente e ben presto dimenticato dai nostri media, sempre dietro al cantante di qualità discutibile magari straniero.

Ed eccoci ad un omaggio alla musica "sincopata", con un brano del Trio Lescano dal titolo "C'è un'orchestra sincopata". Il brano è un esempio di come, all'epoca si amasse pubblicizzare i principali cantanti ed orchestrali in canzoni. Un esempio di questo possono essere canzoni come "Natalino studia canto" (Natalino Otto), "Quando canta Rabagliati" (Alberto Rabagliati), "La famiglia canterina" (Alberto Rabagliati e Trio Lescano) oppure il finale del brano "Firenze" di Odoardo Spadaro, che nella sua prima incisione, Voce del padrone, si concludeva con la citazione della suddetta casa discografica.

Abbiamo citato in questo excursus sulle canzoni che contengono citazioni dei propri interpreti anche "Quando canta Rabagliati", swing sfiziosissimo dedicato alla voce del cantante milanese, abilissimo del "Rabagliar". Di questo brano esistono due versioni: la prima, che credo sia contenuta nella raccolta, è degli anni Quaranta mentre la seconda è degli anni Sessanta. Il finale, nei due casi, muta. Nella prima versione si cita Tito Schipa, tenore leccese tra i più noti d'inizio secolo, mentre nella seconda si cita Celentano. I due artisti sono nominati come esempi di interpreti forse più famosi ma non dotati della personalità di Rabagliati.

Nel 1954 il Quartetto Cetra partecipò al Festival diSanremo con il brano "Aveva un bavero", brano di ispirazione militaresca ma con una tenerezza disarmante. Da allora il gruppo prese l'abitudine di parodiare le principali canzoni di ogni edizione. È questo il caso di "Musetto", che viene tramutata (rispettosamente) in un dialogo telefonico tra vari personaggi, con tanto di rumore del caro e vecchio telefono analogico.

Torna anche Paolo Poli con un brevissimo brano dal titolo "Chi sono".

Speriamo di avervi fatto piacere con questi ricordi, mi auguro di poter recensire il secondo cofanetto al più presto!

Renato ero a Canale 5

2010-12-19T17:25:00.002+01:00

Carissimi lettori, come qualcuno di voi saprà, ieri sera Canale 5 ha trasmesso il concerto che Renato Zero ha tenuto a Piazza di Siena in Roma per festeggiare i suoi sessant'anni. Ve ne potrò parlare abbastanza approfonditamente perché ho avuto la fortuna di poterne rivedere oggi alcune parti, grazie ad un bellissimo canale di youtube che risponde all'indirizzo www.youtube.com/zerogerry.

Il concerto si è aperto con un'introduzione che ne ha pienamente tradotto lo spirito, nella quale hanno sfilato i principali personaggi che hanno nel tempo rappresentato la romanità, da Aldo Fabrizi ad Anna Magnani, da Gigi Proietti a Cristian De Sica. Il brano scelto come sottofondo a questa panoramica porta il titolo di "Roma", e dimostra tutto il profondissimo affetto che unisce Zero alla sua città. È il brano inedito che, insieme a "Segreto amore", impreziosisce l'ultima raccolta del cantautore romano, appena pubblicata dalla sua casa discografica, la Tattica. Il brano è basato su schemi di ballata classico-popolare, accompagnato da una bellissima orchestra, e cantato da Zero anche in dialetto romano. Questo forse lo avvicina alla tradizione delle serenate romane, sul modello di molti brani resi famosi da Claudio Villa, cantante con cui il nostro ha inciso un duetto virtuale nel disco "La coscienza di Zero".

Il concerto ha preso ufficialmente il via con "Io uguale io", uno dei brani contenuti nello storico album "Zerolandia" del 1978. L'arrangiamento non era stravolto, solo arricchito da suoni elettronici maggiormente riconducibili all'uso attuale degli strumenti sintetici. Comunque in questo brano ed in tutto il concerto gli strumenti moderni hanno fatto solo "tappeti sonori" sui quali si potessero stendere liberamente quelli acustici (una grandissima orchestra sinfonica che Zero ama spesso permettersi quando suona nella sua città natale) e quelli elettrici (un corposo ma secco gruppo rock).

La seconda canzone è stata quella "Amico" che a me ricorda tante cose che vi ho svariate volte raccontato. È stato bellissimo sentirla cantare ad un pubblico inebriato, sempre partecipe alla festa che inevitabilmente porta con sé ogni singola esibizione di Renato. L'arrangiamento qui è profondamente debitore di quello concepito per il bellissimo ed appena ristampato "Prometeo" (Tattica), ma ha finito per arricchirsi di un bellissimo sassofono soprano, estraneo in molti casi al mondo di Zero e più in generale a quello della musica leggera.

Il primo momento giocoso si è avuto con "Baratto", brano che in 45 giri ha fatto da lato B della più famosa "Il carrozzone", trainando così il grandissimo successo del 33 giri "Erozero" (1979). Live il brano è stato giocato con molta più parsimonia, d'altronde la voce di Zero si è leggermente incrinata, circostanza che non gli permette più di eseguire molti colori che avevano caratterizzato il suo canto giovanile. È stato bellissimo anche qui ascoltare il pubblico che ha interpretato passaggi molto lunghi da solo, con l'accompagnamento dell'orchestra e del gruppo leggero. Verso la fine ci sono state delle piccolissime parti eseguite con l'aiuto del disco originale, che stava in sottofondo mentre Renato eseguiva le parti principali. Mi riferisco ovviamente a quando si anticipa il finale a "scat", dove in disco Zero esegue quattro voci contemporaneamente, tecnica che ancora non è possibile riproporre dal vivo (per fortuna!).

Il primo duetto a cui si è assistito è stato quello con Andrea Bocelli, cantante presentato da Zero con molta tenerezza. Bisogna dire che ogni ospite ha scelto brani adatti alla propria timbrica, senza essere preda di insulse voglie di stupire. L'interpretazione di Bocelli, pur nella sua innegabile bellezza, forse non ha saputo rendere giustizia al brano, perché comunque il toscano non sa fare la distinzione fondamentale tra canto lirico e canto leggero, quindi quando canta lirica alleggerisce, quando canta la musica leggera porta troppa influenza lirica. Sinceramente queste operazioni potevano avere senso fino alla fine degli anni Cinquanta, poi con l'arrivo del rock and roll la musica leggera ha preso irreversibilmente la propria autonomia (attenzione che non ritengo il fenomeno completamente positivo, perché oltre a slegarsi dalla lirica la nostra musica leggera ha iniziato a rinnegare tutta la ricchezza che le portava la nostra tradizione popolare, iniziando a derubarla per ripulirsi la coscienza).

Sempre avvolti da questa atmosfera in bilico tra anni Settanta e Ottanta si è poi ascoltata "Fortuna", canzone originariamente contenuta in "Tregua" (altro disco di Zero recentemente ristampato dalla Tattica). Il brano è stato abbassato di un tono, ma non ha perso per niente di smalto ed espressività. La forza andava solo cercata in altri particolari, c'era comunque tutta. Particolare l'assolo di chitarra elettrica che ha scandito il finale del brano, che altrimenti è stato eseguito in maniera fidedigna rispetto alla versione del 1980 nel già ricordato "Tregua".

Il secondo ospite è stata una strepitosa Fiorella Mannoia, che ha interpretato una buona versione di "Cercami". Dico "buona" perché comunque è innegabile che ogni artista riesce a dare il massimo solo accompagnato da musicisti che lo seguono abitualmente, e non si spende mai al massimo quando va a trovarsi in altri contesti. Prezioso è stato l'assolo di chitarra classica che ha chiuso il brano, durante il quale la cantante ha tastato l'atmosfera del tutto particolare che si vive ad ogni buon concerto di Zero.

Di vent'anni prima ("Cercami" risale al 1998, al disco "Amore dopo amore") è la prossima canzone, una spumeggiante "Morire qui" estratta da "Zerofobia", primo album di Zero che ebbe grande successo di pubblico, edito nel 1977. L'arrangiamento presentato è ancora quello dello Zeronovetour, inciso su dvd e reso disponibile, insieme alla riedizione del giustamente fortunatissimo "presente" nel cofanetto "Presente-Zeronovetour". Dalla versione di "Prometeo" (1991) viene il troncamento della parte "Non è finita lo sento..." nella sua prima esposizione, sostituita da un "mia", gridato varie volte in crescendo di intensità.

L'invitata successiva è stata Rita Pavone, artista con cui Zero ha condiviso esperienze all'interno del suo corpo di ballo chiamato "I collettoni". I due cantanti si sono divertiti ad interpretare scambiandosi le strofe quattro grandi successi della cantante "pel di carota", tutti risalenti al periodo di sua massima popolarità, ossia agli anni Sessanta. I brani hanno creato una bellissima atmosfera da night club, dove i due artisti, soprattutto Zero, hanno dimostrato di trovarsi a loro agio. I brani interpretati sono stati: "Alla mia età", "Come te non c'è nessuno", "Che mi importa del mondo" e "Fortissimo".

La partecipazione di Rita Pavone è proseguita con una sua interpretazione di "Mi vendo" molto spumeggiante e forse con troppe tinte blues, che non si addicono, almeno secondo me, ad un brano dalla struttura spudoratamente dance come la notissima traccia d'apertura del già citato "Zerofobia".

Quando Zero è tornato ad essere solo sul palco si è ricordato uno dei suoi più grandi successi estivi tratto dal Q disc "Calore", la canzone "Spiagge". La versione è stata estremamente filologica ed ha permesso di apprezzare ancora una volta l'attività e bravura del gruppo di strumentisti nell'accompagnare il secondo grande protagonista del concerto, il bellissimo pubblico di Zero.

La prossima ospite è Raffaella Carrà che interpreta una curiosa versione dialogata dellacanzone "Triangolo", che, pur non essendo una delle mie preferite, in questa occasione si è fatta apprezzare per ironia e leggerezza.

Ilritorno alla solitudine permette a Zero di interpretare uno dei suoi classici più recenti, la bellissima ballata "Magari", tratta da quel "Cattura" (2003) da troppa gente ingiustamente criticato o peggio ancora snobbato. La versione live perde di efficacia, pur restando una bellissima versione, perché si rafforzano esageratamente le atmosfere rock, che non sono mai state il perno strutturale del brano. Bello ma forse inutile l'assolo dichitarra elettrica a metà brano, grave (in tutto il concerto) la mancanza del pianoforte sempre sostituito da tastiere.

C'è stata anche la partecipazione di Carla Fracci, che ha coreografato la bellissima e tenerissima "Dormono tutti", unico brano eseguito tratto dal cd "Presente", a dimostrazione che Zero non prepara mai scalette spudoratamente promozionali nei confronti delle proprie creazioni recenti, preferendo che in esse si istauri una pacifica convivenza tra le varie fasi della sua carriera. il brano è stato cantato come una vera canzone per bambini, giocando molto e quasi volando.

Altro momento esilarante è stato quello dedicato al duetto, stornellato in romanesco, con il grande Gigi Proietti. La melodia era concepita sulla falsariga di molte di quelle che costituiscono lo stile stornellatorio della capitale, il testo era uno scherzoso ma veridico ritratto di entrambi gli artisti, redatto sotto forma di dialogo, come nella più pura tradizione degli stornelli disfida.

Si è tornati alla serietà con "Niente trucco stasera", che è stata interpretata integralmente, anche in questo caso con grandissima fedeltà alla versione primigenia, quella risalente al 1980 e all'album "Tregua". Ilbrano non ha subito assolutamente il tempo, è attuale e sempre emozionante.

Molto bella è stata anche la canzone successiva, il classico del 1978 intitolato "La favola mia". L'arrangiamento ricalcava fedelmente quello concepito per il primo live che l'ha vista in scaletta, ossia il notevole "Figli del sogno" del 2004. È stato bellissimo come sempre ascoltare il pubblico intonare festosamente e rispettosamente il brano insieme a Zero, che siccome tiene alla partecipazione attiva degli astanti non sconvolge mai troppo i brani, limitandosi, in qualche raro caso, a modificare le introduzioni complicandole leggermente (come è successo proprio con "La favola mia").

Subito dopo si è avuta la partecipazione del più grande sorcino che si possa annoverare tra i comici italiani, il fiorentino verace Giorgio Panariello. Il comico toscano ha cantato, sulla melodia della nota canzone anni Sessanta "Marina", delle strofette esilarantissime dedicate a Zero, e va detto che non solo se la cava bene con il canto, ma l'imitazione di Zero è naturale nel suo timbro. Ha anche raccontato di come gli sia nata questa passione e dicome non sempre gli abbia portato bene. Forse è stato l'intervento migliore di tutta la serata.

Subito dopo Zero ha interpretato un classico del suo repertorio che da una quindicina d'anni a questa parte non può esimersi dall'interpretare in pubblico. Mi riferisco alla bellissima "I migliori anni della nostra vita", impareggiabile inno alla vita, dove passato, presente e futuro sono visti come un unicum inseparabile. Bellissimo il ritornello cantato dal pubblico, stupendo tutto.

Un momento molto particolare si è avuto a seguire, quando sul palco è salito il soulman siciliano Mario Biondi, il quale ha duettato con Zero non nella "normale" "Non smetterei più" tratta da "Presente", ma nella classica e tenerissima ballata "Nei giardini chenessuno sa" tratta dal disco "l'imperfetto" (1994). Le inconfondibili venature soul della voce del cantante non hanno assolutamente privato di visibilità la melodia eterea del brano, a dimostrazione che dove c'è bravura c'è anche versatilità. Il pubblico ha aiutato i due cantanti nell'interpretazione, esprimendosi con giovialità e rispetto.

Il brano successivo è stato un medley, forse il momento meno convincente di tutta la serata, dedicato a quattro brani estratti dagli album "Zerofobia" (Sgualdrina" e "L'ambulanza") e "Zerolandia" (Chi sei" e "Sbattiamoci". L'ho classificato deludente soprattutto perché i brani sono stati privati abbastanza forzatamente delle loro atmosfere per uniformarli ad un certo clima dance anni Novanta piuttosto opprimente.

Quando si torna al Renato Zero recente si esegue "Figaro", una bellissima e toccante canzone che descrive il rapporto molto particolare che Zero spesso ha con il proprio pubblico, quella vicinanza profonda che da molti è bollata come invadenza oppure menefreghismo mascherato. È una ballata molto ricca ed enigmatica a livello musicale, che vede l'alternanza di parti minori, seppur spesso con partenza sul sesto grado della scala, a parti maggiori che, convenzionalmente, partono sull'accordo di "tonica". È curiosa la teatralità sempre diversa che Zero imprime nel finale alle varie ripetizioni del verso "una canzone", accompagnata da un assolo di strumento a tasti (qui tastiera doppia), più spesso un meraviglioso pianoforte acustico.

Un'altra collaborazione che Zero ha fatto nella sua voglia di dare agli altri ciòche non gli è stato dato ai suoi inizi, è stata quella con la cantante romana Tiziana Donati in arte Tosca. La cantante nel 1997 incise il suo secondo disco, dedicato anchea riletture molto buone di brani noti o meno noti della canzone d'autore italiana. Inquell'occasione la cantante romana dà una bella interpretazione della canzone "Inventi", che ha visto anche ora la riunificazione di Tosca e Zero su un palco. L'arrangiamento, purtroppo, è l'unica pecca di questa interpretazione. Difatti trovo quantomeno forzato l'arrangiare questo brano a country americano, influenza solo in parte rappresentata dal marginale finger piking della chitarra, tecnica che nel 1974, anno di composizione della canzone, era all'ordine del giorno. A riprova della marginalità di tale influenza, sulla quale non si può imperniare nessuna rielaborazione del brano che ne voglia essere degna, consiglio di ascoltare l'insuperabile versione live presente nel vinile "Icaro" del1981, ancora non ristampato e non so da quanto tempo ormai fuori catalogo.

Sempre dall'lp "Invenzioni" viene estratta la prossima canzone, un inno contro la violenza sui bambini, dal titolo "Qualcuno mi renda l'anima". La versione, così come si era notato in occasione della recensione dello Zeronovetour", è molto filologica con quella di "Invenzioni", seppur la si abbassa di un tono.

La banda della Polizia di Stato ha poi interpretato un pezzettino de "Il carrozzone", ottenendo devo dire un buon risultato, dando l'occasione a Renato di ricordare suo padre, che faceva parte di quella istituzione.

Ilconcerto, come ormai accade spesso da diversi anni, si è concluso con quello che è l'inno non ufficiale dei "sorcini", ossia "Ilcielo". Posso giurarvi che questa canzone ha sempre avuto, anche prima che io scoprissi Zero, su di me un fortissimo potere, quindi risentirla è sempre un'emozione che mozza il fiato. Il pubblico la interpreta insieme a Zero, in maniera festosa ma composta e qualcuno, oltre allo stesso Renato, sicommuove.

Spero che abbiate apprezzato questa recensione, e che abbiate goduto nel leggerla quanto io ho goduto nello scriverla. Dato che le ripetizioni giovano vi ricordo che se volete vedere moltissimo materiale su Renato Zero, nonché gran parte di questo concerto, dovete andare su www.youtube.com/zerogerry.
Ciao nì!

Best Italia: ve ne parlo.

2010-12-07T22:45:00.002+01:00

Carissimi lettori, torno già a scrivere su questo blog per parlare (finalmente) di un progetto più e più volte pubblicato da Radio Italia Anni Sessanta, consorzio di radio che in tutta Italia (in Umbria non esiste, ma questa è un'altra storia!) sidedica ad un'esaustiva divulgazione di tutta la musica dagli anni Trenta fino ai nostri giorni, includendo anche chicche e rarità difficilmente programmate da canali che hanno scopi spudoratamente commerciali.

Il progetto di cui vi parlo è "Best Italia", serie di 16 dischi, ognuno subordinato ad un tema specifico.

Grazie al sito ufficiale dell'emittente (www.radioitaliaannisessanta.it) percorreremo le track list dei 16 volumi e ne analizzeremo pregi e difetti.

Il primo volume di cui ci è possibile parlare è "Hit parade", contenente canzoni che si sono trovate negli anni alle prime posizioni delle classifiche.

Il disco inizia con una delle più brutte canzoni estive che mi sia stato dato di sentire, ossia "No tengo dinero", cantata dai Righeira, quelli che l'anno precedente (credo il 1983) ci avevano già ammorbato con "Vamos a la playa", brano che ora ha visto un terribile rifacimento da parte dei Flaminio Mafia, uno dei tanti gruppettini specializzati nel rovinare canzoni altrui.

La seconda traccia è una canzone anni Sessanta, ripresa però nella versione di un cantante che negli anni Ottanta, trovando affinità tra il decennio del riflusso e dei "paninari" e quello del cosiddetto "boom economico", ha fatto fortuna rovinando gli spensierati brani di vent'anni prima in maniera veramente vergognosa. Mi riferisco ad Ivan Cattaneo e alla sua versione del "Geghegè" lanciato da Rita Pavone.

La terza traccia eleva sicuramente il livello dell'insieme della raccolta, in quanto almeno è cantata da una cantante che (all'inizio) prometteva bene. Mi riferisco a Loredana Bertè, di cui ritroviamo "In alto mare", brano risalente agli anni Settanta, di cui ascoltiamo un rifacimento live.

La quarta traccia è un brano che non mi ricordo, si intitola "Ilmare più grande che c'è" ed è cantato da Fiordaliso. Vorrei solo spendere due parole su questa cantante: non ha praticamente voce, aiuto!

Continuando a cantare al femminile si trova Marcella Bella, di cui ascoltiamo "Problemi", brano che non conosco. Alla cantante siciliana va giustamente riconosciuto di aver fatto vari pezzi di buona o anche alta qualità come "L'ultima poesia", "Gli amici" (cantate rispettivamente insieme al fratello Gianni e a Riccardo Fogli).

La sesta traccia ci permette di ricordare (quanto sarebbe stato meglio non farlo, ma va bene!) la canzone vincitrice del Sanremo 1997, ossia la fusione di voce impostata e musica elettronica che va sotto il nome di "Fiumidi parole". Era cantata da un duo chiamato Jalisse: chi se li ricorda?

Alla settima traccia compete il ruolo di farci tornare in mente uno dei tanti gruppi che hanno continuato e coltivato il genere melodico inItalia mentre impazzava il "prog" dei vari Banco, P.F.M e compari. Mi riferisco ai collage, dei quali si estrae la gradevole (ma non eccelsa) "Tu mi rubi l'anima". L'unico problema del gruppo: la voce del cantante, praticamente inesistente. Se permettete una divagazione la lacuna è trasversale, riguarda indifferentemente tutti i generi musicali, ci sono pochissime voci belle in giro.

Abbiamo citato Riccardo Fogli per ricordare una delle più belle canzoni di marcella Bella, ed abbiamo il piacere di ritrovarlo in questa scaletta con una delle sue canzoni anni '80 dal titolo "Malinconia". La melodia è apparentemente semplice ma pur sempre sviluppata, non male.

Come nona traccia c'è un brano cantato da Juli and Julie dal titolo "Una storia d'amore". Ammetto la mia proverbiale ignoranza e passo avanti.

Finalmente posso gridare un "bella!" sentito e convinto per quanto riguarda la decima traccia. Ci troviamo infatti con quello che io considero il miglior gruppo tra quanti coltivarono la musica melodica italiana tra la fine degli anni Sessanta e gli anni Settanta. Mi riferisco agli Alunni del Sole capeggiati dal napoletano Paolo Morelli, abile poeta sia nel nobile vernacolo partenopeo che in italiano. Il brano che troviamo fa parte della produzione dialettale del gruppo ed ha il titolo di "'A canzuncella". È una delle ultime canzoni napoletane belle ad aver conosciuto gli onori della celebrità nazionale, poco prima dell'esplosione di quel degradato e degradante fenomeno detto dei "neomelodici". Il brano si inserisce in un filone di brani leggermente jazzati, che comprende perle come "'Na voce, 'na chitarra e 'o poco 'e luna", innovando le sonorità ma non discostandosi per niente come spirito dalla vera tradizione classica.

Ora troviamo il gruppo che in quegli stessi anni aveva coltivato il revival della voce "in falsetto" con una caparbietà davvero invidiabile, ottenendo risultati penosi. Mi riferisco ai Cugini di Campagna, gruppo di cui si ascolta il brano "Innamorati", a me sconosciuto.

Terzultima traccia: qual è la canzone più maschilista di tutta la storia della canzone italiana? "Teorema"!. A Marco Ferradini va riconosciuta bravura, per brani come "Gli Aironi", "Quando Teresa verrà" ed altre, ma questa canzone è da scordare (purtroppo qui ce la fanno ricordare, vedete che il mondo è bello perché è vario!).

Un altro bravo gruppo datoci da Napoli negli anni Settanta è "Ilgiardino dei semplici", anche quest'ultimo dedito ad una semplice ma mai inutile canzone melodica all'italiana. Dal repertorio di questo ensemble viene ripescata "Carnevale da buttare", brano che io ignoro.

La compilation si chiude nel peggior modo possibile, con una specie di semirap in dialetto napoletano inciso da Tullio De Piscopo negli anni Novanta, direi di sorvolare.

Il secondo volume che abbiamo la possibilità di occhieggiare è dedicato ai gruppi beat italiani, quelli che spesso evolentieri hanno fatto dei buoni adattamenti di brani stranieri che molto difficilmente sarebbero arrivati da noi (per questo, invece che essere ricordati, sono sminuiti).

Il volume inizia con una bellissima "Sognando la California", traduzione interpretata dai Dik Dik del brano "California dreaming", lanciato dai Mamas and papas. La versione che ascoltiamo (per fortuna) non è l'originale, ma bensì una eseguita in acustico molti anni dopo.

Altra grande (e forse più lodevole) operazione portata avanti da molti gruppi beat anni Sessanta, è stata quella di riprendere e rivitalizzare brani bellissimi della nostra produzione anni Trenta. Un esempio ne è la seconda traccia del volume "Un'ora sola ti vorrei", qui interpretata dagli Showmen, gruppo napoletano che vedeva tra i suoi componenti il leggendario cantante Mario musella e il sassofonista James Senese. Contrariamente a quanto accade adesso (vedasi la reinterpretazione del medesimo brano da parte di Giorgia), quando si riarrangia si lavora solo sulle sonorità senza toccare la ritmica e la melodia, in segno di umiltà.

Allaterza traccia cominciano i problemi. Arriva una delle canzoni più insipide che mi sia stato dato di sentire, la romantic ballad "Monia", interpretata dagli Apostoli, in uno stucchevole stile tra il cantato ed il parlato, precisamente alternando strofe parlate a ritornelli (sempre uguali) cantati o meglio piagnucolati.

La traccia successiva la ignoro, porta il titolo di "Non c'è più nessuno" ed è interpretata da uno dei più longevi gruppi beat, i grandie e bravi Camaleonti.

La canzone che segue ha una bellissima melodia, rovinata da un testo brutto e da una voce insignificante. Miriferisco a "Guarda", interpretata da un gruppo meno fortunato chiamato The rogers. È un brano in terzinato (come andavano allora) con certe influenze blues, che però non sconfinano mai nella scimmiottatura.

Andando avanti si ritrova un'altra cover dal repertorio americano, l'interessante "To love somebody", che interpretata dai Califfi diventa "Così ti amo". Forse convince meno rispetto a "Sognando la California" ma è pur sempre godibilissima.

Ed arriviamo ad un gruppo il cui destino è legato molto a quello di Francesco Guccini, ossia all'Equipe 84, di cui abbiamo il piacere di ascoltare "Quel che ti ho dato". Si può dire che il gruppo musicalmente non avesse particolari caratteristiche, il loro forte (come ammesso svariate volte da Maurizio Vandelli, suo storico leader)era la bellissima polivocalità.

Proseguendo troviamo i New Trolls, con uno dei pochi brani che hanno tentato di affrontare tematiche forti all'interno del beat italiano. Mi riferisco ad "Una miniera", canzone che rende testimonianza dei sentimenti di un minatore che torna da sua moglie dopo una lunga assenza. Molto bella, complicata ed emozionante. È inoltre innegabile la particolarità del timbro di Di Palo, caratterizzato da un certo falsetto mantenuto naturale.

Troviamo poi uno dei primi brani dei Pooh, il famigerato (ma da me dimenticato) "Bikini beat".

Andando avanti si trova uno dei gruppi di punta del beat italiano, i milanesi Giganti, noti per la stupenda voce di basso di Enrico Maria Papes. Ilbrano che si ascolta è "La bomba atomica".

Proseguendo troviamo un altro brano dei Camaleonti, che nonconosco, dal titolo "Ti dai troppe arie".

Sempre tra brani sconosciuti impantanati troviamo "Nessuno potrà ridere di lei", una delle cover eseguite dai Pooh nel loro periodo beat.

Se vi dico cantante che da quarant'anni vive in Italia e nonostante ciò parla l'italiano con un accento inglese che si sente subito? Qualcuno potrebbe anche pensare a Mal dei Primitives, il cantante che continua questa scaletta con una sua versione di un noto pezzo americano da lui interpretato in maniera molto poco convincente ma tuttavia rimasto nell'immaginario collettivo. Mi riferisco a "Yeeeah".

C'era un gruppo beat italiano degli anni Sessanta, che era noto, oltreché per la sua innegabile bravura musicale nel suo genere, anche per portare un corvo vivo sopra il basso. Ovviamente, dico io, mi riferisco ai Corvi, che chiudono questa scaletta con "Ragazzo di strada", brano che purtroppo è stato ripreso da gente che c'entra pochissimo con quel mondo, vedasi Tonino Carotone. Ilconsiglio che do è di ascoltare la versione dei Corvi, bella, con un bellissimo assolo di chitarra elettrica distorta, tra i primi mai sentiti in Italia.

Se si pensa agli anni Sessanta in Italia, viene naturale di pensare al cinema. Così in questa collezione, che vediamo essere molto completa, c'è un volume completamente dedicato alla musica per cinema. Qui verrà trattato molto superficialmente,speriamo di trovare qualcosa che possa in parte anche esulare.

La seconda traccia del disco è una grande canzone d'ispirazione romanesca scritta ed interpretata dal "piccoletto nazionale", il cantante ed attore romano Renato Rascel. Mi riferisco ad "Arrivederci Roma", che fotografa una visione idillica ma non fastidiosa (almeno per me) della Città Eterna. mi fa tenerezza, ad esempio, il quadro dell'inglesina che getta il soldino in Fontana di Trevi, come sapete anche questo è diventato reato, mentre il falso in bilancio no (giustizia è fatta!).

La prossima traccia di nostra conoscienza è "Nessuno al mondo", buona cover di Peppino di Capri di un notissimo successo americano di Pat Boone. Va detto che il Di Capri degli inizi non ha dato frutti spregevoli (altro discorso quando si metteva a reinterpretare le canzoni napoletane, stravolgendole così da rendere irriconoscibile,quindi inapprezzabile, qualsiasi versione filologica a chi lo amasse).

Il disco continua con una canzone caratterizzata dalla presenza di un "effetto speciale" eseguito dal vero. Mi riferisco alla bellissima "Ilbarattolo" di Gianni Meccia, che è accompagnata dagli spostamenti di un barattolo vero, ossia il cuore del protagonista è fotografato nei suoi movimenti, causati dai maltrattamenti dell'infido personaggio femminile (un po' di maschilismo, ma è un bel brano).

Dal Sanremo 1960 (quello che vide la vittoria congiunta di Tony Dallara e Renato Rascel con "Romantica") viene estratta "Quando vien la sera", canzoncina spassosa a tempo di twist, rimasta famosa nella versione di Joe Sentieri, il cantante del "saltino". Deplorevole (e parla una sua fan) la versione che ne ha fatto Arbore in "Quelli della notte", meglio 'originale.

Proseguendo, nominata e vista, arriva "Romantica" cantata dal grande Tony Dallara, il migliore "urlatore" che l'Italia possa aver vantato, perché è in grado di coniugare gli stilemi americani con un assoluto rispetto della melodicità nostrana.

Proseguendo si scopre che il brano "A felicidade", uno dei classici della bossanova brasiliana, nato dalla penna di Vinicius de Moraes e António Carlos Jobim, ha avuto una versione italiana dalla voce bellissima di Don Marino Barreto jr, uno dei più grandi cantanti del night italiano, nonostante il suo essere cubano.

E a proposito di gioielli stranieri portati da noi da cantanti stranieri continuiamo con "Uno a te, uno a me", interpretazione in italiano del tema principale del film "I ragazzi del Pireo" con musica di Mikis Theodorakis. l'interprete è la grande Dalida, una delle migliori interpreti che la francofonia e l'italofonia hanno posseduto, dalla voce potente e limpida fino alla sua prematura fine.

In questa atmosfera da night, ovviamente, non poteva mancare una "criminal song" di Fred Buscaglione, il grande contrabbassista, cantante e showman torinese. La sua voce, di solito dolcissima, poteva miracolosamente assumere un colore foschissimo davvero raro, basta vedere i suoi ruoli nel cinema, il film "Noi Duri" con Paolo Panelli e Bice Valori.

L'alter ego femminile di Buscaglione era senza dubbio Caterina Valente, grande artista dimenticata dal grande pubblico ma citata dal grande esordiente Piji nella canzone "I cigni di Ninfenburg" nel cd autoprodotto "Lentopede". La voce della Valente è jazz, ma non arriva alle forzature di Mina, che imita senza creare niente di nuovo.

Questo volume si chiude con un omaggio a Napoli proveniente dagli Stati Uniti (che spreco!), ovvero con la versione che Elvis Presley haeseguito di "'O sole mio". Non è male ma, sinceramente, da cultrice della canzone napoletana, avrei preferito avere in questo volume, un brano di Renato Carosone a chiusura di questo omaggio al cinema e al night.

Di nostro completo interesse è anche il volume successivo, quello dedicato ai cantautori.

Il volume inizia con "Genova per noi", classico scritto dal grande Paolo Conte e qui presentato nella notevole versione di Bruno Lauzi. Il brano non è sconvolto, anzi è reso ancora più melodico, evidenziando la sua anima latina, il suo essere una habanera tra le più riuscite di quante sono state scritte.

Il secondo brano è del repertorio "minore" di Fabrizio De Andrè, quello nel quale il cantautore genovese ancora non aveva il coraggio di far vedere la sua vera personalità. Mi riferisco a "Nuvole barocche", comunque interessante fusione tra un ritmo terzinato ed una strofa eseguita ad habanera. Lo si trova nell'lp del 1972 dallo stesso titolo.

Continuando con la scuola genovese si trova una traccia estratta dal primo disco di Gino Paoli, album che già mostra un cantautore giunto a precoce ma completa maturità. Il brano qui presente è "Sassi", canzone dall'andamento misterioso e dal testo triste ed intrigante.

Dello stesso periodo è il brano successivo, un gioiello sconosciuto dell'opera di Luigi Tenco intitolato "Mai".

Subito dopo compare uno tra gli antesignani del cantautorato, il polignanese Domenico Modugno, del quale si ascolta una bellissima ballad anni Sessanta dal titolo "Notte di Luna calante". La ballata è un misto tra un brano romantico all'italiana e certe suggestioni riprese da certi cantanti americani riconducibili al canto singhiozzato, in quegli anni coltivato anche da Modugno, dopo aver interrotto i suoi rapporti con il folk.

Tornando alla scuola genovese si omaggia il grande e dimenticato Umberto Bindi, ottimo interprete ma soprattutto grande autore di musiche con la ricchezza della musica classica e la giovialità ed intimità del jazz. Il brano che troviamo pubblicato è "Se ci sei".

Sempre dall'lp "Nuvole barocche" viene estratto il secondo brano presente di Fabrizio De Andrè, un'interessante ballad a tempo di bolero cubano dal titolo "E fu la notte". Va ricordato che il repertorio di cui ci stiamo occupando fu bollato dallo stesso De Andrè come "peccati di gioventù", in maniera forse cattiva e perché no superficiale. Riascoltarlo ora, alla luce anche della sua produzione successiva, forse farebbe cambiare idea a molti estimatori.

Dopo aver omaggiato i cantautori provenienti o lanciati da Genova si passa alla scuola romana, che viene iniziata da Amedeo Minghi, con il brano da lui dedicato a Giovanni Paolo II. Sinceramente io non l'avrei inserito, avrei scelto "1950" o "La vita mia", e non l'avrei messo in questa posizione, prima sarebbero dovuti venire almeno un Venditti ed un De Gregori.

Continuando si ha il piacere di ascoltare "Agnese", bellissima e dolcissima ballata di Ivan Graziani volontaria o involontariamente ispirata ad un pezzo anni Sessanta anch'esso bello. La versione di Ivan è molto ben fatta, la melodia non lascia spazio ad influenze americane o straniere, stupenda.

Proseguendo si ascolta "Minuetto" nella versione eseguita da uno dei suoi autori, il cantautore Franco Califano. Il testo è modificato in molte parti, la versione è altrettanto sofferta di quella di Mia Martini, seppure quest'ultima aveva una voce migliore (ovvio!).

Troviamo poi Sergio Endrigo, che ci presenta il brano col quale arrivò terzo al Festival di Sanremo 1970 in coppia con Iva Zanicchi. La canzone è "L'arca di Noè", ritratto intimo ma molto sferzante dei problemi profondi di una società che iniziava a sentire di essere allo sbando. La forza di Endrigo sta nell'intimità che filtra tutto, e qui sta anche la sua impossibilità di essere compreso dai cosiddetti intellettuali.

Continuando si arriva al tema ecologico, affrontato da Pierangelo bertoli con forza insuperabile nel suo classico "Eppure soffia". Per chi nonla conosce è una ballata bellissima, con una melodia larga e chiara, di quelle adatte per denunciare le ingiustizie. La sua voce è sempre stata di una limpidezza disarmante, non è mai cambiata tantomeno calata. L'album da cui è estratto il brano è quello che lo porta come title track, risalente al 1975.

Ed eccoci con un omaggio alla scuola milanese, rappresentata da Giorgio Gaber, quando ancora faceva il cabarettista e non dava comizi tramite le canzoni. Il cantautore meneghino è ricordato attraverso una tarantelluccia spassosa degli anni Sessanta dal titolo "Il riccardo", uno dei tanti ritratti di vita di bar lasciatici da Gaber.

L'ultima traccia permette di ascoltare uno dei cantautori di ultima generazione, uno di quelli che a me non piacciono, il rocker Massimo Priviero, uno di quelli che si ispira agli stilemi americani senza permearli di qualsiasi cosa che sia propria. Ne mancherebbero tanti all'appello ma ancora abbiamo molto materiale da visionare e recensire.

Continuando si arriva ad un volume che inizia in maniera divina. Ci riferiamo al disco "Le canzoni del cuore", la cui prima traccia si intitola "Il cielo in una stanza" ed è interpretata dal suo autore Gino Paoli. Sinceramente, pur essendo io una grande ammiratrice del cantante di Monfalcone, avrei preferito la versione di Mina, interpretata sicuramente meglio e con un arrangiamento sicuramente maggiormente curato. A riprova di ciò è il fatto che Paoli stesso, dopo la versione storica del 1960, utilizzerà per cinquant'anni arrangiamenti più o meno fortemente ispirati a quello fatto per Mina.

La seconda traccia non ci interessa perché è un brano che ignoro, quindi ci dedichiamo ad uno dei capolavori della produzione della prima Mina, la bellissima e giustamente celeberrima "Se telefonando" (anche qui,vedasi "Un'ora sola ti vorrei", hanno operato dei rifacimenti per il suo sputtanamento). Qui abbiamo la fortuna di ascoltare la versione originale, quella arrangiata dal grande Ennio Morricone, che prima di iniziare un'inarrestabile carriera di compositore di colonne sonore ha arrangiato alcuni tra i più bei brani italiani.

Come dire dal Paradiso all'Inferno. Andando avanti si ritrova Amedeo Minghi con "Cantare d'amore", brano presentato ad un Sanremo di una decina di anni fa, tra i più brutti che mi sia dato di ricordare.

Proseguendo, sempre da Sanremo, esce uno dei rari brani decenti usciti in questi ultimi anni,da una delle nuove proposte la cui carriera non ha più visto vette che abbiano interessato i media. mi riferisco alla bella romantic ballad "Sei la vita mia" di Mario Rosini, promettente cantante e pianista siciliano, dalla voce tenorile con leggerissime incrinature jazz. La melodia è semplice, per alcuni forse banale, per me sicuramente e giustamente italiana.

Tornando ad omaggiare Umberto Bindi (dopo aver reperito uno dei suoi brani nel volume "Cantautori") qui ci si presenta "Il nostro concerto", bellissima ballata, incrocio tra un brano classico e la sensualità delle ritmiche jazz. Credo però che questa doppia anima del brano e di tutta la produzione bindiana, abbia portato molti jazzisti, con la frettolosità che li distingue, ad appropriarsi di qualcosa che non gli appartiene o non può essere completamente di loro proprietà. Preferisco, se proprio si deve parlare di rifacimenti, quelli di artisti come Claudio Baglioni, che ha reinterpretato il brano in ben due occasioni: nel 1997 nel cd "Anime in gioco" e qualche anno dopo nella raccolta "Quelli degli altri tutti qui".

Un altro esempio di bolero cubano all'italiana lo troviamo nel brano successivo, la bellissima ballata "Era d'estate" di Sergio Endrigo, che qui ascoltiamo con la partecipazione dell'ottima cantante di jazz e musica leggera Rossana Casale. Nonostante il mio aver approvato tale versione, sinceramente rimpiango l'orchestrazione, da qualcuno forse ritenuta barocca, tipica della versione anniSessanta.

Proseguendo si ascolta la versione di Milva del celeberrimo brano "Estate" di Bruno Martino. Sinceramente nonconosco la suddetta versione, ma, quasi per principio, i brani di Martino debbono essere ascoltati da lui (e di questa va rigorosamente ascoltata la versione anni Sessanta!).

Il passaggio agli anni Ottanta si attua tramite una delle canzoni più insipide che mi sia mai stato dato di conoscere, la ballata "Ancora" del cantautore napoletano Edoardo De Crescenzo. la voce del cantante non è malvagia, ma sinceramente mi stancano i virtuosi in modo gratuito, quelli che con il virtuosismo debbono nascondere qualche loro grave mancanza (e ce ne sono trasversalmente!).

Sinceramente avrei preferito ascoltarmi la versione dei Pooh, perché è l'originale, ma andando avanti si trova "Pensiero" cantata da Riccardo Fogli. Il cantante toscano sinceramente, dopo un periodo fortemente creativo avutosi tra gli anni Settanta e gli inizi dei Novanta, credo abbia facilmente ceduto alla tentazione divivere di rendita con il suovecchio repertorio e, soprattutto, con quello da lui cantato per i Pooh.

Dopo aver saltato una traccia ("Io sarò la tua idea" cantata da Iva Zanicchi) quando possiamo tornare a parlare di cose che conosciamo troviamo "Piccolo uomo", canzone di Bruno Lauzi interpretata e portata al successo da una strepitosa Mia Martini. Il brano di Lauzi è bello, ma sinceramente cantato dall'autore è molto meno convincente, gli manca la sofferenza che invece la voce di Mimì gli dà invariabilmente.

La penultima traccia è una perla estratta da un Sanremo di fine anni Sessanta, il brano "Un'ora fa". Il brano è la riuscita fusione tra lo stile soul che permette come nessuno di brillare al cantante milanese ed una grande e larga melodia nostrana. La strofa è in minore, mentre il ritornello è in maggiore, dimostrando così che ancora all'epoca si lavorava in maniera ricca.

Anche in questo volume troviamo la presenza della canzone napoletana, con uno dei suoi ultimi capolavori, la "Resta cu mme" scritta da Domenico Modugno negli anni Cinquanta ed ancora oggi gradevolmente ascoltata dagli intenditori.

Il prossimo volume è dedicato alle "Canzonissime", ossia ad alcune delle canzoni uscite dalla famosa trasmissione televisiva "Canzonissima" (rivoglio quella e via "X factor", "Amici" e compagnia brutta!).

La prima traccia è "Roma nun fa la stupida stasera", bellissima habanera di Garinei e Giovannini, estratta direttamente dall'immortale colonna sonora della commedia musicale "Rugantino". L'interprete è uno dei miei preferiti per quanto riguarda la canzone romana, il romano verace Lando Fiorini,che io ebbi l'onore di conoscere durante il mio periodo a "Sarabanda", poiché venne in trasmissione e, dopo aver recitato una stupefacente poesia di Trilussa, cantò una "Cento campane" che mi ha fatto commuovere fino alle lacrime.

Sulla seconda traccia ho già da ridire, perché il brano è bello ma la versione presentata secondo me non è sufficientemente buona. Il brano è "Un'estate fa", rifacimento in italiano della canzone francese "Une belle histoire", qui cantato dagli Homo Sapiens ma lanciato anche da Michel Fugain, interprete originale del brano. Ilsuo italiano è caratterizzato da un'affascinante e tirannica "erre moscia", ma l'interpretazione è insuperabile, vi giuro!

Ed a proposito di brani rifatti (o che dopo sono stati tradotti in svariate lingue), si ha il piacere di ascoltare la versione italiana di "Without you" dei Gens. Il brano si intitola "Per chi" e devo dire che è riuscito, molto peggiore è il rifacimento recente di Brenda, per L'italia, e di Maria Karey per gli Stati Uniti.

Dopo aver saltato una traccia si trova la stupenda versione che José Feliciano ha dato del mediocre brano di Jimmy Fontana (e parla una sua ammiratrice) "Che sarà". La bellezza della versione di Feliciano, secondo me, sta nel virtuosismo che il portoricano mette nell'accompagnamento di chitarra, sicuramente notevole.

Si ritorna ai cantautori e si ritrova Bruno Lauzi, con uno dei suoi primi e più bei brani, la ballata "Ritornerai", che come sempre io vi consiglio di ascoltare solo da lui. Bruttissima infatti è la versione che ne diedero circa una decina di anni fa i Delta v, gruppo di pop elettronico a me completamente estraneo.

Proseguendo si trova un altro dei capolavori della produzione di Mina, la traduzione initaliano del brano "It's a lonely town" dal titolo "Città vuota". Non so quale versione si trova nel cd, spero di cuore sia quella anni Sessanta, perché quando successivamente la cremonese reincise il brano per uno dei suoi dischi dal vivo, gli arrangiatori ne fecero (come spesso accade) scempio. È sempre un problema riuscire a riarrangiare completamente un brano, spesso si cade nelle grinfie della moda, soprattutto nel deleterio ambiente del pop.

Bellissima la traccia successiva, la spassosissima canzone "La gatta" di Gino Paoli. Qui non ho preferenze di versioni, voglio solo segnalare, per la sua indubbia particolarità, quella interpretata dal cantautore montefalconese insieme ad Enrico Rava, Danilo Rea ed altri jazzisti nel disco di Rava "Strane stelle strane", tutto dedicato a rifacimenti in chiave jazz di successi della musica d'autore italiana e non solo. Da quel disco è notevole anche la partecipazione di Renzo Arbore, con il swing napoletano di "Smorza 'e lights", dove il foggiano suona anche il suo amato clarinetto.

Continuando si arriva alla traduzione in italiano di "Milord", brano lanciato in Francia da Edith Piaf e da noi ripreso da Milva. L'arrangiamento qui è fidedigno, anche se forse i giri di fisarmonica musette nella versione italiana suonano come qualcosa di falso ed imitato. L'interpretazione è abbastanza buona, perché sono innegabili i punti di contatto tra le due voci, ma il mio consiglio, ovviamente, è quello di ascoltare la versione francese, assolutamente più bella. Sono alla pari, invece, la canzone della Piaf "Les amants d'un jour" e la sua traduzione italiana, curata ed interpretata dall'italo-francese Herbert Pagani, dal titolo "Albergo ad ore". Il fatto è che nel caso di Pagani la teatralità francese è qualcosa di naturale, non imitato e tantomeno acquisito.

Andando avanti si riscopre una delle canzoni meno belle che possano aver dato gli anni Sessanta italiani, ossia il motivetto beat "Perché l'hai fatto", che si ritrova nella versione di Beniamino Reitano, noto al grande pubblico come Mino Reitano. La voce del calabrese avrà forse il suo fascino, ma secondo me è tutto meno che un timbro perfetto o bello.

Anche in questa compilation fanno capolino i pooh, con la loro famosissima "Piccola Ketty", primo loro grande successo, ancora in epoca beat. Io l'ho sempre trovata una canzone pietosa, perché si sente lontano un miglio che è composta per scimmiottare ciò che non ci appartiene.

Dopo una traccia a noi sconosciuta ("Furore" di Adriano Celentano) riscopriamo uno dei tanti gioielli usciti dalla penna del grande e dimenticato Memo Remigi. Dalla sua voce abbiamo il piacere di riascoltare "Io ti darò di più", brano portato al successo da Ornella Vanoni alla fine degli anni Sessanta. Io sono molto legata a Remigi, perché circa tredici anni fa conduceva la versione domenicale di "Per noi", bellissimo programma musicale di Rai Radio 1, quando ancora non si era completamente votata allo sport. Il programma era fatto da un immaginario night club anni Sessanta, con un grandissimo pianista chiamato Luciano Simoncini,e vi venivano invitati grandi nomi di quel periodo come Bruno Martino, Gino Paoli ed altri (che nostalgia!).

Il disco si chiude con un pezzo di un gruppo di musica strumentale "progressiva" chiamato Il guardiano del faro". Sinceramente a me non dicono niente.

Il prossimo volume è intitolato "L'ora dell'amore", titolo ripescato da una delle più belle canzoni del periodo anni Sessanta, la cover di "Homburg" dei Procol Harum eseguita dai Camaleonti.

Il volume inizia con "la più bella del mondo", bellissima ballata romantica interpretata da Marino Marini, una delle stelle del night club anniSessanta, nato a Napoli. Il suo stile potrebbe essere paragonato a quello di Renato Carosone, anche se il Marini era possessore di un timbro sicuramente più bello e raffinato.

La seconda traccia è un brano dal titolo "Amore grande, amore libero", ripreso dal repertorio dei già citati e deplorati "Il guardiano del Faro".

Ed eccoci ad una delle canzoni più insipide (e quindi più ricordate) degli anni Settanta italiani. Mi riferisco a "Bella da morire" degli Homo Sapiens. Per descriverla brevemente si potrebbe definire una canzone da fotoromanzo, una di quelle dove l'uomo si chiede perché la sua innamorata lo abbia lasciato, senza chiedersi se costui a colpe.

Continuando troviamo una delle voci più grintose che gli anni Settanta abbiano potuto conoscere, quella di Mino Vergnaghi, il quale ha azzeccato alcune belle melodie tra cui questa "Amare", anche se, quando con gli anni ha deciso di rifarle, ci ha messo delle coloriture troppo blues che non le esaltano ma le nascondono. Comunque fa sempre piacere ricordare questi interpreti rimasti solo nella memoria di chi la musica la amava davvero.

Andando avanti si ritrovano i Cugini di Campagna (sarebbe meglio di no!), con una canzone che ha tragicamente segnato la mia infanzia. Mi riferisco ad "Anima mia", che digerisco (a malapena) nella versione di Baglioni, solo perché è lui che canta. È una delle tante canzoni che sfrutta lo stereotipo della tristezza dell'uomo lasciato, che non si chiedemai il perché sia stato abbandonato dalla propria compagna, della quale sente una nostalgia sferzante, diremmo "canaglia" citando un pezzo che spero non troverò mai.

Un'altra cover del repertorio dei Pooh da parte di Riccardo Fogli continua la scaletta. Il brano prescelto è "Tanta voglia di lei", il primo (che io sappia) brano dei Pooh ispirato ad una relazione adulterina. In questo caso, contrariamente a quanto accadrà anni dopo con "L'altra donna", qui il protagonista capisce il suo sbaglio e dice un laconico "Il mio posto è solo là", per accontentare i benpensanti, all'epoca ancora grandi fustigatori.

Continuando con i gruppi troviamo prima i Ricchi e poveri (che dai trallalleri liguri sono passati al poppettino commerciale) e poi i New Trolls quando già avevano ampiamente superato la fase beat. Il brano che troviamo in scaletta è la bellissima "Quella carezza della sera", canzone tenerissima sui ricordi d'infanzia del protagonista. Interessante soprattutto per il finale del ritornello, che contiene un dodiesis settima aumentata, che fa da seconda diminuita rispetto alla scala di do del brano.

Dopo una traccia sconosciuta, "Fiore di carta" cantata da Bobby solo", troviamo il brano che dà il titolo al cd, di cui si è già parlato in sede introduttiva. Qui voglio solo spezzare una lancia a favore dei Camaleonti, che sono riusciti ad eseguire un rifacimento italiano molto bello, anche migliore della stessa canzone originale.

Anche qui abbiamo il piacere di ritrovare Memo Remigi, con uno dei suoi gioielli assoluti, la ballata dal ritmo inclassificabile "Innamorati a Milano". In molte parti sembra un bolero, ma prima che il ritmo si schiude ve ne sono altre a tempo neutro, molto enigmatiche (imparate nuovi autori da chi aveva meno accademia e più fantasia!).

Continuando riscopriamo un altro grande successo estrapolato dal canzoniere di Umberto Bindi, la ballad terzinata "Arrivederci". Sinceramente trovo molto più convincente la versione jazzata data da Marino Barreto Jr, ma queste sono le scelte di chi ha fatto la compilation. È abbastanza brutto il vocalizzo che Bindi esegue prima di ogni esposizione del tema melodico, semplicemente perché è portato avanti da una voce che non è abituata all'uso di questa risorsa.

Dello stesso periodo è la penultima traccia, la mia canzone preferita di Giorgio Gaber, nella quale il milanese sfodera un'anima da crooner che dopo, infervorato dalla politica, ha perso assolutamente per strada. La ballata che troviamo è "non arrossire", bellissima serenata d'amore, debitrice sì di certi stilemi nordamericani, ma prima d'ogni cosa della serenata popolare italiana.

Il volume si chiude con il tema del film "Love story", interpretato dal sassofonista Fausto Papetti, interprete che ha chiuso un'epoca, purtroppo mai più ricominciata, nella quale la musica strumentale andava a braccetto con i dischi cantati.

Eccoci ad uno dei momenti più polemici di tutta questa rassegna, perché ci dobbiamo occupare del volume napoletano della collezione "best Italia".

Il volume porta il titolo di "Bella Napoli" ed inizia con "Cu' mme", rpesentataci in una versione interpretata solamente da Mia Martini, e già qui c'è da ridire. Infatti il brano è spudoratamente concepito affinché una voce (maschile) canti a strofa mentre un'altra (femminile) le risponda nel ritornello. Poi trovo ingiusto omettere Murolo dalla prima traccia di un cd napoletano, lui che ha sempre perseguito il rinnovamento rispettoso della canzone napoletana, anche quando è stato preso in mano da produttori senza alcuno scrupolo.

Ancora più da ridere c'è nella seconda traccia, perché troviamo Gigi D'Alessio, ossia colui che ha dato visibilità nazionale al deplorevole fenomeno dei "neomelodici", quegli interpreti il cui stile è assolutamente e rigidamente prestabilito. Il napoletano interpreta "Annarè", colonna sonora di un film, ultima sua esperienza rimasta confinata praticamente al territorio campano.

Il volume va di male in peggio, perché dopo il primo figlio troviamo il padre dei "neomelodici", che pentito del misfatto compiuto e volendolo in qualche modo appianare (mentre oramai si sa che non può più) si è dato al teatro e alla cosiddetta "canzone di qualità" (siete sicuri?). Mi riferisco a Nino D'Angelo, di cui si ascolta "Nu jeans e 'na maglietta" risalente all'inizio degli anni Ottanta, ai suoi primi film osceni.

Il primo brano "classico" che si ascolta è "Tu ca nun chiagne", in una versione forse non bruttissima ma sicuramente non favolosa. Mi riferisco a quella che ne hanno dato il gruppo napoletano "Il giardino dei semplici", quando, nel più generale e spesso falso interesse per le canzoni dialettali o di tradizione, anche la canzone napoletana sembrava rivivere con versioni rivisitate fino all'eccesso. In questa addirittura spiccava uno strumento sintetico tipico del "progressivo" su cui è meglio sorvolare.

E a proposito di cose sgradite andando avanti si trova l'abruzzese Fred Bongusto che rilegge "Resta cu' mme", ma questa licenza può essere perdonata in quanto la versione di Modugno è stata già inserita in un volume precedentemente da noi consultato (potevano non so perché mettere la versione di Murolo, forse sì!).

Non sono una fan di Mario Merola, ma per lo meno la sua napoletanità e il suo essere legato ad un certo stile "classico" sono innegabili. Dalla voce di Merola ascoltiamo "'A voce 'e mamma", brano che stava benissimo sulla bocca di tutti quei cantanti che avevano nelle corde il repertorio "guappo" o "di giacca", tra cui ricordiamo Tony Bruni, Tony Astarita, Nunzio Gallo ed altri.

Il prossimo brano è sicuramente il migliore della prima metà della serie, anche se non sono tanto d'accordo sulla versione prescelta. Come settima traccia, infatti, si trova "Malatia", interpretata da Peppino di Capri. Il cantante napoletano si è sempre vantato di aver cantato la canzone napoletana senza avere mai impostato la voce, mentre secondo me un minimo di impostazione o di purezza di dizione è richiesta obbligatoriamente da questo repertorio. Io vi consiglio di sentire le versioni di Armando Romeo (autore del brano) e di Roberto Murolo, ottimo interprete per tutti i brani nati o concepibili per chitarra e voce.

A proposito di grandi chitarristi andando avanti si riscopre Fausto Cigliano, quando ancora non aveva ricevuto la lezione di Mario Gangi, quindi suonava con tecnica da night. Del cantante vomerese viene riscoperta la bellissima versione, incisa negli anni Cinquanta chitarra e voce, del brano "Che m'e 'mparato a ffà", da molti conosciuto per essere entrato nel repertorio canoro di Sofia Loren.

Domenico Modugno fa la sua apparizione con "Strada 'nfosa", brano completamente da lui scritto in lingua napoletana,cosa che si può notare per le leggere imperfezioni presenti nel testo, notate ironicamente e rispettosamente da Totò. Il brano è una dimostrazione di come i ritmi swingati, con la loro oscurità, sanno esaltare come pochi il napoletano ed il suo suono ondoso.

Roberto Murolo arriva ad interpretarci "Anema e core", uno dei classici della canzone napoletana degli anni Cinquanta, prima canzone partenopea che portasse l'indicazione "slow" sulla partitura. Credo sia stata incisa da Murolo due volte: la prima su 78 giri (molto migliore) e la seconda per la sua "Antologia della canzone partenopea" per la Durium.

Dopo questa parentesi filologicamente corretta vi sono svariate tracce che non conosco, interpretate rispettivamente da Sofia Loren e Mina, ma quando si torna a cantare brani noti lo si fa con una bruttissima versione di "Maruzzella" da parte dei Beans, gruppo che negli anni Settanta si prodigò in rifacimenti-distruzioni di brani storici, tra cui la bellissima (e altrettanto napoletana di provenienza, seppure in lingua italiana) "come pioveva" di Armando Gill.

La chiusura permette di nominare Renato Carosone, il più diretto rivale di Murolo per quanto riguarda la popolarità a livello napoletano, nonché di Buscaglione nel suo periodo di frequentatore di night. Non so quale versione è presente in compilation di "Tu vuo' fa' l'americano", ma io vi consiglio di ascoltare solo quella incisa con il sestetto storico, difatti trovo deludente tutto ciò che Carosone ha inciso dopo rifacendo il repertorio anni Cinquanta.

Il prossimo volume ha una logica che non capisco. Difatti, anche se si chiama "I grandi interpreti" inizia con un cantautore. Il primo brano difatti è "1950", forse la canzone più commovente che Amedeo Minghi sia riuscito a concepire. La sua versione non è assolutamente brutta, però solo da studio. Non sopporto la sua abitudine di cantare dal vivo eseguendo continui spostamenti di tempo, che non permettono mai il canto al pubblico. Lo sfasamento di tempo, come qualsiasi risorsa, va usata moderatamente.

La traccia successiva riporta alla ribalta un artista che a me non piace, a cui però non può essere negata bravura. Mi riferisco a Michele Zarrillo, del quale si ascolta "Una rosa blu", brano del 1982, assurto alla popolarità solo nel 1998 in occasione del suo rifacimento nella raccolta "L'amore vuole amore". Il brano, è strano a dirsi, è cento volte meglio nella versione rifatta nel 1998 piuttosto che in versione originale, sono soprattutto più curati gli arrangiamenti.

Anche questo volume contiene l'ennesima cover dei Pooh da parte di Riccardo Fogli (che stette nel gruppo svariati anni, meglio specificarlo). Il brano che si trova in questa compilation è "Noi due nel mondo e nell'anima", che però è cento volte meglio in versione originale, perché fonde bene sonorità italiane con qualche condimento "progressivo" (forse solo per ammiccare alla nascente moda!).

Come quarta traccia si trova una canzone di Toto Cutugno che non conosco o non ricordo (perché non so se faceva parte delle sessioni d'ascolto domenicali che mi dovevofare mentre mio nonno russava come un trombone!).

Purtroppo quando si torna a parlare di brani conosciuti arriva Adriano Pappalardo (che speravo di non trovare, sinceramente!), con quello che è stato il suo più grande successo, quello che tutt'ora lo contraddistingue, ossia "Ricominciamo". Non parliamo del testo, dico solo che è un banalissimo brano terzinato con qualche venatura blues, perché già stavamo diventando più statunitensi degli statunitensi.

Andando avanti si torna agli anni Sessanta e si parla di brani di indubbia qualità, come la ballata "A chi", forse la canzone più bella mai cantata da Fausto Leali. Un'altra storia è la versione di De Gregori che, essendo un po' stanco, l'ha fatta... a blues, tanto quella è una musica che si canta pure senza voce, e lui oramai è notorio che non ce l'ha (tra lui e Dalla è una coppia perfetta!).

Continuando con gli anni d'oro della canzone italiana troviamo "Una rotonda sul mare", uno dei tantissimi gioielli regalatici da Franco Migliacci, il grande paroliere di "Nel blu dipinto di blu". La ballata è di una semplicità e una leggerezza che conquistano, esenti da banalità in tutti i sensi. Da notare l'assolo di chitarra classica che scandisce le parti strumentali del brano oltre agli immancabili violini.

Il brano che segue è molto bello ma io non l'avrei inciso nella versione presente in compilation. Ci troviamo davanti a "Love in Portofino", che però ascoltiamo nella versione di Dorelli (avrei preferito Buscaglione o la già ricordata Dalida). La versione del Dorelli, nonostante le sue innegabili qualità vocali, è fiacca, soprattutto è troppo alla Frank Sinatra.

E l'avevamo citata poco fa, ce la ritroviamo cantata da Domenico Modugno. Mi riferisco a "Nel blu dipinto di blu". Spero di cuore che sia la versione del1958, quella incisa con il sestetto azzurro di Semprini, l'unica davvero bella.

Dal Paradiso all'Inferno: "Italia" di Mino Reitano continua questa scaletta. Il brano è di un patetismo riluttante, sorvoliamo.

Subito dopo si fa il viaggio all'incontrario, perché si trova la bellissima "L'immensità", che io ritengo la più bella canzone italiana di tutti i tempi. La si ascolta (e giustizia è fatta!) da Don Backy. Spero sinceramente di cuore che non sia la versione del 1967, infatti il Caponi secondo me aveva una voce non molto espressiva da ragazzo, e solo con gli anni Ottanta, ancora di più dagli anni Novanta in poi, gli è nato il timbro limpido e rauco che amo tanto. Io vi consiglio quindi diascoltare la versione presente nel volume 1 della collezione "I grandi successi", quello dedicato al repertorio 1962-1967, che giustamente porta questo brano in chiusura.

Ed eccoci ad una delle prime canzoni impegnate cantate da Giorgio Gaber, anche se ancora fortunatamente era lontano dalle canzoni-comizio degli anni Settanta. Troviamo infatti "E allora dai", presentata sempre all'edizione sanremese del 1967. Il brano è spudoratamente beat, non mi ha mai del tutto convinto, ma è gradevole.

La penultima traccia è un brano che non conosco, ilcui titolo dà adito al sospetto che sia il rifacimento, sicuramente in chiave rock, del brano del Quartetto Cetra dal titolo "Donna". Speriamo di no!

Il volume si chiude con un omaggio al "molleggiato" che appare con il suo primo successo, il rock and roll spumeggiante "Ciao ti dirò", interpretato contemporaneamente anche da Gaber.

Il prossimo volume contiene brani di qualità abbastanza mediocre, ma sempre più belli di ciò che ci propinano attualmente le radio. L'argomento, quindi anche il titolo del cd, è "Super classifica '70-80".

Si inizia con il più grande successo dei già ricordati Il giardino dei semplici, ossia la ballad "Miele". È un titolo che dà adito a possibili schifezze come pochi altri, infatti esiste anche una canzone di Gigi d'Alessio con questo titolo (mamma mia!).

La seconda traccia è "non si può morire dentro", interpretata da Gianni Bella, uno dei cantanti che mi piacciono di meno, dopo quelli di "X FACTOR", OVVIO! lA SUA VOCE è VERAMENTE ORTICANTE, IL SUO FALSETTO DA SOPRANISTA è BRUTTISSIMO, SOLO PEGGIO DEL CANTANTE STORICO DEI cUGINI DI cAMPAGNA.

Negli anni Settanta andavano in classifica anche brani strumentali. La conferma ne è questa "Il gabbiano infelice" del guardiano del faro, su cui non tornerei.

E come dire subito appena nominati, eccoli i Cugini di Campagna. Dal loro repertorio in questo caso si estrae una canzone dove l'uomo, indeciso tra due donne, non trova la sua strada. Patetica, con un ritmo neutro ma senza alcun interesse e... la voce di lui non merita alcun commento.

E gli anni Ottanta compaiono con la vincitrice del Sanremo 1982, ossia "Storie di tutti i giorni". Il brano è decente solo nella versione di Gianni Morandi, la versione originale è quasi inascoltabile, quasi completamente elettronica, senza la traccia di uno strumento elettrico, eccezion fatta per una banalissima chitarra elettrica.

E come poter sorvolare questa canzone di Fiordaliso, la cui carriera è restata legata a questo brano fino ad oggi. mi riferisco a "Non voglio mica la luna", inno della contentezza per le poche cose che si possono avere, che non invita assolutamente a lottare, ma che volete eravamo nell'epoca del riflusso.

Gli anni Ottanta, ovviamente, sono stati caratterizzati dall'apparizione folgorante di Donatella Rettore (scusate, solo Rettore!). La cantante faceva dei testi un po' provocatori, innovativi ma secondo me da quattro soldi. Il brano che troviamo vorrebbe essere un tentativo, per me fallito, di affrontare l'amore in maniera innovativa, facendo una disquisizione sul kobra. Ilbrano è pseudo etnico, forse potrebbe anche essere una tarantella, è pietoso.

Dal 1980 viene "Su di noi", una delle perle prodotte da Enzo Ghinazzi in arte Pupo, quando non si era dato anche alla conduzione di programmi televisivi e radiofonici nonché alla convivenza con i principi. Il problema è che quello che per lui è "senza una nuvola", per chi ha delle buone orecchie è un incubo.

E l'avevo citata prima durante l'esplorazione del volume "Bella Napoli", come esempio della maniera di lavorare di questo gruppo, ed ecco che mi ritrovo la "Come pioveva" dei Beans in questo volume. In ogni epoca vanno fatte cose diverse, forse questo è vero, ma chenon le si facciano prendendo e depredando un'altra epoca di ciò che le si addisse di più. Il brano è eseguito senza alcun tremolo nella voce, con uno stile di canto più avvicinabile al pop che alla melodia italiana, senza nessuna fuga da schemi statunitensi a noi estranei. Il ritmo è una specie di bolero fatto a rock, bruttissima!

Dispiace sempre vedere chi ha una bella voce svendersi fino a fare cose pop e commerciali. È questo il caso di Giuni Russo, che negli anni Ottanta ebbe qualche contentino di popolarità con delle canzoni scritte spesso da Battiato (prima filosofeggiava e dopo scriveva "Un'estate al mare"), tra cui questa "Limonata Cha cha cha". È un pezzo accettabile solo per l'interessante operazione di revival nei confronti di un ritmo che all'epoca non era di moda, ma se volete sentire dei cha cha cha all'italiana andate su "Drakula cha cha cha" di Bruno Martino o sul "Cha cha cha dell'impiccato" di Jimmy Fontana e Gianni Meccia, che in verità prende questo ritmo solo nel ritornello.

Uno dei cantautori più dimenticati degli anni Settanta è Leano Morelli, trasmesso solo da pochissime radio tra cui appunto Radio Italia Anni Sessanta. Del cantautore in questione si ha l'onore di trovare una bellissima ballata dal titolo "Nata libera", molto lenta, caratterizzata dall'alternanza di una strofa in minore ed un ritornello completamente in maggiore. La semplicità dell'accompagnamento strumentale, eseguito senza elementi sintetici, esalta l'armonia e la stupenda melodia, che incastonano un bellissimo testo.

Abbiamo trovato in precedenza Marco Ferradini con la sua peggiore canzone, ora ci rifacciamo. In questo volume è presente un brano dove è evidentissima l'influenza di Lucio Dalla, soprattutto nella presenza di un sassofono alto molto graffiante. La ballata è concepita su una scala maggiore quasi completamente sfruttata, quindi non è una di quelle da falò in spiaggia e s'intitola "Schiavo senza catene".

Per fare canzoni quantomeno discutibili si può facilmente sfruttare la partenza per il militare, che ancora negli anni Settanta era obbligatoria. È questo il caso di questo classico dei Santo California dal titolo "Tornerò", che sfrutta l'alternanza tra cantato e parlato, sperimentata tra gli altri da Serge Ginzburg nella sua "je t'aime, ma non plus", ovviamente con ben altri risultati.

Il volume si chiude con un ricordo di Ivan Graziani, con un altro dei suoi gioielli, uno dei pochi che sia riuscito a diventare di dominio pubblico. Mi riferisco a "Firenze (canzone triste)", canzone che si può annoverare tra le ballate più intime del suo repertorio. Per chi non la conosce dirò che è una ballata caratterizzata da un brevissimo ritornello che si inserisce all'interno di strofe lunghissime, che musicalmente alternano momenti minori ad altri maggiori.

Ora ci dobbiamo occupare del repertorio riguardante le canzoni dell'estate, quelle che forse vanno bene sotto l'ombrellone (non è detto!), ma che, appena tornati, a me fanno subito venire l'orticaria.

Si inizia con "Tropicana", grande hit anni '80 del Gruppo italiano, ensemble che ha prodotto un altro brano molto più carino, la swingante "Anni ruggenti".

Non so perché l'estate è sempre collegata all'America Latina, ai Caraibi,quasi mai al Mediterraneo. A riprova di ciò si può citare il prossimo brano, un'insopportabile ritmo pseudocubano, dove si mischiano molti posti caraibici e si dipinge un paradiso a sfondo sessuale veramente vergognoso. Mi riferisco a "Maracaibo" di Lu Colombo, interpretata insieme a Davide Riondino.

E quando si parla d'estate non possono maimancare i Righeira, che già avevamo incontrato con "No tengo dinero" ma ritroviamo con "L'estate sta finendo", brano ispirato a quando a settembre si riflette "Sugli anni e sull'età", a quando "dopo l'estate" si ha "il dono usato della perplessità". Ovviamente la citazione di Guccini dalla "Canzone dei dodici mesi" in questo contesto è ironica, perché la canzone si limita ad asserire con ripetitività e povertà musicale che "Le'state sta finendo".

Non so cosa farei a Tony Esposito e Tullio De Piscopo se solo mi capitassero tra le mani. È troppo facile fare progetti spudoratamente commerciali per poi potersi finanziare i progetti cosiddetti "di nicchia". Di Tony Esposito troviamo quell'insopportabile mix di napoletano, inglese e lingue inesistenti che è "kalimba de luna", interpretata con una vocina che non sa né di me né di te (comeEugenio Bennato con la sua taranta del "volemose bbene".

Continuando in questa atmosfera latinoamericaneggiante troviamo le sorelle Iezzi, che dopo aver fatto qualche cosa di decente all'inizio, hanno successivamente capito che per scalare le vette delle classifiche dovevano fare dance. Così, al ritorno da un viaggio in Spagna, ci hanno regalato questa hit meravigliosa stile "ciclone" di cui io avrei fatto volentieri a meno, dal titolo "Vamos a bailar (esta vida nueva").

L'avevamo citata ed eccola, ancheperché questo volume porta esattamente il titolo di questa traccia. Ci troviamo davanti ad "Un'estate al mare", cantata da Giuni Russo, brano dove Battiato sembra voler espiare i suoi peccati presenti e futuri di filosofia musicale (altrettanto detestabile che il pop di consumo!).

E tornando a voci che non sanno né di me né di te (almeno la Russo aveva una bella voce, l'ho già detto) troviamo la più grande voce porno italiana, ossia Viola Valentino. Il timbro è falsamente sensuale, perché è la storia di una donna che si vende ad un uomo (vergogna!), il brano si chiama "Comprami".

Sull'articolo di commento alla "Shit parade" di www.hitparadeitalia.it avevo citato "il vocione" e il "vocino". Ve li ricordate? Bravissimi, Al Bano e Romina Power. In questo volume, e come poteva mancare, purtroppo c'è "Felicità", una delle canzoni più brutte che io abbia mai sentito (ovviamente l'inno dei Truzzi e fuori classifica!). Per chi non se la ricorda è una bella tarantella (perché Carrisi e di Cellino San Marco, quindi "le radici ca tene" sono pugliesi), con un testo bruttissimo.

La traccia successiva fortunatamente la ignoro, è cantata dagli Homo Sapiens e si chiama "Due mele", ma non manca alla mia coscienza una bellissima merdolina di Tullio De Piscopo intitolata "Andamento lento", dove credo che il napoletano suoni una bruttissima batteria elettronica o sintetica. Si può dire che questo brano di De Piscopo è l'antesignano più diretto della filosofia del "volemose bene" di cui sopra.

Reperiamo andando avanti uno dei rap più brutti (anche se lui ha una bella voce, vai qualcosa di accettabile c'è), ossia "Ma quale idea" di Pino D'Angiò. Ma sarà mica il fratello di Carlo D'Angiò dei Musicanova, il quale gli scriveva le canzoni di nascosto mentre poi si cantava le "montanare" e le "rodianelle" del gargano? Comunque il brano è insopportabile, come tutti i rap, a me infatti il parlato mi piace solo se non va a tempo con il ritmo del brano, e prende le forme di un recitativo (vedasi certe cose di Paolo Conte o l'ultimo Claudio Lolli). Va detto poi che il rap in minore è qualcosa di penoso, ed ancora più penosa è la reinterpretazione ed ammodernamento che ne hanno fatto i Flaminio Mafia.

Una carina l'abbiamo trovata come terz'ultima traccia, la canzone "Profumo di mare", rifacimento da parte di Little Tony di "Love boat". Non è del tutto banale, è anzi una ballad abbastanza carina, e lui non ha una voce completamente insignificante.

Geniale è la penultima traccia, ovvero la "Tintarella di luna" di Mina,che ci permette di ricordare Bruno De Filippi, grande musicista recentemente scomparso, compositore di questa frizzante melodia. È un twist introdotto da una piccola parte melodica, ma fortemente caratterizzato nella versione di Mina da un impareggiabile assolo di sassofono baritono.

Si chiude con un brano "beat", il maggior successo di Giuliano e i Notturni, ossia la traduzione italiana del "Simon says", diventato da noi "Il ballo di Simone". Non è un capolavoro, ma questo volume ne ha ben pochi.

Il volume dedicato ai "gruppi" inizia con un riferimento all'epoca "beat", quella che in Italia ha visto la proliferazione indisturbata di "complessi" tra cui i Rokes, di cui ascoltiamo "È la pioggia che va". Il brano è bello, peccato la voce di Shapiro ed il suo funestissimo accento inglese.

La seconda traccia ci permette di riscoprire uno dei pochi rifacimenti di brani non americani tra quelli entrati nella storia della musica italiana, ossia la traduzione italiana del brano "Wight is wight" di Michel Delpêche, interpretata dai Dik Dik con il titolo "L'isola di Wight". Sinceramente non mi ha mai convinto questo brano, né in versione originale né tradotto, anche se devo riconoscere una qualche ricchezza alla melodia.

E per tornare ad un rifacimento americano, arriviamo ad un'altra cover incisa dai Pooh nel loro periodo "beat", il brano "Vieni fuori", rifacimento di "Keep on running". La melodia, non so se in seguito o contemporaneamente, è stata ricantata anche da un altro cantante che non so precisare con un altro testo, prassi completamente accettata.

E ci troviamo di fronte ad uno dei gruppi più importanti nella fase tra "beat" e "prog", ossia la Formula 3, di cui ascoltiamo "Questo folle sentimento", uno dei brani usciti dalla produzione di Mogol e Lucio Battisti, che scrivevano anche per i gruppi della loro scuderia, la Numero 1. Il brano è basato su un mi un po' ripetitivo, che si sblocca solo con l'apparizione di un "la" nel ritornello. Impostazione fortemente blues, sempre riconosciuta da battisti nel suo primo periodo.

Della fase di transizione tra il "beat" ed il "prog" fa parte anche il brano successivo, interpretato dai New Trolls e dal titolo "Davanti agli occhi miei". La caratteristica più rilevante è la presenza di un gruppo di voci che suonano all'unisono nel ritornello, come forma di risposta alla voce falsettata di Di Palo.

Dal Sanremo '67 viene "Proposta", geniale quadro di "tipi" sociali e di preoccupazioni portato in scena dai Giganti. Di cose interessanti ne ha svariate, a partire dall'alternanza di accordi maggiori e minori nell'introduzione, per poi arrivare a stabilizzarsi durante tutto il resto del brano in una struttura blues in parte smorzata da un "mi minore".

Tra le cover, dopo aver saltato un brano dell'Equipe 84, spicca quella di "norvegian Wood" eseguita dai Camaleonti. All'epoca gli strumenti etnici non erano in voga (per una parte era meglio!), solo che il brano è spudoratamente concepito per Sitar da George Harrison che lo aveva appena imparato in India. Sarei curiosa di sentirla!

E si passa ad un capolavoro di produzione nostrana, ossia "Concerto", giustamente la canzone più ricordata dallo sterminato e bello canzoniere degli Alunni del Sole di PaoloMorelli. Qui non si gioca con la tradizione napoletana, qui si compone un brano agile e malinconico, in tonalità minore, molto semplice ma segretamente complicato. Il testo riprende, senza patetismo, il tema della fine di un amore nato su una spiaggia, lo stesso clima che si respira nella notevole "Settembre" cantata da Peppino Gagliardi, altro grande partenopeo.

Dopo aver saltato una delle canzoni sconosciute del repertorio dei Califfi, si trova "Gioco di bimba", bellissima favola da molti erroneamente interpretata come una canzone dedicata ad uno stupro. Secondo Aldo Tagliapietra de Le orme essa non è che il racconto della nascita di un amore.

Essendovi due tracce che non conosco passo direttamente all'ultima, la canzone swingante "Anna da dimenticare" de I nuovi Angeli. Molto interessante, perché ha una melodia molto larga ed il gruppo di mostra una buona padronanza della polivocalità.

Il volume su "I favolosi anni Sessanta" inizia proponendoci una rarità, ossia la versione di Giorgio Gaber del successo di Adriano Celentano "Il ragazzo della Via Gluck". Mi era arrivata alle orecchie la "Risposta al ragazzo della Via Gluck" nonché "Com'è bella la città", entrambi brani di Gaber con chiare finalità polemiche nei confronti dell'ambientalismo del "molleggiato".

La seconda traccia riporta un successo del Sanremo 1964 (la precedente viene da quello del '66) interpretato da Little Tony, che lo cantava in coppia con Gene Pitney. Il brano è un po' troppo basato su stili nordamericani, ed è tra i primi in cui si fa un massiccio uso di tastiera o pianoforte sintetizzato.

Nel 1959 la giovane Mina Mazzini si presenta al "Musichiere" di Mario Riva interpretando in maniera spumeggiantissima una delle canzoni del Festival di Sanremo di quell'anno, la mediocre canzone melodica "Nessuno". La giovane "tigre di Cremona" riesce a renderla un capolavoro, anche grazie al solito (per i suoi primi dischi) assolo di sassofono baritono. Mi riferisco a "Nessuno", che al Festival era stata lanciata da Betty Kurtis.

La traccia successiva è un brano di fortissima ispirazione latina, ma profondamente debitore anche allo stile del grande Gorny kramer. Mi riferisco a Marina, che io amo perché ha un bellissimo assolo di fisarmonica, che dimostra che questostrumento, in quanto a "svisate" non ha niente da invidiare ad una più convenzionale chitarra elettrica.

Ed ecco Adriano Celentano con uno dei suoi primi successi, il rock and roll "Iltuo bacio è come un rock". Sicuramente interessante, anche se trovo che i ritmi nordamericani non abbiano niente a che fare con noi che siamo profondamente latini, per niente anglosassoni (per fortuna!).

Gli anni Sessanta furono caratterizzati da numerosi cantanti francesi che fecero molto successo in Italia, traducendo in italiano i loro brani principali. Tra questi Adamo Salvatore, belga di origini siciliane, ha un posto del tutto particolare. Dal suo meraviglioso repertorio ascoltiamo "Affida una lacrima al vento", bellissima ballata dove un innamorato chiede alla propria amata di piangere una lacrima per lui e mandargliela tramite il vento. Anche qui secondo me c'è assolutamente un debito con la tradizione nostrana delle serenate.

Abbiamo già accennato che i rifacimenti o cover non riguardano solo il bacino anglosassone, anzi si andava spesso a pescare da altre culture. Un esempio ne è questa bellissima "Angeli negri", traduzione italiana di "Angelitos negros" di Antonio Machín, lanciata per la prima volta dal cubano Don Marino barreto jr, e poi fatta conoscere al grande pubblico da Fausto Leali. Secondo me Leali non convince su questa melodia, perché le voci soul come la sua non hanno niente a che vedere con la cantabilità cubana, invece grandemente rappresentata sia da Machín che da Don Marino Barreto Jr.

In Italia il campo di coloro che ripresero il repertorio di Elvis Presley fu occupato e monopolizzato da due cantanti: Bobby Solo e Michele, mentre Little Tony, pur assumendosi come suo emulo, non volle mai o quasi mai cantare le sue canzoni. Michele si avventurò anche nel periodo buio, quello degli anni Settanta, dove il cantante, poiché del rock and roll non gliene importava niente ma della fama sì, cantò anche canzoni sui diritti civili ai Neri d'America tra cui "In the ghetto". Il brano è una ballata indubbiamente forte, ma sinceramente tradotta non convince.

Avevamo citato Betty Kurtis in occasione di "Nessuno", ora la ritroviamo con l'altro suo classico dal titolo "Cantando con le lacrime agli occhi", brano molto melodico.

Dopo un brano cantato da uno sconosciuto Federico Monti Arduini,arriva "Lisa dagli occhi blu", più grande successo di Mario Tessuto, cantante che avrebbe meritato sicuramente maggiore fortuna e di non essere etichettato con una canzone così insipida. Il brano ha un'orchestrazione innegabilmente bella, anche per la mirabile fusione che si esercita tra il soul e la melodia italiana, ma vi giuro che c'è molta discografia di tessuto sicuramente migliore.

Ed eccoci a Donatello, che interpreta "Io mi fermo qui", direttamente dal Sanremo 1970. È una bellissima ballata dall'impianto fortemente americano come tecnica chitarristica, ma debitrice di tutta la tradizione italiana, nonché di certa imponenza nell'orchestrazione che precede il ritornello.

La successiva traccia è una delle canzoni più tristi che mi sia mai stato dato di sentire. Mi riferisco alla ballata pessimista "Soli simuore", cantata in Itlaia sia da Michele che da Patrick Samson, cantante olandese che dopo questo exploit non poté più ripetersi.

L'ultima traccia è un brano impegnato dei Pooh, il loro primo brano, dal titolo "Brennero '66". È una ballata dall'impostazione folk, con tanto di chitarra a dodici corde, ma è un tentativo bieco di seguire una moda che si dissolverà subito.

Il prossimo volume è dedicato a ciò che più ci contraddistingue a livello mondiale, ossia la "Melodia italiana".

Il volume si apre con "Estate", cantata stavolta da bruno Martino (speriamo che sia la versione originale, l'unica che convince).

In questo frangente si torna ad omaggiare i cantautori, continuando con Luigi Tenco ed un suo gioiello estratto dal suo primo vinile, la bellissima "Quando".

La terza traccia di questo cd non poteva che essere "Il nostro concerto", ma avendo già inserito la versione di Umberto Bindi si doveva trovare un ripiego,e lo si è trovato in Peppino di Capri. Non conosco la versione in questione, comunque preferisco quella originale, perché ritengo che Bindi abbia spudoratamente cucito questo brano alla propria vocalità.

Ed ecco la migliore versione de "Il cielo in una stanza", quella di Mina. Sinceramente ritengo che questa orchestrazione sia insuperabile, magari si poteva puntare ad un canto maggiormente melodico ma sono sfumature.

una delle poche canzoni belle di Bongusto è questa "Tre settimane da raccontare", un ritratto sornione ma per niente patetico di un amore iniziato d'estate, che però, al contrario del solito, forse d'inverno continua.

La traccia successiva ci riporta alla mente un brano a me sconosciuto di Gianni Nazzaro, precedendo quella che per me è una delle più belle e care canzoni romane. Miriferisco alla sigla del film (sceneggiato) tv "Il segno del comando", ultimo grande sussulto della canzone romana, quel capolavoro assoluto di Fiorenzo Fiorentini che è "Cento campane". Abbiamo il piacere di ascoltarlo dalla voce più verace di Roma, il grande e già qui citato Lando Fiorini. La canzone riprende il tema delle streghe, dell'amore che strega l'anima, quindi la donna vista come una strega, che tiene l'uomo in eterna soggezione. La tematica viene sviluppata in maniera tradizionale, su una melodia altrettanto di conio tradizionale, appunto "italiana".

Si fa poi un salto negli anni Ottanta, con un brano che preso da solo è bello, innegabile, ma se paragonato all'altro grande hit del suo interprete è completamente uguale se non fosse per qualche scala più ricca (è un po' quello che adesso succede con Alessandra Amoroso). Mi riferisco al brano "Daniela" di Christian, che nello stesso periodo (precisamente nel 1984) aveva cantato "Cara" al Festival di Sanremo. I due brani sono entrambi caratterizzati da una struttura melodica in maggiore, con sfumature minori e da un ritmo di bolero cubano velocizzato.

E torna il Beniamino nazionale, o meglio il begnamino nazionale, Mino Reitano. Questa volta lo troviamo in una delle sue canzoni di ispirazione folkeggiante, perché in quegli anni c'era una moda dilagante, ossia la composizione di brani d'autore che sembrassero etnici (almeno non si sputtanava il folklore come fanno i Bennato, Epifani e compagnia, c'era qualchesperanza che qualcuno ci si avvicinasse con canzoni che se ne nutrivano). Non sto dicendo che si siano fatti sempre buoni brani con tale metodo compositivo, quantomeno però non si rovinava ciò che c'era lo si arricchiva davvero. Il brano che ci interessa, "Il tempo delle more", riprende il folklore di ispirazione alpina, l'unico che veniva nutrito, il meridione allora nutriva il settentrione, adesso ci sono molti settentrionali che imparano le danze popolari del Sud senza neanche capirle.

Tornando al ritmo di bolero velocizzato di cui sopra ricordiamo un brano di un cantante che potremmo definire "meteora", di quelli che danno un colpo e via. Mi riferisco a Rossano che è interprete di un'insulsa canzone dal titolo "Ti voglio tanto bene". Con titolo simile ("Te voglio bene") consiglio di riscoprire un gioiello napoletano di Renato Rascel, interpretato anche da Roberto Murolo.

Finalmente abbiamo il piacere di toccare con mano la favolosa creatività e vocalità di jimmy Fontana, con il brano "Il mondo", reso immortale dalla perfetta combinazione tra musica e testo, propiziata anche dall'arrangiamento profondamente classico di Ennio morricone. Infatti è un brano dove l'orchestra classica si viene a sostituire (all'epoca era comune) a quella leggera, in tutti i suoi ruoli. È bellissimo sentire il ritmo terzinato affidato ai timpani a livello di batteria, agli archi bassi per la parte di basso e così via, altri tempi.

La traccia successiva è un'interessantissimo duello amoroso tra due ragazzi che raccontano il loro diverso modo d'amare, tramite un uso intenzionale da una parte della voce confidenziale, dall'altra di quella urlata. Il brano che ci interessa è tratto dal repertorio de Igiganti e si intitola "Una ragazza in due", interessante terzinato che, per esprimere meglio il duello alterna parti sensuali in minore a parti urlate in maggiore.

Il secondo grande successo sanremese di Domenico Modugno, "Piove", è il prossimo protagonista, un commovente brano in terzinato veloce, che inizia con un'indimenticabile suono d'arpa che imita onomatopeicamente la pioggia. Anche qui si utilizza il linguaggio evocativo degli strumenti, cosa completamente dimenticata da questo pop da quattro soldi.

L'ultima traccia, infine, è di Don Backy ed è una bella versione di "Canzone", brano portato da costui e Celentano al Festival diSanremo 1968. Probabilmente non vinse per la maleducazione di Celentano, che lo rovinò volutamente per gli screzzi con DonBacky che da allora non finirono più.

Ovviamente un altro tema importante quando si tratta di fare compilation a tema è quello sessista, le donne da una parte e gli uomini dall'altra. Così anche in "Best Italia troviamo "Bella donna", compilation tutta concepita al femminile.

Si inizia con "Pensiero stupendo" lanciato ed interpretato da Patty Pravo, brano scritto per lei da Ivano Fossati. Nel brano la Strambelli utilizza la sua sensualità in maniera esagerata, non vorrei dire altro.

Qualche tempo fa era tornata di moda una canzone insopportabile che io nonconoscevo, e qui me la trovo in versione originale, ossia interpretata da Gabriella Ferri. La canzone è "Remedios", quella che si è sentita fino allo sfinimento dalla voce della brasiliana Selma Ernandes, per poi buttarla via come uno stuzzicadenti. Sinceramente il brano è brutto l'ho già detto, ma ancora più sconcertante è quando le cantanti di musica popolare o affine, per la maggiore popolarità, accettano questi compromessi con il mercato. Non dico questo per il mio proverbiale antimercantilismo, ma perché so benissimo che i produttori di musica leggera, dopo averti sfruttato, ti buttano via e tu ritorni come prima o peggio.

La terza traccia è un capolavoro che Mina estrasse dal Festival di Sanremo 1964, ossia "E se domani". Il brano non era passato a notorietà perché secondo me nessuno dei due cantanti gli aveva impresso l'anima giusta, né Gene Pitney (e si capisce) né Fausto Cigliano (ed è inspiegabile). La versione di Mina è swing ma melodica, lenta, aperta e sincera.

Ed eccoci ad uno dei più bei valzer mai scritti, quella "Senza fine" scritta da Gino Paoli per la voce di Ornella Vanoni. Da questa interprete abbiamo il piacere di ascoltarla, quando lei ancora non cantava alla brasiliana, ma semmai come una cantante venuta dalla scuola di Streler.

Andando avanti si fa un salto di circa trent'anni, ricordando una bellissima (e non capita dagli uomini) canzone cantata da Mia Martini al Sanremo 1992. Mi riferisco, ovvio, a "Gli uomini non cambiano", bellissima ballata aperta, che permette alla cantante di Bagnara di esprimersi al massimo.

Dopo una traccia di Spagna a me sconosciuta ("noi non possiamo cambiare") si arriva a "Donna con te" cantata da Anna Oxa al Sanremo 1990. Il brano non è male, anche se lei ha una voce che solo raramente riesce a piacermi, un po' come la Vanoni.

Si prosegue con l'unica citazione in tutta la compilation (e non posso che gridare vergogna!) per Enrico Ruggeri, la cui arte ci viene mediata da Loredana Bertè che interpreta il brano "Il mare d'inverno". È una ballata che io (grande ammiratrice di Ruggeri) amo solo dalla sua voce ruvida ma mai banale, mentre la versione della Bertè la trovo piatta e deludente. Il testo invece è un quadro mirabile, che per essere dipinto ha bisogno di una tavolozza piena di colori.

Dopo una traccia a me sconosciuta di Milva ("Oh mamma") si arriva a "Rumore", brano che purtroppo conosco bene perché ho frequentato una persona ammiratrice di Raffaella Carrà. Il brano è il la minore, ma ha il basso testardamente posizionato sopra il do, quindi produce un odioso effetto di dissonanza.

Dal Sanremo 1969 viene l'unica canzone decente di Iva Zanicchi che sia passata per le mie orecchie (insieme a "Testarda io", "Un fiume amaro" e "Se fossi un tango"), ossia "Zingara. La ballata porta l'inconfondibile stile terzinato, che comunque era già interpretato in maniera strutturalmente diversa, con la terzina prevalentemente affidata alla batteria, che comunque spesso evita il colpo intermedio spesso debole. Il brano è interessante per la ricchezza melodica ed armonica.

Dopo due tracce a me sconosciute il cd si conclude con "Ti telefono tutte le sere, un valzerino della produzione di Caterina Caselli, credo collegabile ai suoi inizi.

L'ultimo volume della collezione che dobbiamo analizzare è di nostro capitale interesse, in quanto dedicato al folk, ossia alle rielaborazioni di brani popolari digeriti dal pop o al repertorio d'autore d'ispirazione popolare.

Si inizia con una delle più mirabili ballate della produzione apulo-sicula di Domenico Modugno (difatti le prime versioni dei suoi brani cosiddetti siciliani erano in verità in dialetto brindisino). Il brano che apre la collezione infatti è "Lu pisci spada" (nel sito è scritto "Lu pisce spada"...), grande narrazione epica di una storia d'amore tra due pesci spada che non viene interrotta neanche dalla morte provocata da un pescatore impietoso. La melodia è interessante perché alterna parti in 2/4 su scala minore agli interventi dei pescatori eseguiti rullando su un accordo particolare (fa-sol diesis-re-si).

Ed eccoci al primo canto popolare proveniente dall'Abruzzo, ossia "Vola, vola, vola", valzerino che siascolta a cappella eseguito da due cori del posto.

Dio mio... La terza traccia qualcuno dovrebbe spiegarmi cosa c'entra col folklore. È una spassosa canzoncina che viene dal Festival di Napoli del 1966, che abbiamo il piacere di ascoltare Dalla Voce di Aurelio Fierro, ma è sicuramente d'autore, e il folklore campano ha tutte altre strutture (vedasi la tammurriata). Il brano, strano a dirsi, è comunque più convincente nell'interpretazione del meneghino Giorgio Gaber, dotato di una verve molto maggiore su brani dove conta più l'esser caratteristi che buoni cantanti.

Arrivando in Puglia si ascolta "Lu maritiello" di Tony Sant'Agata, sicuramente spassoso valzerino ma con la stessa tradizionalità o ispirazione tradizionale di una tarantella d'autore scritta da chi non si dedica in fondo al canto di tradizione.

Andando avanti il misfatto si radicalizza ancora, perché abbiamo "Eulalia Torriceli"", canzone risalente al periodo fascista, ma non tradizionale. È spassosa anche questa, e fa comunque piacere ascoltare la bella voce di Tajoli.

Andando avanti, nel pieno spirito del folklore milanese, si ascolta "Oh mia bella Madunina", tango (quindi ritmo tipico della città del nord Italia) cantata da Giovanni D'anzi. Così come si era detto per "Dialetti d'Italia", in queste operazioni si confonde molto il dialettale con il popolare in senso stretto.

E ovviamente inizia il percorso nel liscio, ovviamente in quello massificato delle orchestre con batteria e tutto, non in quello di Melchiade Benni. Lo si fa con un brano dell'Orchestra Bagutti che mi è sconosciuto, intitolato "Casetta bianca".

Il Veneto è rappresentato da un brano sulle gondole, anch'esso a me sconosciuto, dal titolo "Marieta monta in gondola".

Andando avanti si arriva a Roma,e la si presenta come una città di "magnaccioni" (che lo è) con "la società dei mangnaccioni". Nonostante ciò c'è assolutamente da ridire sull'assenza di ogni riferimento ai grandi romani, si chiamino Lando Fiorini (già presente in altri volumi) o Gabriella Ferri (mai citata come interprete di brani folk, ricordata con la sua peggiore parentesi, bravi!)

Ed eccoci con il ritorno a Napoli, tentando di rimediare la figuraccia che è stato omettere Sergio Bruni dal disco "Bella Napoli". Da Sergio Bruni, da molti definito "La voce di Napoli" si ascolta "Reginella", brano di Libero Bovio e Gaetano Lama del 1917.

Tornando al liscio si ascolta Enrico Musiani, che con la sua stupenda voce da controtenore (non sto scherzando, mi piace il suo timbro!) interpreta "Madonnina dai riccioli d'oro", una delle più orride canzoni di liscio che mi sia stato dato di sentire nella mia vita.

Si arriva in Toscana e si assiste ad uno dei pochi atti di giustizia di questo volume, perché, anche se manchiamo completamente a livello di chiarezza di concetti, ricordiamo in una volta due grandi fiorentini: da un lato lo chansonnier Odoardo Spadaro e dall'altro il tenore Carlo Buti, che interpreta "La porti un bacione a Firenze" (nel sito è scritto "Porta un bacione a Firenze"...).

La penultima traccia è una "Calabrisella" interpretata da un gruppo a me sconosciuto, dal nome sicuramente inquietante, ossia Gruppo folk calabro-lucano. Il mio consiglio, da profaziana di ferro quale sono, è di ascoltare la versione del grande Profazio, sia in "Calabria" (con il fratello Vincenzo alla fisarmonica e alle seconde voci) che in "Amuri e pilu", solo chitarra e voce.

Delle isole viene rappresentata solo la Sardegna, ma (almeno lei) viene rappresentata nel miglior modo possibile, dalla grandissima sassarese Maria Carta.

Che dire dopo questa analisi? Io vi ho informati: fate voi.

Lucio Dalla e Francescde Gregori: "Workinprres"

2010-12-03T22:55:00.004+01:00

Carissimi lettori, riesco a mantenere una promessa che feci quando recensì la prima data del tour "Work in progress" di Lucio Dalla e Francesco De Gregori, ossia finalmente riesco a recensire il cd che ne è scaturito.

Il disco in questione si apre con un brano inedito dal titolo "Non basta saper cantare", che fortunatamente ora è stato scelto come singolo per trainare questo disco, per rimediare all'errore che secondo me è stato commesso facendo sì che questo disco fosse annunciato con "Gigolo", uno dei brani più insipidi di Dalla e De Gregori che io abbia mai sentito. Comunque il brano è una ballata che rimanda molto a "Santa Lucia" di Francesco De Gregori, già presente in "Banana republic", di cui questo progetto è un aggiornamento giocoso e bello. Il brano è una di quelle ballads sulla vita che ad entrambi gli autori vengono ancora bene.

Il percorso tra i classici dei due autori inizia con "Tutta la vita" di Lucio Dalla, che viene cantata insieme da entrambi ma più da De Gregori, che gli dà un'essenza fortemente blues o dylaniana. In questa versione il brano riscopre la sua anima latina, tramite l'inclusione di numerose percussioni etniche che rimandano a Cuba. È interessante sentire Dalla che si prodiga nel suo inconfondibile "scat" mentre De Gregori suona un'armonica.

Ed eccoci ad un Francesco De Gregori che ci interpreta "Anna e Marco" con una bellissima tenerezza, che io non gli sentivo da tempo. Quando Dalla entra il canto si sporca, diventa jazzato, perché lui è uno di quelli per cui la musica leggera va arricchita perché opprime ma non si può abbandonare (per motivi economici: forse!).

Comunque in queste occasioni ancora riesco a provare emozioni ascoltando questi due mostri sacri che si stanno divertendo davvero, cosa che la musica cosiddetta leggera non mi trasmette quasi mai.

E con un inizio a tempo di charleston arriva la prima incursione nel repertorio di Francesco De Gregori, con il brano "Titanic". L'atmosfera che si respira è veramente rilassata, libera e liberatoria, i due cantanti intrecciano molto armoniosamente i propri stili, alternando strofe singole a piccole parti a due voci. Nell'ultima strofa è da notare la sostituzione della parola "sposarci" con "provarci".

Ed arriviamo con piacere ad una molto bella versione de "La leva calcistica del '68", introdotta da un graffiante assolo di sassofono di Lucio Dalla. Il canto sembra completamente affidato a De Gregori, mentre Dalla dà delle pennellate di sax contralto, che precedono la sua entrata anche a livello di voce. Il secondo ritornello è affidato a Lucio Dalla, che fa degli interessantissimi finali calanti, dove scende di circa un'ottava e mezzo. Questo effetto, invece di indurire il canto, lo addolcisce, prima di lasciare spazio ad un dialogo tra il sassofono di Dalla ed una chitarra elettrica che si abbandona a fraseggi leggermente blues, subito equilibrati da una certa melodicità.

Il ritorno al repertorio di Dalla si effettua con "Canzone", brano che live perde sempre, seppur è sempre piacevole e leggero. Trovo che niente esalti la dolcezza della melodia come l'orchestrazione che si riscontra nella versione da studio presente nel cd "Canzoni". In questo brano, come vuole la struttura melodica, Dalla viene aiutato da delle coriste molto abili. Le improvvisazioni non sfociano mai in giri che rimandano a stilemi non italiani. È geniale l'imitazione del mandolino da parte di Dalla, che precede un breve intervento di De Gregori, che riscopre il suo avere iniziato come cantante di musica popolare nordamericana ed italiana al folkstudio di Roma. L'ultimo ritornello è diviso tra una parte interpretata a vocalizzi ed un'altra dove il testo viene regolarmente cantato.

Dal repertorio di Dalla viene estratta anche "Enna", brano a cui il cantante è molto legato, mentre invece io non l'ho mai amato. Nonostante ciò devo riconoscere che con questa versione acustica acquista un certo fascino, anche se non mi chiedete d'amarlo (ripeto!). Non amo, credo d'averlo già detto ma con l'occasione lo ribadisco, i brani che mascherano la politica dietro un muro di buoni sentimenti, a questo punto datemi una sincera canzone d'amore (vedi "Frasi d'amore" di Don Backy o "Bell'amore" di De Gregori).

Il brano si chiude con una bruttissima coda rock, dove Dalla dialoga con una banale chitarra elettrica con dei vocalizzi assolutamente indegni di lui.

Quando si torna a cantare De Gregori si interpreta uno dei brani più belli, forti e profondi del cantautore romano, giustamente asceso al grado di classico della canzone italiana. Mi riferisco a "La storia", canzone sulla condizione umana tra le più intime e ben fatte che mi sia dato di conoscere. Molto bello è anche l'intervento di Dalla con il clarinetto, che dialoga con il pianoforte e con il canto semiparlato di De Gregori. È strano sentire un leggero accenno di valzer durante la conclusione, ma qui è tutto bello, niente disturba.

Avevamo parlato dei rimandi che questo disco contiene a "Banana republic". Il brano che continua la scaletta potrebbe rimandare alla title track di quel disco, perché è un ritmo latino dolce e ruffiano. Il brano racconta dei viaggiatori, di quel viaggio che purtroppo fa perdere le radici, cosa che a molti piace in questo mondo dove essere globalizzati pare un obbligo. Bellissimo l'accompagnamento, molto buono anche ilcanto, abbastanza pulito, pieno di melodia italiana. Ancora una volta Lucio Dalla ci delizia con la sua personale riproduzione vocale del "tremolo" del mandolino. Sembra uno di quei brani alla De Gregori, di quelli che raccontano le atmosfere d'inizio Novecento, come "L'abbigliamento del fuochista".

All'inizio di questo articolo avevo citato "Santa Lucia" perché "Non basta saper cantare" me la ricorda, ed eccola qui riscoperta e valorizzata. È emozionante sentire De Gregori che alla fine del suo primo intervento riesegue uno stacco su una "i", tipico dello stile del cantautore romano degli anni Settanta. È un brano pieno di tenerezza e leggerezza, sentimenti di cui l'ascolto di questo disco fa fare incetta.

Quando si torna a prendere in mano il canzoniere di Dalla si ruba una perla ad "Automobili", ovvero "Nuvolari". Dispiace un po' l'abbassamento di ben due toni da sol a mi, ma probabilmente il bolognese non ha più il suo mitico falsetto, e soprattutto in tono originale De Gregori non potrebbe partecipare al canto. De Gregori esegue la prima parte lenta, rallentandola ancora, facendola diventare un po' ambient, ma forse gli dà un'atmosfera che non la raprpesenta. Quando si riprende a ritmo standard, Dalla riprende le redini del canto, con una forte teatralità sulla parola "chiusa", che diventa quasi il perno della frase melodica, prima di un giocoso tentativo di imitazione del rombo della macchina (da parte di Dalla, ovvio!). Dispiace ancora una volta sentire Dalla cantare su note più basse delle sue note naturali, mal'età non perdona nessuno (ancora Zero riesce a fare cose favolose, ma questa è altra musica!).

È un po' deludente il finale, che si chiude su la parte lenta eseguita da De Gregori con le atmosfere ambient di cui sopra.

Il brano successivo è una perla del canzoniere di De Gregori, che viene iniziata da Lucio Dalla. Ci riferiamo a "Viva l'Italia", che perde in parte il suo tocco internazionale in favore di una certa italianità o anche di una certa anima natalizia propiziata dalla presenza dei campanelli (fortunatamente sporadica!). Purtroppo anche qui ritroviamo i deplorati coretti criticati già in occasione della data zero. È da notare la sostituzione della parola "nuda" con il termine "povera". Nel finale De Gregori suona un'armonica in la rigorosamente lamella per lamella, concludendo il brano con una scala sulla posizione di soffio, chiusa da un'interessante tremolo sul terzo la dello strumento.

Ancora dal canzoniere di De Gregori viene "L'agnello di Dio", che acquista un'anima rock, solo in parte addolcita da alcuni particolari dello stile sassofonistico di Dalla, che non è mai completamente americano, poiché Dalla aveva iniziato anche come sassofonista di liscio. In questo brano ci sono molte strofe modificate in profondità. È interessante il trillo dolcissimo che Dalla esegue durante la parte lenta del brano, l'unica che io ho mai amato, in quanto, anche se il brano ha un testo profondo e tagliente non mi è riuscito mai ad arrivare per la sua musica che non mi ha mai convinto. Forse qualcuno di voi lo avrà anche sospettato, per me la prima cosa che mi deve colpire in un brano è la melodia, il testo non basta, arriva comunque dopo.

Un'altra perla di De Gregori continua la scaletta, ovvero la ballata "La valigia dell'attore". La melodia è distesa, larga e così è cantata dall'autore. Interessanti gli archi che danno una cornice classica a questo brano, unica che le si addica effettivamente, come ad ogni pezzo che abbia una struttura sviluppata. La seconda parte del brano, come sempre, è interpretata da Dalla e De Gregori in condivisione, o "a contrapunto", per usare un termine caro alla tradizione dei payadores sudamericani. Quando il brano è cantato da Dalla si tinge di jazz, ma il canto non si sporca mai troppo, il bolognese ha un grande rispetto di ciò che non gli appartiene.

Ed ecco Marco Alemanno, grande amico e compagno inseparabile di Dalla, che all'inizio del secondo disco introduce "L'abbigliamento del fuochista", una delle canzoni ispirate alla tragedia del titanic.

Ed eccoci all'"abbigliamento del fuochista", interpretata in maniera veramente convincente. Il brano è una testimonianza toccante di uno dei lavoratori del Titanic, uno dei tanti italiani che grazie a questa tragedia vedranno trasformata la loro fortuna in fallimento. Queste storie, forse, ci dovrebbero far guardare quelli che ora vengono da noi con altri occhi, anche perché non dovremo aspettare molto tempo per dover scappare un'altra volta da questo paese infido. Interessanti sono stati gli interventi di sassofono, che in questo frangente assumono una matrice eniquivocabilmente liscio.

Quando si torna a cantare Dalla si interpreta una "Disperato erotico stomp", che credo non avesse mai conosciuto versioni dal vivo registrate. Questo brano è giocoso sin dall'inizio, la trasgressione del testo e della tematica si riverbera quasi in ogni singola sfumatura del canto dei due interpreti. Veramente spassoso, anche per la variazione al rif musicale che scandisce il passaggio da strofa a strofa. Favoloso il tentativo (devo dire riuscito!) da parte di De Gregori di imitare uno stile tipico di Dalla sulla parola "grande". Curioso è anche il rallentamento in corrispondenza dell'ultimo quadro esterno, prima del rientro a casa del protagonista, che precede una serie di giochi di allungamenti di frasi con duplicazioni di parole.

Quando si torna a cantare il canzoniere di De Gregori si interpreta "Vai in Africa Celestino", che si addolcisce a livello d'accompagnamento ma dialoga molto più fortemente con la sua matrice profondamente blues a livello di canto. Anche qui ci sono numerose modifiche al testo, una tra tutte "diossina" sostituita con "eroina". Il sassofono di Lucio Dalla in questo frangente forse convince meno, ci sarebbe voluto uno strumentista con una matrice più blues rispetto al bolognese, che comunque suona più in maniera ricollegabile a certo jazz anni Cinquanta.

E quando si pensa a Dalla, si torna alle cose serie (scusate, il pezzo precedente non lo amo!), difatti si esegue "Piazza grande". Il brano acquista una matrice sudamericana, molto generosa nei confronti della melodicità del brano, dove ancora una volta i due cantanti si rimpallano strofe a "contrapunto". De Gregori dipinge un quadro neorealista, aiutato da Dalla che però non resiste mai alla tentazione di entrare con inutili sporcature jazz, e addirittura con uno "scat" davvero opprimente.

Continuando con il repertorio di Dalla recuperiamo "Com'è profondo il mare", che viene iniziata da De Gregori con dolcezza, mentre Dalla risponde con il suo nuovo canto, che secondo me denota comunque stanchezza (checché ne dica lui!), perché solo molto raramente riesce a dare il peso dovuto alla parola, la sua principale maniera di comunicare. Nonostante ciò devo dire che mi piace questa versione, come quasi tutto questo cd, che consiglio nonostante tutti i nei che gli trovo.

Continuando si ha il piacere di ascoltare "L'anno che verrà", uno dei cavalli di battaglia di Dalla, dove c'è la solita tecnica della divisione per strofe, ognuna affidata ad un interprete diverso. È spassosissimo questo brano, fa meno piacere sentire i due timbri combaciare sulla stessa frase melodica in "E si farà l'amore", perché le due voci non hanno nessuna affinità, quindi l'insieme è abbastanza disarmonico. Comunque è bella, se non fosse per un pezzo troppo blues in corrispondenza della parte dove il ritmo latino si dissipa, comunque sono piccolezze.

Tornando a De Gregori si prende in mano un brano che il cantautore romano a dedicato sentitamente a Pier Paolo Pasolini. La dolcezza nostalgica del brano non è intaccata da nessun elemento, veramente perfetta. Se dovessi fare un paragone degregoriano per descrivere l'insieme di questa antologia citerei i tre live usciti tra il 1990 ed il 1991, da me ritenuti insuperabili come schiettezza interpretativa. Questo brano soprattutto ha quel respiro, davvero magico.

Tornando al repertorio di Lucio Dalla, ci viene offerta "Futura", iniziata da De Gregori in maniera al contempo tenera e giocosa. Ancora una volta va detto che l'abbassamento di tonalità beneficia solo De Gregori, proebendo assolutamente a Dalla di esprimersi al suo massimo (anche se comunque al cantautore il timbro è peggiorato a vista d'occhio in questi ultimi anni!).

Ed eccoci ad una "Rimmel", a cui il pubblico partecipa stupito, anche se poi l'orchestrazione che entra nella seconda strofa impedisce di godere qualche volta del canto gioioso della gente comune. L'arrangiamento è tra il country ed il latino, simile insomma a quello di Gianni Morandi, che come ricorderete si è appropriato del brano nel suo pregevole lavoro "Canzoni da non perdere". Questi momenti dovrebbero far capire a De Gregori che ogni arrangiamento è lecito, nello stesso momento in cui non si impedisca all'ascoltatore di godere liberamente dei brani in sede di concerto, atto bello solo se il pubblico ha la possibilità di parteciparvi attivamente, altrimenti tra gli eventi più sterili che può contare la vita attuale.

In questo gioco di rimandi a "bannaa republic", ovviamente non poteva mancare il richiamo alle atmosfere di "Come fanno i marinai", brano che, seppur non concepito per quell'occasione perché già inciso dai due in un 45 giri, ha ritratto come nessuno quel concerto. Il brano che riecheggia quei suoni è "Gigolo", quello che ci ha presentato questo progetto ancora prima che venisse pubblicato. Ho già avuto occasione di dire che trovo che questa interpretazione non sia degna di essere presentata come anteprima di questo progetto, che dopo ci ha fatto scoprire un gioiello come "Non basta saper cantare". Ciononostante è carina, godibile, è misterioso come il swing si arricchisca di rock e di blues senza perdersi.

Tornando ai brani di repertorio di De Gregori si interpreta quel gioiello pianistico assoluto che è "la donna cannone". Il cantautore romano la interpreta con tenerezza assoluta, si crea un'atmosfera raccolta in qualsiasi posto, una sensazione di viaggio verso sentieri sconosciuti. Era da molto che non ritrovavo un De Gregori così ispirato, divertito e tenero, davvero magica questa ballata tristemente circense. È da notare che difatti la comicità ispira alle anime sensibili grandissima tristezza, basti pensare alla nuova e bellissima canzone di Francesco Guccini dal titolo "Iltestamento del pagliaccio", dalla quale si evince che un pagliaccio è una persona profondamente sensibile, se quest'arte non è applicata fuori contesto. È bello sentire che la gente canta, inclinazione che andrebbe riscoperta, perché il canto apre e rasserena l'anima.

Tornando al canzoniere di Dalla troviamo una canzone indubbiamente bella anche se secondo me molto anzi troppo sopravvalutata. Mi riferisco a "Caruso", che ha talmente influito sull'immaginario collettivo che la si cataloga anche come canzone napoletana, mentre secondo me è solo una canzone ispirata a Napoli e ad un tenore che legò molta sua vicenda alla bella Partenope seppur nemmeno napoletano. L'interpretazione che se ne ascolta è abbastanza buona, anche se si assiste al balletto degli abbassamenti di tono, che sicuramente tolgono espressività ad una melodia concepita come omaggio grato e rispettoso al "bel canto" all'italiana.

Discutibile è anche il riverbero che contraddistingue il ritornello, dandogli un che di misterioso e si direbbe quasi allucinato, che secondo me non gli si confà per niente.

Alcuni musicisti italiani, quando sono un po' stanchi e non hanno idee, si buttano sul blues, per il quale, secondo Paolo Conte, noi non abbiamo cultura (ovviamente io do ragione all'avvocato di Asti!). Siccome Francesco De Gregori si è stancato (lo ha detto svariate volte) di "Buonanotte fiorellino" l'ha portata a blues, che tanto il valzer è il blues degli europei quindi sta bene (sono questi discorsi sconclusionati di chi giustifica gli sperimentatori da quattro soldi che lavorano così!). Come state capendo questa è l'unica nota veramente dolente di questo disco e di questo concerto. Pietoso è il finale dove i due cantanti giocano con le voci per scimmiottare ancora meglio i cantanti americani (per favore trovatemi un cantante americano che canti all'italiana, ve ne prego!).

Nonostante quest'ultima nota fortemente polemica è un bel disco che continua con un brano misterioso, che si scopre essere una bella versione di "Generale". In questo caso il brano si esegue rispettosamente, seppur con il mitico giro strumentale trasformato o rarefatto. Il canto in questo caso è dolce, non si vuole imitare nessuno, ci si vuole presentare per quello che si è, con molta schiettezza (grazie a Dio!).

Buon ascolto che non ve ne pentirete!

Uccio Aloisi Gruppu: "Mara l'acqua.

2010-10-22T18:56:00.001+02:00

Carissimi lettori, è da diverso tempo che non scrivo ed oggi lo devo fare per una ragione molto triste. Una grande voce del Salento, il cantore tradizionale Uccio Aloisi, ha taciuto per sempre. Il grande cutrofianese se ne è andato ieri seraed io lo voglio ricordare recensendo l'ultimo cd da lui pubblicato con il suo "Gruppu", disco intitolato "Mara l'acqua".

Il cd inizia con degli stornelli bellissimi, interpretati sullo schema che lo stesso Aloisi definiva "salentino". Le strofe sono sovente note al grande pubblico della musica popolare, perché il cantore, contrariamente a quanto succedeva con Bandello, suo compagno di cantate e grande compaesano, aveva un repertorio di stornelli che non arrivava al centinaio. Comunque sono stornelli radiosi, anche grazie alle parti di mandolino, eseguite magistralmente da Antonio Calzolaro, che dialogano con la voce di Uccio e la sostengono insieme a quella di Domenico Riso che gli risponde, come la tradizione obbliga.

La seconda traccia permette di apprezzare la voce di Domenico Riso, secondo tamburellista e leader dell'"Uccio Aloisi gruppu". Il brano è uno dei più grandi classici del repertorio salentino, anche grazie alla versione di Bruno Petrachi che lo ha portato verso il suo personalissimo stile di folk urbano (che io non amo per niente!). Ci si riferisce a "Mieru", che Uccio Aloisi interpreta insieme agli Opacupa, noto gruppo salentino che si dedica alla musica balcanica, sulla orma delle orchestre di fiati come il gruppo di Bregovic.

La terza traccia è un deludente (scusate, su questo brano si vede il mio profondissimo legame con gli Ucci e con il già citato Bandello!) "Santu lazzaru". Nel brano Uccio Aloisi esegue le parti che nell'incisione contenuta in "Bonasera a quista casa" erano affidate a Bandello, mentre quelle che nel cd tradizionale erano di Aloisi sono qui affidate a Domenico Riso. Sono interessanti alcune varianti nel testo, come il "mmenzu ste macchie" sostituito da un "mmenzu ste strate". Ilbrano è eseguito comunque due voci ed organetto, così come erano soliti fare i questuanti in tutta la Grecìa salentina, enclave del quale Cutrofiano,paese di provenienza di Uccio Aloisi, fa parte.

La traccia successiva è uno strumentale a tempo di pizzica leggermente più lenta rispetto a quanto non fosse la velocità media in quelle tradizionali che mi sono arrivate alle orecchie. Ilbrano si intitola "Pizzica la sacara" ed è interpretato insieme a Redi Hasa, grande violoncellista albanese, e a Dario Muci, ottimo suonatore di chitarra, bouzouki ed altri strumenti a corda di tradizione mediterranea. Questi due interventi li ritengo un po' fuori luogo, perché danno al brano coloriture moderne che non hanno niente a che vedere con lo stile dell'Uccio Aloisi gruppu, anche se magari sono belle prese da sole (l'assolo di Redi Asa non l'ho mai sopportato, ma questa è un'altra storia!, l'unica cosa che lui ha saputo fare veramente bella è la sua partecipazione ne "Il miracolo" degli Zoè, che però conteneva brani concepiti per quell'organico, che senza violoncello non sono riproponibili se non difficilmente).

La traccia successiva è "la mescianza", versione abbastanza deludente di uncarinissimo canto sulla condizione di molti lavoratori artigiani e dei contadini. Il brano è portato ad una lentezza esagerata, che però fa solo sì che sia quasi inascoltabile. Esso è accompagnato da un arpeggio dichitarra e da alcune note di mandolino, lo si può considerare interessante solo per il coro di voci che riporta alle cantate popolari salentine alla stisa.

La traccia seguente è quella che da il titolo al cd. È interpretata con l'accompagnamento di una tammorra muta che suona quasi una pizzica, il cui tempo non è rispettato dalla voce, che simuove senza schemi, come in un canto a cappella. Questo sfasamento tra le due componenti me la rende un po' sgradevole, infatti vi consiglio di cuore di ascoltare la versione interpretata dagli Ucci a cappella nel già ricordato "Bonasera a quista casa".

Il cd continua con una versione valzerata ed in minore di "Sciusciumaniellu", brano nel quale una donna dice al proprio innamorato di lasciare tutto perché vuole fare l'amore con lui, ma non ottiene niente fino a quando non dice che si svestirà completamente. La versione dell'Uccio Aloisi gruppu si divide in due parti che si alternano in ogni singola strofa. In corrispondenza delle richieste della protagonista femminile il brano prende il brioso tempo divalzer, la cui allegria è però mitigata dalla presenza degli accordi minori. in corrispondenza delle risposte dell'uomo il ritmo si rallenta, fino quasi a diventare libero ed inclassificabile.

La traccia successiva è una "Damme la manu" interpretata dal gruppo con Domenico Riso alla voce principale ,sostenuto da Uccio Aloisi e da una voce femminile, oltreché dalla solita presenza delle corde. Anche in questo caso va detto che non è molto convincente questa interpretazione, ed il mio consiglio è quello di ascoltare la rarissima mainsuperabile versione del Canzoniere di Terra d'Otranto, contenuta nel cd "Bassa musica", primo ed unico cd di questo grande gruppo, a cui va il merito di essere stato il primo ad incidere in digitale della musica popolare salentina.

L'ultima traccia di "Mara l'acqua" è costituita da degli stornelli completamente interpretati in lingua italiana dal titolo "Vorrei volare". Chi mi conosce sa della mia insofferenza nei confronti di questi brani, perché trovo che la lingua italiana non sia adatta a queste ritmiche, meno ancora ovviamente a giri melodici tradizionali. Questi stornelli oltretutto sono esageratamente rallentati, secondo me senza motivo apparente.

Comunque questo cd nel complesso è buono e soprattutto è un'occasione unica per riprendere contatto con una delle più autentiche voci salentine.

Auguri Renato!

2010-09-30T19:41:00.001+02:00

Carissimi lettori, oggi devo scrivere un articolo unpo' speciale e molto leggero, pieno d'emozioni e gratitudine nei confronti d'un cantante che io amo da almeno diciott'anni, a cui credo di non aver dato spazio sufficientemente in questo blog. Mi riferisco a Renato Zero,artista che in questo giorno compie sessant'anni.

Conobbi Renato Zero da bambina. Avevo nove anni quando lo scoprii, tutto partì dal fatto che segretamente amavo una sua canzone intitolata "Il cielo" e tratta dal disco "Zerofobia" (1977). Chiesi, più per curiosità che per altro, un'incisione su cassetta di questo disco (era lontanissima la mia conversione al digitale!).

Mi ricordo ancora la meraviglia che mi causò ascoltare questa voce, soprattutto mi ricordo della folgorazione che mi provocò il brano "Vivo", che tutt'ora resta quello che io amo di più di tutto il repertorio di Zero. Credo che quello che mi folgorò fu una ricchezza melodica meravigliosa oltre ad una voce perfetta.

Da lì ebbi una serie di cassette, il cui ordine ho ormai scordato. Comunque rammento benissimo"Quando non sei più di nessuno", album che poi non so perché non ho mai ricomprato in cd (e non si può dire che non mi piaccia!).

Se ne dovessi parlare risalterei soprattutto la giocosità presente in brani come "Amore al verde" o "Pipistrelli", oltre all'imponente bellezza di canzoni come "E ci sei", Il ritorno", soprattutto "Una magia".

Rispetto a ciò che Renato aveva fatto precedentemente forse è un disco dove c'è un po' troppa elettronica, incluso un piano elettrico che sostituisce quello classico perfino su "E ci sei", la più orchestrale e classica del disco insieme a "Figli della guerra".

L'altra musicassetta che ricevetti in quel periodo è un disco che ora è uno di quelli che mi fa più compagnia, anche perché contiene una delle poche canzoni di Renato Zero che ho inserito nel mio repertorio. Mi riferisco a "Erozero", album del '79 che conteneva la giustamente celeberrima "Il carrozzone", ballata meravigliosa, ritratto del mondo sincero ma poetico come pochi. Quel disco, però, secondo me conteneva un gioiello ignorato intitolato "La rete d'oro", brano per il quale Renato non ha fatto abbastanza. Figuratevi che da quando lo seguo live (e le date che ha fatto a Perugia dal 1996 le ho viste tutte!) non l'ha mai eseguita. Quell'lp comunque è di un'imponenza in tutti i sensi quasi insuperabile.

Molto speciale è anche "Tregua", doppio che conteneva brani molto famosi come "Amico". Il disco è speciale perché loricevetti quando facevo le elementari, insiemead un altro altrettanto fondamentale anche se forse meno riuscito a livello di musicalità. Mi riferisco a "Trapezio", di cui amo le melodie ma non condivido molti arrangiamenti, basi troppo rock su temi dalla forte impronta classica.

Da questo disco sono bellissimi alcuni brani come "Motel", "Salvami", "un uomo da bruciare", forse anche qualche altra che mi sfugge. A parte vanno citate le tre "ripescate" dai due precedenti lavori di Zero "No mamma no" (1973) ed "Invenzioni" (1974). Bellissima, ma forse un pochino ignorata, è "Inventi", resa immortale nel live "Icaro", altro disco fondamentale del mio rapporto con Zero.

Anche questo doppio disco, attualmente introvabile su cd che io sappia, mi arrivò nello stesso periodo, ormai nonricordo più tramite chi. Comunque è meraviglioso e le pecche sono poche, anche se si sente forte la mancanza dell'orchestra. Bellissima è la versione che apre il disco 1 di "niente trucco stasera". Meraviglioso è il pianoforte che fa da perno di tutto il brano, permettendo forse al testo una maggiore solennità.

Bellissima è la già citata "Vivo", eseguita solo con il pianoforte di Stefano Senesi. Le pecche sono una "Triangolo" forse esageratamente forzata, soprattutto una "Madame" purtroppo spinta verso vette di rock esagerato per qualsiasi italiano che non voglia tradirsi dentro.

Mi è indifferente, anche se ne riconosco la forza "Leoni si nasce" del 1984, mentre adoro "Via tagliamento 1965-1970", di cui però conosco bene solo il primo volume. Non credo che a questo disco sia toccata una sorte degna della sua bellezza, mi riferisco soprattutto a brani come "Piper club", "Niente", "Ragazzo senza fortuna" o "Che bella libertà". È un disco dove l'elettronica non soppianta gli strumenti acustici, si mette umilmentete e rispettosamente al loro servizio. Il brano "Ragazzo senza fortuna" va segnalato per una bellissima parte di chitarra classica, oltre che per un testo dove, anticipando "Artisti" e soprattutto la bellissima, recente e giustamente famosa "Ancora qui", Renato racconta con la sua solita sincerità disarmante i suoi inizi di carriera al "Piper club", luogo che comunque in questo lp ha una ballata a lui dedicata ripresa ben due volte (se non erro!).

Un'altra storia un po' speciale riguarda "Prometeo", secondo live di Renato uscito nel 1991 dopo la sua partecipazione a Sanremo (che io sappia!). Lì l'unica pecca è "Inventi", che diventa un po' troppo rock, ma in un cd con un totale di 23 tracce si può straperdonare anche pensando a "Spalle al muro", il bellissimo e anch'esso giustamente famoso brano scritto da Mariella Nava e portato dal nostro al Festival di Sanremo 1991 (che tempi!).

Il brano in un certo senso anticipa quella che sarà poi la tematica di un altro classico dell'ultimo repertorio di Zero, la ballata "Nei giardini che nessuno sa". La mia storia privata con il cd "Prometeo" riguarda il primo volume di questo doppio cd, che mi fu prestato in cassetta, in una copia che io poi non credo di aver mai ridato al suo legittimo proprietario. Questa persona, che se leggesse si riconoscerebbe perfettamente, me la prestò ad uno scopo ben preciso, affinché io imparassi "Amico", ballata che poi io le cantai anni e anni dopo emozionandola molto.

Dal 1994 in poi faccio collezione di tutti gli album in formato tradizionale di Renato, purtroppo non seguo la videografia per motivi legati alla praticità del formato che per me è praticamente nulla, sia esso vhs o dvd (il problema èche tra i video pubblicati di Zero ce n'è uno che ritrae fedelmente la tournée del 1996, la prima che vidi, dove io capii che questo artista non era un artista da studio ma un animale da palco).

Voglio concludere questo distillato disordinato di storie sorcine con un piccolo accenno ad un album a cui si è fatto prevemente riferimento nelle righe precedenti,ossia all'imperfetto.

l'album era presentato da Renato Zero su Radio Italia solo musica italiana durante la settimana della sua pubblicazione.Il giorno della sua uscita mi precipitai dalla mia negoziante di fiducia e fui la prima cliente della giornata. Chiesi questo disco e glielo feci tirare fuori direttamente dagli scatoloni dei nuovi arrivi! Che emozione!

Non ho voluto fare un ritratto di Renato Zero, ho preferito fargli gli auguri con undistillato di mie "storie sorcine" che ho voluto condividere con voi.

Auguri Renatone!

Fiorella Mannoia a Verona

2010-09-18T09:49:00.001+02:00

Carissimi lettori, questa sera scriverò una recensione tra le più belle ed inaspettate che mi sia capitato di scrivere. Si parlerà di un concerto che Fiorella Mannoia ha tenuto all'Arena di Verona il 12 settembre. Questo concerto è stata la maniera che Fiorella Mannoia ha trovato di presentare il nuovo cd, intitolato "Il tempo e l'armonia"., uscito a meno di un anno di distanza dal bellissimo "Ho imparato a sognare". Il programma è iniziato con un'intervista alla cantante che nel parlare dimostra la stessa sensibilità ammaliatrice che sfoggia quando canta una qualsiasi canzone.

Mi è difficile riassumervela, quindi passo immediatamente a parlarvi del concerto, che ha un inizio a dir poco folgorante, infatti si parte con "I treni a vapore", una delle canzoni della Mannoia che ha cullato la mia infanzia. In questa occasione, dicciott'anni dopo la sua incisione originale, le atmosfere pop si rarefanno per dare finalmente rilievo a questa anima etnica che il brano di Fossati aveva sempre avuto, ma nell'interpretazione della Mannoia era rimasta come un silenzio. La voce della cantante si è ormai un po' incrinata, ma continua ad essere bella. Sidirebbe che scurendosi, questo timbro ha acquistato paradossalmente ancora più potere evocativo. Bellissime le parti di pianoforte che scandiscono le varie parti del brano, completamente libere, per niente riportate dalla versione storica in studio.

Direttamente da "Ho imparato a sognare", album dicover della cantante tra i più riusciti di questo ramo giustamente nominato per un premio al Premio Tenco, viene questa "Cercami", che già ha preso un altro respiro. L'interpretazione della Mannoia è altrettanto sentita rispetto a quella di Renato Zero, forse solo leggermente meno istrionica. Meravigliosi i finali calanti eseguiti egregiamente dopo quasi tutte le note di maggiore lunghezza dei versi. Naturalmente la Mannoia non usa il sussurro alla maniera di Zero, per la cui esecuzione si richiedono note gravi ma forse meno sporche di quelle della cantante romana.

E in questo viaggio tra i classici della recente canzone d'autore italiana la cantante ripesca "Sally" di Vasco Rossi, da lei interpretata nel live "Certe piccole voci" del 1999. In questo caso l'arrangiamento pop si disfa, e le sonorità moderne non sono più il perno del brano ma lo condiscono, lasciando che gli archi e la battteria suonata con le spazzole siano il nord della bussola. Interessantissimo questo cantato che incontra e si arricchisce con delle pennellate di parlato vicino al recitativo.

Continuando la cantante regala al suo pubblico uno dei suoi brani più belli ma meno conosciuti, la bellissima e malinconica "Lunaspina". Questa canzone, assieme a tutto il cd "Di terra e di vento" che la conteneva, ha cullato la mia infanzia, facendomi sognare come poche. Oggi questo brano ha ricevuto nuova linfa grazie ad un'interpretazione, forse troppo minimalista, che la stessa Mannoia ha reso insieme a Paola Turci nell'ultimo disco di quest'ultima. Per quanto riguarda la versione che abbiamo ascoltato si potrebbe definire un riuscito compromesso tra l'intimità della versionerecente e la ricchezza degli strumenti moderni.

Andando avanti abbiamo la prima sorpresa del concerto, ossia una "Ho imparato a sognare" interpretata insieme ai Negrita, suoi primi interpreti ed autori. Il brano è completamente interpretato in tonalità maschile, quindi la Mannoia non riesce a dare il massimo, anzi da molto poco. È interessante comunque perché permette di trovare la Mannoia mentre si confronta con un nuovo ambiente musicale, quello di un folk americano sulle orme diDylan.

Andando avanti si ascolta una gradevole versione di "Una giornata uggiosa" di Mogol-Battisti. Rispetto all'incisione presente in "Ho imparato a sognare" il Brasile è meno dominante, infatti il brano è portato verso una cornice latinjazz, interessante comunque.

Ora ci troviamo davanti una Fiorella Mannoia che omaggia Manu Chao con "Clandestino". L'arrangiamento porta il brano verso certe sonorità mediterranee che comunque sono molto consone a questa melodia, che se arricchita con strumenti classici (o "con letteratura" per dirla con PaoloConte) ha il suo fascino. Bellissime le "giunte" della Mannoia che davano a questa canzone una forza e una sincerità sicuramente maggiori rispetto all'originale.

Ed eccoci al secondo ospite, un Cesare Cremonini che interpreta superbamente "Le tue parole fanno male", brano che apriva "Ho imparato a sognare", il già citato ultimo album da studio della Mannoia. In questo caso il duetto è molto più convincente rispetto a quello con Pau dei Negrita, perché i due artisti eseguono il brano in due tonalità molto vicine quindi facilmente accoppiabili.

Proseguendo si fa un omaggio ai Negramaro, conl'interpretazione della loro "Estate". Va detto che la Mannoia spesso fa interpretare delle brevi parti falsettate al pubblico, che va detto che se la cava egregiamente. Il brano acquista un'anima mista tra il rock e il classico, perdendo completamente quell'anima pianistica che era data dalla impietosa battuta ritmica del tasto battente.

Andando avanti si rispolvera un grande classico della carriera della Mannoia, quella "Come si cambia" portata al Festival di Sanremo del 1984. Il brano in questa occasione acquista un'anima più rock, ma anche più intima grazie al rallentamento del ritmo.

E sempre dal repertorio anni Ottanta viene questo gioiello scritto da Enrico Ruggeri per la Mannoia e da lui successivamente reinterpretato nel cd "l'isola dei tesori". L'interpretazione che ascoltiamo de "I dubbi dell'amore" è rallentata molto, anche grazie al fatto che sono molto importanti gli archi, che fanno un tappeto inimitabile ad un'esecuzione molto buona. Si può riscontrare una specie di "teatralità emozionata", cheforse rafforza il messaggio sottinteso di questo brano, che credo sia un invito alla comprensione e all'apertura verso le fragilità.

Ed eccoci ad un riferimento ad uno degli ultimi classici del repertorio della Mannoia, il brano scritto per lei da Luciano Ligabue, intitolato "Io posso dire la mia sugli uomini", singolo con cui la cantante ci aveva presentato uno dei suoi migliori dischi, quel "Movimento del dare" che è tra i primi di cui si è parlato in questo blog. Il brano si è diviso in due parti molto diverse, che gli hanno conferito una grandissima dinamica. la prima parte è stata carattterizzata da un'esecuzione in sestetto, costituito dal quartetto d'archi più il pianoforte e dalla voce della cantante.

Proseguendo la scaletta si ascolta "belle speranze", brano che ha una coda rock abbastanza inutile, ma è bello.

Ed eccoci ad una delle poche canzoni davvero belle uscite in questi ultimi anni. Mi riferisco a "L'amore si odia", cantata superbamente insieme a Noemi, nuova e bellissima voce della canzone leggera italiana. Interessante l'inizio del brano eseguito da Noemi solo con l'accompagnamento degli archi,curioso è il controcanto per terze eseguito dalle due cantanti nell'ultimo ritornello.

Continuando si ascolta una versione di "Oh che sarà", che permette una delle più forti emozioni della serata. L'arrangiamento è molto simile a quello di Chico Buarque (l'originale), ma è ancora più vicino a quello presente nel cd "De mí" della cantante argentina Mercedes Sosa. Particolare è l'intrusione degli archi, che dà al brano un'aura classica molto fuori dalle coordinate della M.P.B, ma non lontana dallo spirito segreto di molti suoi brani.

Ed eccoci ad un'interessante ma non so quanto riuscita coda latinjazz, che permette di brillare ai musicisti del gruppo che comunque sonograndi strumentisti.

Ed ecco una versione solistica di "Pescatore", brano originariamente interpretato dalla Mannoia insieme a Pierangelo Bertoli. Rifacendoci alle osservazioni precedentemente fatte su "I treni a vapore", si potrebbe dire che anche qui l'anima pop si dissipi in un'intimità più etnica. Questa canzone è sempre bella, anche se forse sia l'abbassamento della tonalità sia l'assenza di una voce maschile chedialoga, sono cause di impoverimento al brano (naturalmente la seconda parte dell'osservazione si può riferire benissimo anche alla versione che Bertoli diede del brano da solista.

Il brano, dopo aver rallentato ulteriormente nell'ultima reitnerpretazione del finale "Pesca, forza, tira pescatore" ha una coda strumentale che segna la fine della parte ufficiale del concerto.

Quando la Mannoia torna sul palco siascolta una versione di "Via con me" molto sensuale, portata verso atmosfere tra il blues e il terzinato anni Sessanta. Va detto che laMannoia in questi ultimi anni sidiverte a giocare anche con repertori cheprima non toccava, questa seconda interpretazione di Paolo Conte lo sta mirabilmente a dimostrare. Ametà brano abbiamo avuto l'unico momento forse discutibile, dove l'anima blues è stata un po' troppo tiranna. Comunque bella versione e concerto stupendo.

Tornando indietro negli anni la cantante romana rispolvera un classico del suo repertorio, una bellissima "Quello che le donne non dicono", scritta magistralmente da Enrico Ruggeri e Luigi Schiavone e portata al successo dalla Mannoia al Sanremo 1987. Stasera il brano ha un colore sensualissimo, ma il canto riacquista quasi subito la limpidezza dei vecchi tempi. Il pubblico è portato a cantare il ritornello, la seconda volta addirittura a cappella,una favola.

E a proposito di brani immancabili nei concerti della Mannoia, proseguendo si ascolta "lastoria" di Francesco de Gregori. Il brano, come il precedente, è interpretato piano e voce ed è emozionantissimo. La forza della lotta collettiva qui è senza scappatoie, è gridata ai quattro venti, come un messaggio forte che deve entrare nella testa di chi ce lo vuole far dimenticare con ogni mezzo.

Arriviamo ad uno dei brani più belli del repertorio di Fiorella Mannoia,ad unabellissima ballata intitolata "Il cielo d'Irlanda", scritta per lei da Massimo Bubola. L'anima irlandese è fortissima, anche grazie alla presenza di un violino che nella parte iniziale suona una parte completamente collegabile ai reel irlandesi. Molto bello il finale con l'assolo di batteria che accompagna l'ultima strofa.

Chiedo scusa per la recensione frastagliata, è scritta completamente a caldo conla bussola delle emozioni.

"Se no lla vidi la senti cantare e i suoi dintorni" aggiornato

2010-09-10T11:57:00.001+02:00

Carissimi lettori, oggi torno a scrivere su questo blog dopo una vita, per recensire un bellissimo documentario girato da Marcello Fersini, Roberto Inciocchi e Luis Padilla, prosecuzione del lavoro iniziato con il pregevole (e sempre consigliatissimo) "Cu li trapassa l'anima e lu core". Il tema è la musica popolare salentina, in questo caso vista e raccontata dalle donne, che effettivamente sono molto importanti in molti gruppi di "riproposta" attuali (dagli Zoè al Canzoniere Grecanico Salentino).

È un dvd davvero commovente sin dall'inizio. Il viaggio nel ritratto al femminile della musica salentina parte da una "Damme nu ricciu" cantata da tutte le protagoniste di questo documentario, ognuna con il proprio stile e si direbbe con la propria melodia. Questa breve ma profonda esperienza ricorda a chi non ci crede che la musica salentina è profondamente cangiante ma ha delle regole inalienabili (non si può faree disfare come si vuole!). Da questo canto, bellissimo e conosciuto anche grazie a qualche pregevole interpretazione anche all'interno della "Notte della taranta", comincia il ritratto vero e proprio, in bilico tra tradizione e modernità. Questo lavoro (come già dissi per "Cu li trapassa l'anima e lu core") è uno dei rarissimi casi in cui la tradizione sgorga dalla modernità e la modernità sgorga come un fiume impetuoso dalla tradizione (un altro potrebbe essere "Pizzicata" di Edoardo Winspeare, film che come sapete adoro!).

Più che raccontarvi gli interventi delle grandi donne della musica popolare salentina (da Cinzia Marzo a Francesca Chiriatti, da Rachele Andrioli ad Anna Cinzia Villani), mi permetterò di fare alcune riflessioni a margine.

Cinzia Marzo, con cui come sapete ho un rapporto del tutto speciale, afferma nel suo primo intervento che "la musica salentina non è né maschile né femminile, l'anima è anima e quando tu hai un cuore grande escono queste armonie meravigliose". L'affermazione è vera ma non impedisce la distinzione tra musiche con un'"anima" più maschile ed altre con un'"anima" più femminile. Io, da lontano e in maniera del tutto personale, credo che la musica salentina sia profondamente femminile (e quindi non mi viene di condividere l'affermazione di una delle intervistate secondo la quale l'importanza data alla donna nella musica salentina è recente). Secondo me, e solo secondo me, anche molti cantori uomini (anziani o vicini alla tradizione) hanno molta femminilità nel canto. Con la parola "femminilità" intendo l'assenza di certe tecniche di canto presenti invece in generi che io trovo spudoratamente maschili (come ad esempio molta musica argentina sia contadina che cittadina). Sono sincera: a parte qualche sonante eccezione (si pensi al Canzoniere di Terra d'Otranto e al suo cd "Bassa musica") è per me quasi impossibile concepire la musica salentina senza voci femminili o senza quelle bellissime cantate su tono alto (alla Uccio Bandello) che sono forse la cosa più bella di questa musica.

Anche questo dvd, come "Cu li trapassa l'anima e lu core" costringe a ragionare sul canto salentino , anche dal punto di vista tecnico. È interessante andare dietro a Maria Mazzotta quando parla della mancanza di "infiorettature" nel canto salentino, che oggi è diventata endemica, facendolo assomigliare sempre di più al pop, impoverendo secondo me l'espressività di testi spesso poeticissimi.

Bellissima l'interpretazione di "Bella ci dormi" da parte di Cinzia Marzo e Rachele Andrioli, brano che le due voci interpretano con un'alchimia perfetta. Chi mi conosce sa delle numerosissime storie che mi legano a questo canto, uno di quelli che ha un posto del tutto speciale nel mio cuore.

In questo dvd si nota che vi sono due scuole di pensiero per quanto riguarda il canto salentino. Ve ne è una più "inurbanita" (la definizione è mia e forse è anche sbagliata) che in questa sede concreta è rappresentata da Cinzia Marzo e quella più fedele a certe cantate di cantori come gli "Ucci" o la "Simpatichina" rappresentata dalle altre cantrici di giovane generazione presenti nel lavoro. Io, anche per miei trascorsi legati a Roberto Murolo ed altri "fini dicitori" della musica del Sud Italia (Napoli ma non solo, si pensi solo ad Otello Profazio) sto più con gli "inurbaniti" piuttosto che con coloro che trovano spontaneo imitare le cantate in maniera esatta. Il problema, però, è che questo "inurbanire" poi porta spesso ad addolcire troppo il canto, quindi, come ogni buon estremismo, anche il troppo "inurbanimento" è condannabile. Io trovo giusto il lavoro di chi sta con un piede nella tradizionee e l'altro nella modernità, ma preferisco chi non sperimenta con melodie e testi altrui (ossia tradizionali) e umilmente compone brani propri quando sperimenta (penso ai soliti e sempre citati Zoè). Se devo essere sincera, e qui lo sono in pieno, io, come mia strada personale, ne ho scelta una ancora diversa: a me interessa ancora di più chi riesce a comporre restando in gran parte fedele ai canoni della tradizione, anche alleparti più "scomode" (definizione di Anna Cinzia Villani di queste "spigolature" del canto salentino).

Scusatemi tanto se da questo articolo forse non viene un buon ritratto di questo dvd, quindi ho disatteso il mio obbiettivo iniziale, ma quando le cose mi piacciono troppo succede sempre così. le parti frastagliate di questo articolo sono sempre causate dalla stessa ragione, quindi perdonatemele altrettanto.

Spero davvero che comunque, nonostante tutto, sia riuscita a darvi qualcosa, ossia la voglia di fare un viaggio in un lavoro che racconta la musica salentina per quello che è, dal punto di vista della sua "anima" femminile.

"Se no lla vidi la senti cantare e i suoi dintorni.

2010-09-09T17:13:00.003+02:00

Carissimi lettori, oggi torno a scrivere su questo blog dopo una vita, per recensire un bellissimo documentario girato da Marcello Fersini, Roberto Inciocchi e Luis Padilla, prosecuzione del lavoro iniziato con il pregevole (e sempre consigliatissimo) "Cu li trapassa l'anima e lu core". Il tema è la musica popolare salentina, in questo caso vista e raccontata dalle donne, che effettivamente sono molto importanti in molti gruppi di "riproposta" attuali (dagli Zoè al Canzoniere Grecanico Salentino).

È un dvd davvero commovente sin dall'inizio. Il viaggio nel ritratto al femminile della musica salentina parte da una "Damme nu ricciu" cantata da tutte le protagoniste di questo documentario, ognuna con il proprio stile e si direbbe con la propria melodia. Questa breve ma profonda esperienza ricorda a chi non ci crede che la musica salentina è profondamente cangiante ma ha delle regole inalienabili (non si può faree disfare come si vuole!). Da questo canto, bellissimo e conosciuto anche grazie a qualche pregevole interpretazione anche all'interno della "Notte della taranta", comincia il ritratto vero e proprio, in bilico tra tradizione e modernità. Questo lavoro (come già dissi per "Cu li trapassa l'anima e lu core") è uno dei rarissimi casi in cui la tradizione sgorga dalla modernità e la modernità sgorga come un fiume impetuoso dalla tradizione (un altro potrebbe essere "Pizzicata" di Edoardo Winspeare, film che come sapete adoro!).

Più che raccontarvi gli interventi delle grandi donne della musica popolare salentina (da Cinzia Marzo a Francesca Chiriatti, da Rachele Andrioli ad Anna Cinzia Villani), mi permetterò di fare alcune riflessioni a margine.

Cinzia Marzo, con cui come sapete ho un rapporto del tutto speciale, afferma nel suo primo intervento che "la musica salentina non è né maschile né femminile, l'anima è anima e quando tu hai un cuore grande escono queste armonie meravigliose". L'affermazione è vera ma non impedisce la distinzione tra musiche con un'"anima" più maschile ed altre con un'"anima" più femminile. Io, da lontano e in maniera del tutto personale, credo che la musica salentina sia profondamente femminile (e quindi non mi viene di condividere l'affermazione di una delle intervistate secondo la quale l'importanza data alla donna nella musica salentina è recente). Secondo me, e solo secondo me, anche molti cantori uomini (anziani o vicini alla tradizione) hanno molta femminilità nel canto. Con la parola "femminilità" intendo l'assenza di certe tecniche di canto presenti invece in generi che io trovo spudoratamente maschili (come ad esempio molta musica argentina sia contadina che cittadina). Sono sincera: a parte qualche sonante eccezione (si pensi al Canzoniere di Terra d'Otranto e al suo cd "Bassa musica") è per me quasi impossibile concepire la musica salentina senza voci femminili o senza quelle bellissime cantate su tono alto (alla Uccio Bandello) che sono forse la cosa più bella di questa musica.

Anche questo dvd, come "Cu li trapassa l'anima e lu core" costringe a ragionare sul canto salentino , anche dal punto di vista tecnico. È interessante andare dietro a Francesca Chiriatti quando parla della mancanza di "infiorettature" nel canto salentino, che oggi è diventata endemica, facendolo assomigliare sempre di più al pop, impoverendo secondo me l'espressività di testi spesso poeticissimi.

Bellissima l'interpretazione di "Bella ci dormi" da parte di Cinzia Marzo e Rachele Andrioli, brano che le due voci interpretano con un'alchimia perfetta. Chi mi conosce sa delle numerosissime storie che mi legano a questo canto, uno di quelli che ha un posto del tutto speciale nel mio cuore.

In questo dvd si nota che vi sono due scuole di pensiero per quanto riguarda il canto salentino. Ve ne è una più "inurbanita" (la definizione è mia e forse è anche sbagliata) che in questa sede concreta è rappresentata da Cinzia Marzo e quella più fedele a certe cantate di cantori come gli "Ucci" o la "Simpatichina" rappresentata dalle altre cantrici di giovane generazione presenti nel lavoro. Io, anche per miei trascorsi legati a Roberto Murolo ed altri "fini dicitori" della musica del Sud Italia (Napoli ma non solo, si pensi solo ad Otello Profazio) sto più con gli "inurbaniti" piuttosto che con coloro che trovano spontaneo imitare le cantate in maniera esatta. Il problema, però, è che questo "inurbanire" poi porta spesso ad addolcire troppo il canto, quindi, come ogni buon estremismo, anche il troppo "inurbanimento" è condannabile. Io trovo giusto il lavoro di chi sta con un piede nella tradizionee e l'altro nella modernità, ma preferisco chi non sperimenta con melodie e testi altrui (ossia tradizionali) e umilmenete compone brani propri quando sperimenta (penso ai soliti e sempre citati Zoè). Se devo essere sincera, e qui lo sono in pieno, io, come mia strada personale, ne ho scelta una ancora diversa: a me interessa ancora di più chi riesce a comporre restando in gran parte fedele ai canoni della tradizione, anche alleparti più "scomode" (definizione di Anna Cinzia Villani di queste "spigolature" del canto salentino).

Scusatemi tanto se da questo articolo forse non viene un buon ritratto di questo dvd, quindi ho disatteso il mio obbiettivo iniziale, ma quando le cose mi piacciono troppo succede sempre così. le parti frastagliate di questo articolo sono sempre causate dalla stessa ragione, quindi perdonatemele altrettanto.

Spero davvero che comunque, nonostante tutto, sia riuscita a darvi qualcosa, ossia la voglia di fare un viaggio in un lavoro che racconta la musica salentina per quello che è, dal punto di vista della sua "anima" femminile.

Inti-Illimani: "Estadio Nacional"

2010-08-22T21:09:00.000+02:00

Carissimi lettori, i prossimi due articoli che scriverò saranno due recensioni di due concerti degli Inti-Illimani (speriamo di poter rispettare i piani, ovviamente!).

A quanto pare il primo è all'Estadio Nacional di Santiago del Cile. Ancora, non conoscendo la scaletta perché lo sto vedendo per la prima volta e mentre lo vedo scrivo, non vi so dire a che periodo risale.

Si inizia con un'omaggio all'Italia, con una rielaborazione meravigliosa della "Tarantella del Seicento" riportata alla luce da Roberto de Simone, che prosegue con un adattamento tra l'afro e l'andino di "Canna austina", brano scritto dall'etnomusicologo napoletano ed interpretato dal gruppo cileno nel 1988, in occasione della sua partecipazione allo spettacolo "Cantata per Masaniello", portato in scena al Teatro Mercadante di Napoli.

Non mi sono mai abituata a questa versione strumentale della "Canna austina", la preferisco cantata nel cd "Andadas" (1992). Venendo tecnicamente alla versione che se ne sente in quest'occasione concreta ha la curiosità di avere due zampoñas (flauti di pan) che seguono la melodia loro affidata ognuna su un'ottava diversa. Nella "tarantella" non ho mai digerito la fortunatamente breve parte di sassofono (o chi per lui), costituita da un "sol, un "soldiesis ed un "la", che, oltre a non ricordarmi per niente la nostra maniera di suonare, mi sembrano semplicemente cacofonici.

Continuando a riesumare capolavori dal repertorio degli Inti-Illimani senza aggettivi né distinzioni, si ascolta una bellissima, anche se in Italia poco conosciuta, "Son para Candido Portinari", che Horacio Salinas musicò negli anni Ottanta e pubblicò nell'lp del gruppo "Palimpsesto" (1981). La versione che se ne ascolta è caratterizzata da una interessante introduzione del violino, che se possibile riporta ancora più convincentemente alle atmosfere argentine che il brano dipinge.

Di due anni precedente è questa bellissima, altrettanto sconosciuta qui in Italia dove il repertorio migliore del gruppo è appannaggio di pochissima gente, "Polo doliente". È un brano dalle fortissime atmosfere venezuelane (credo che sia un "joropo"), dedicato ad un pescatore morto in mare. L'innegabile allegria del brano, però, contrariamente a quello che spesso succede da noi, non lascia assolutamente scampo, è un pezzo pieno di tristezza e malinconia, solo un pochino mascherata.

Finalmente sappiamo a che epoca risale il concerto, è un concerto di presentazione del cd "Lugares comunes" (anche se i brani del cd ancora non arrivano, a dimostrazione che nella filosofia del gruppo i dischi servono ma poi una tournée è un pretesto sempre per fare un viaggio nel tempo, in una varietà infinita di atmosfere).

Il brano successivo è "Canción para matar una culebra" (1979), canzone che dà il titolo all'lp da cui il gruppo aveva già estratto il brano precedente "Polo doliente". La presenza nell'organico degli Inti di un musicista cubano di forte matrice afro, mi riferisco ad Efren Viera, permette al brano di acquistare un'anima afrocubana piena e finalmente autentica.

Nel campionario di atmosfere degli Inti-Illimani, e come poteva essere altrimenti, la fanno (o la facevano) da padrone quelle andine, che il gruppo finalmente presenta con una briosa e convincente versione di "San Juanito", brano del loro primo periodo, conosciuto da noi grazie all'incisione nel vinile "Canto de pueblos andinos 2". La versione è caratterizzata dall'arricchimento dell'organico da parte di un contrabbasso, un violino e un clarinetto. Gli elementi estranei, ancora Meriño aveva rispetto per il passato anche perché era appena arrivato ad essere direttore musicale del gruppo appena entrato, non cozzano, entrano in piena armonia con l'essenza andina del brano. Non va dimenticato, infatti, che in certi gruppi andini il violino è presente e sa dialogare benissimo con i flauti andini (secondo me soprattutto con la "quena", flauto ad una canna sola).

Il brano successivo è un altro cavallo di battaglia del gruppo di provenienza andina, un "Tincu" in una lingua precolombiana, che da sempre dal vivo è stato fortemente velocizzato. Questa versione è caratterizzata dalla ripetizione dell'ultima strofa, che la seconda volta viene eseguita con un'interessante controcanto.

Ed eccoci alla prima canzone estratta da "lugares comunes", prima traccia anche del disco, la coinvolgente e meravigliosa "Sobre tu playa". La voce di Efren dà a questo brano, dalla poesia forte e dolce ad un tempo, un fascino unico. Il finale di questo brano in concerto è davvero meraviglioso, anche perché la gente è portata a battere le mani perfettamente all'unisono con le indiavolate percussioni afro di Efren: che meraviglia.

E continuando a presentare "Lugares comunes", si prosegue andando in ordine con la scaletta del cd. Si esegue "A la caza del Nyandú", composizione di Manuel Meriño, musicista cheha sostituito Horacio Salinas esattamente in questo periodo a cui risale il concerto (2002). È un brano che mi ha sempre dato l'idea di essere costruito con troppo cervello e poco cuore, così come moltissimi arrangiamenti del signor Meriño. È un brano che parte inequivocabilmente da una matrice andina, per poi esprimerla però con una fastidiosa atonalità.

Più interessante è questa "El surco", con la quale ci si continua ad addentrare dentro questo cd, ultimo degli Inti-Illimani (senza aggettivi né distinzioni) che mi sia entrato nel cuore (me ne ero innamorata pazzamente, ancora me lo ricordo, che tempi!).

Se devo descrivere tecnicamente questo brano è un pezzo dal sapore afro-peruviano, portato soprattutto dal "cajón", percussione che più di ogni altra connota questo mondo. Il brano è interpretato da Daniel Cantillana con piglio convincente, il testo di Patricio Manns è ben interpretato dalla dolce voce del violinista.

Ed eccoci a quella che da subito fu la mia canzone preferita del cd (e ancora lo è!). Mi riferisco alla poesia di Aquiles Nasoa musicata da Marcelo Coulon dal titolo "Salmo de la rosa verdadera". Devo dire che lo storico membro del gruppo, come prima prova di composizione (credo), abbia fatto un capolavoro. Se ve lo dovessi descrivere direi che è un brano che utilizza una scala minore quasi completa, dando un'armonia di amplissimo respiro, anche con alcuni passaggi in settima, ad una melodia tra le più semplici ed accattivanti che il gruppo possa vantare.

E dopo un breve ma commovente e nostalgico discorso di Horacio Durán (oggi allineato con gli "históricos") che ha ricordato Víctor Jara e Violeta Parra, si torna a suonare il repertorio storico del gruppo, forse il migliore. Gli Inti-Illimani stanno interpretando con maestria e semplicità un capolavoro scritto da Víctor Jara intitolato "la partida". È uno dei miei brani preferiti del gruppo, che dimostra come si possa essere profondamente innovativi (per davvero, no per finta come da noi), non perdendo di vista mai le armonie della tradizione, solo arricchendole ed allargandole. La particolarità di tutte le versioni de "la partida" di questo periodo è l'inusitata presenza delle congas su un ritmo andino, ma va detto che non suonano strane.

E come omaggio a Violeta Parra, prima e incontestata maestra del movimento de "La nueva canción chilena", il gruppo interpreta "Arriba quemando el sol", brano inciso dagli Inti in Italia nel vinile "Hacia la libertad" (1975). L'unica idea un po' discutibile avuta dal gruppo in occasione di questa interpretazione, e purtroppo spesso conservata nelle interpretazioni recenti, è una velocizzazione del brano, che non permette di capire il testo di fortissima denuncia delle condizioni dei minatori che, nonostante i tanti anni passati dalla composizione del brano, come ci dimostrano i vari incidenti che avvengono in svariate parti del mondo, non sono per niente cambiate.

E sempre dal repertorio di Violeta Parra viene questa "Run run se fue pa'l norte", che il gruppo, sin dal 1971, esegue nell'arrangiamento per lui pensato da Luís Advis, grande musicista classico che permise alla "Nueva canción chilena" di toccare due sue vette con le opere "Santa María de Iquique" (interpretata dai Quilapayún e dedicata ad un massacro di povera gente avvenuto un secolo fa), e "Canto para una semilla" (interpretata dagli Inti-Illimani e basata sulle "décimas" autobiografiche della stessa Violeta Parra). Il brano in questione è interpretato dall'autrice, voce e charango, nell'lp "Sus últimas canciones" (1966), nell'interpretazione del gruppo diventa un brano prevalentemente strumentale, infatti si conservano solo due strofe del cantato, ed acquista una maggiore interiorità e si direbbe più colto.

Tornando a "Lugares comunes" si interpreta un brano strumentale (di cui non ricordo il titolo, perdonatemi!). È strumentale e non è particolarmente apprezzato da me, sempre per quella pesantezza di cui si era parlato in occasione de "A la caza del Nyandú". Subito dopo, però, il gruppo si riprende subito con un altro brano strumentale, questa volta tradizionale, dove il violino, oltre ad entrare suonato normalmente con l'archetto, esegue delle interessanti note pizzicate. La presenza del violino e del clarinetto, purtroppo, in questo caso contribuiscono spesso ad addolcire, forse esageratamente, l'irruenza andina, facendo perdere qualcosa a questo brano (e non solo a questo per essere del tutto franchi!).

Ed eccoci ad un meraviglioso valzer peruviano composto dagli Inti su testo di Rafael Alberti, uno di quelli di ispirazione italiana. Il gruppo, e questo gli va riconosciuto al di là di personai idiosincrasie e gusti sugli ultimi Inti (ancora senza aggettivi e distinzioni), non ha mai staccato l'anima dall'Italia e dall'italianità, anche quando solo due dei membri vi hanno vissuto quindi la conoscono profondamente.

Subito dopo, continuando ad andare rigorosamente in ordine con la track list del cd, si continua con un meraviglioso arrangiamento di un "huapango" messicano. Bisogna dire che Jorge Coulon, che agli inizi del gruppo si dedicava all'interpretazione di brani messicani, dimostra la sua insuperabile bravura in questo repertorio, anche per una sua naturale tendenza a "quebrar" la voce, ossia a "completare" le note con degli acuti interni molto particolari, tipici della tradizione messicana.

Subito dopo si torna al repertorio storico degli Inti, interpretando una delle tante canzoni d'omaggio all'Italia, che ancora il gruppo eseguiva rifacendosi agli arrangiamenti pensati per la versione incisa con John Williams e Paco Peña nel cd "Fragmentos de un sueño" (1987). Il brano in questione è "Danza di Cala Luna", basato su certi ritmi sardi. È una delle mie canzoni degli Inti preferite, anche perché gli strumenti andini sono messi perfettamente al servizio di un'italianità profonda e pura.

Il gruppo continua a pescare nel suo repertorio storico , interpretando "Cándidos", un brano dalla forte influenza afro, composto da José Seves, che già, purtroppo, non faceva più parte del gruppo. (Non ho mai avuto la fortuna di vedere il gruppo con questo membro, mannaggia!). La canzone, dedicata all'"autunno dei patriarchi" ed ispirata dal libro "L'autunno del patriarca" di Gabriel García Marquez, fa fare una festa assolutamente incontenibile.

Ed eccoci alla partecipazione del musicista, poeta e scrittore Patricio Manns. Sinceramente non conosco questo brano, quindi non ve ne posso parlare più di tanto. Vi posso dire che la voce di Patricio Manns è abbastanza deludente, perché è abbastanza stonato ed è raro che esegua note limpide. Ritmicamente comunque il brano è interessante e non riesco a classificarlo.

Il prossimo è un brano, ancora interpretato da Manns, fortemente antistatunitense. Se devo descrivere il brano è una "saia" (tipo "la fiesta de San Benito"), che gli Inti-Illimani arricchiscono con una intrusione, armoniosissima, di congas cubane. L'inizio del brano, e va detto per sincerità, ricorda le cose che Meriño poi ha fatto in maniera generalizzata, certi accordi jazz che c'entrano davvero poco con la musica popolare europea e sudamericana.

E subito dopo, presentata da Patricio Manns che ne ha scritto il testo, arriva "Vino del mar", canto dedicato ad una militante della U.P. di Salvador Allende, assassinata, dopo essere stata torturata e violata, il cui corpo fu gettato in mare ma da questo caritatevolmente restituito. Il brano è una fusione tra la bellissima tecnica classica della chitarra di Meriño (che è un buon chitarrista, non si può negare), la vocalità spesso all'unisono degli Inti-Illimani ed un quartetto da'rchi. È un brano dove politica e tenerezza si fondono per dare spazio a sensazioni intime indescrivibili.

Ed eccoci al brano che chiude "Lugares comunes", un brano di inequivocabile matrice italiana, scritto da due membri del gruppo che conoscono l'Italia solo dai film, dai racconti dei fratelli Coulon e dalle volte che ci hanno suonato. Il brano si intitola "Caro nino", dedicato a Nino Rota. Potrebbe ricordare la musica del film "Pinocchio" (quello anni Settanta), anche se credo che questa colonna sonora a cui l'ho paragonata non sia di Rota. È un brano in minore, che però non concede spazio a tristezze, semmai solo ad una dolce malinconia. Veramente stupenda, noi italiani la dovremmo scoprire.

Il concerto, ormai giunto quasi alla fine, continua con una curiosa versione di "Mi chiquita", un brano di ispirazione cubana, anche perché ha un testo del grande poeta cubano Nicolás Guillén. Le principali curiosità di questa versione, che poi sono abbastanza comuni, sono il fatto che la voce principale sia affidata ad un vero cubano (nonostante che vive in Cile da moltissimo tempo, non ha perso neanche un po' del suo accento cubano, ovviamente si parla di Efren Viera). La seconda curiosità è l'intrusione in questo brano del violino, strumento che qui, fortunatamente non riesce a scalfire l'allegria del brano. Si fa ancora più festa, se possibile, con la successiva "El carnaval", incisa per la prima volta nel già citato "Fragmentos de un sueño", insieme a Paco Peña e John Williams. Questa versione ha come principale particolarità la presenza delle congas cubane e la troncatura del finale a ritmo andino.

Subito dopo si interpreta un altro brano di ispirazione inequivocabilmente afro, la bellissima "Samba landó", tratta da quel fondamentale ma incompreso in Italia "Canción para matar una culebra" (1979). la versione è molto più afro rispetto a quella da studio, che era accompagnata da un gruppo tipicamente andino.

Il concerto si chiude, come sempre, con "La fiesta de San Benito", brano andino su cui Manuel Meriño ha iniziato a infierire sin da subito (rimpiango Salinas). Questa "saia" boliviana fu arricchita dal gruppo sin dal 1969 (anno della sua prima incisione) con un accordo in più che la rende molto ricca. Ecco gli insopportabili assoli di sassofono che preludono al finale che è caratterizzato da un mi minore ripetuto (alla maniera di certe pizziche degli Zoè) fino allo sfinimento. Non mi piacciono queste cose.

Spero comunque di avervi fatto piacere, e spero di aver fatto venire voglia a qualcuno di vedere questo concerto, tra i più festosi del gruppo.

Il dvd, poi, ha in coda la versione da studio di "Sobre tu playa" ma noi non ce ne occupiamo.

Buon ascolto e visione!

Inti-Illimani live a Puerto Aysen (Cile)

2010-08-10T09:22:00.001+02:00

Carissimi lettori, ho l'onore di recensire, completamente a caldo, un concerto degli Inti-Illimani che non conosco.

Siamo in Cile nel 2001, e la formazione che suona nel concerto di cui parleremo è di transizione tra quella storica e quella dell'ultimo periodo.

Il concerto è iniziato da una meravigliosa versione di "Takakoma", brano andino che il gruppo ha inciso in un bellissimo album, purtroppo qui poco conosciuto, intitolato "Lejanía" (1998).

Si riconosce immediatamente il charango squillantissimo del suonatore storico del gruppo, Horacio Durán, che dà a questo brano un'allegria direi contagiosa. Nonostante tutto vi sono due elementi che forse non fanno sfogare molto questa voglia di festa, mi riferisco ad un violino, elemento assente dalla versione in studio, ed un clarinetto. Nonostante ciò è una versione bellissima di uno strumentale veramente superbo.

I brani cantati iniziano con una versione abbastanza corretta de "La exiliada del sur", uno dei classici della musica cilena scritti e pensati da quella che è stata senza dubbio la più grande ricercatrice, interprete e compositrice di musica di matrice tradizionale che il Cile abbia conosciuto. Mi riferisco a Violeta Parra (1917-1967). Dico "abbastanza corretta" perché si possono notare alcune stonature e la mancanza di perfezione di alcune entrate e controcanti. Ciò non toglie che è una grandissima emozione ascoltare la voce di José Seves, ritenuta dalla sottoscritta una delle migliori del Cile.

Tornando alle strumentali abbiamo il piacere di ascoltare un bellissimo "joropo" scritto da Horacio Salinas, allora ancora direttore del gruppo, intitolato "Maria canela". Il brano è in minore ma niente tristezza, anzi si è portati a battere le mani a questo ritmo contagioso. Oltretutto, parentesi personale, la versione da studio di questo brano, contenuta nel cd "Arriesgaré la piel" è stata tra le colpevoli del mio grande amore per gli Inti che, come questo articolo sta inequivocabilmente a dimostrare, ancora dura. La versione è caratterizzata dalla sostituzione del flauto da parte del violino. Questo strumento, forse, non riesce a dare l'idea di festa che invece dava il flauto traverso, ma comunque è una favola.

C'è stato un discorso di Jorge Coulon, colui che si incaricava di parlare in quasi tutti i momenti che il gruppo dedicava al dialogo con il pubblico (parte fondamentale di ogni buon concerto degli Inti!).

Quando si ricomincia a suonare ancora non si riprende a cantare, anzi si delizia il pubblico con una meravigliosa versione di "Tatati", brano tra i primi composti dal grande chitarrista, tiplista e compositore cileno Horacio Salinas. Il brano è uno dei più complicati e armonicamente dinamici tra quanti il gruppo dedica alla sola esecuzione strumentale. È bellissimo, anche perché a me ricorda uno stupendo concerto visto a Bastia Umbra al teatro Esperia, che lo ebbe come suo primo brano. In quell'occasione i battiti iniziali del tamburo andino (bombo) mi risuonarono come dei battiti segreti, una magia allo stato puro.

Tornando a cantare il gruppo propone uno di quei brani che gli fa compagnia dai suoi inizi, una bellissima "Juanito Laguna remonta un barrilete", che i cileni ripresero e armonizzarono a partire da una versione di Mercedes osa (grandissima cantante argentina) agli inizi degli anni Sessanta, poco dopo la loro nascita avvenuta nel 67.

In questa versione il gruppo mantiene la struttura e la tonalità che questa canzone conosce almeno dalla versione di "Chile resistencia" (1977), album che presenta la seconda versione di questo brano eseguita dal gruppo. Infatti la versione originale risale agli anni Sessanta e in Italia non ha mai avuto divulgazione, se non in un circuito di cultori del gruppo.

Dal repertorio storico del gruppo viene ripresa anche questa "Ya parte el galgo terrible", canzone che noi italiani abbiamo conosciuto nell'lp "La nueva canción chilena" del 1974. Il brano, su testo di Pablo Neruda, mantiene molta della sua forza, anche se forse l'assenza di percussioni mitiga qualcosa che non può essere assolutamente mitigato, la denuncia della violenza con cui alcuni popoli vengono sterminati da altri in qualsiasi momento o luogo.

Tornando ad omaggiare Violeta Parra, il gruppo offre una tenerissima versione del "Rin del angelito", canzone con la quale la cantautrice cilena si ispirava a certi riti che accompagnano la morte dei neonati. Ho sempre amato da impazzire il pezzo strumentale che divide le due parti, soprattutto per la bellissima melodia che esegue la quena, strumento a fiato ad una canna sola. La melodia è molto semplice ma è ricca e nasconde difficoltà.

L'altro grande maestro della musica cilena è il chitarrista, drammaturgo, regista di teatro, cantautore e ricercatore Víctor Jara. Il brano che il gruppo sceglie per ricordarlo è "El arado", tra gli ultimi composti dal cantautore e da lui pubblicato del vinile "Presente", inciso con l'accompagnamento degli stessi Inti-Illimani. La versione proposta è veramente impeccabile, il gruppo già si è scaldato e questa formazione, come abbiamo detto rimasta in piedi per poco tempo, sta dimostrando in pieno le sue qualità.

Sempre frugando nel repertorio storico del gruppo, si ha il piacere di ascoltare "Simón Bolívar", brano che originariamente chiudeva l'lp "Viva Chile!" (1973).

Curiosissima è la fioritura della chitarra durante l'esecuzione del rif che introduce ogni singola ripetizione della melodia. Questo tipo di colori, sinceramente, suonati da una chitarra suonano strani, infatti se la dovessi descrivere è una curva di semitoni molto comune in certi generi pianistici come molti sottogeneri del jazz.

Subito dopo si esegue una versione molto bella di "Bailando bailando", uno dei brani che ha composto il polistrumentista José Seves. È un brano completamente rilassato, anzi direi perfettamente festoso, che dimostra a quelli che credono gli Inti-Illimani solo un gruppo rivoluzionario, che questa è stata solo una parte, oltretutto sempre ritenuta marginale da loro stessi, della loro espressività artistica. Curiosa l'intrusione del clarinetto e del contrabbasso. Se il secondo dà un corpo diverso al brano, il primo tende a dare seicuramente un ambiente più idilliaco che spesso il sassofono (fiato originariamente presente insieme ai flauti andini nella versione del cd "De canto y baile) sinceramente spesso rovina.

Subito dopo il gruppo propone uno dei suoi classici indiscussi, entrato nel cuore anche di noi italiani, una festosissima "Señora chichera". La versione è fortemente imperniata sulle note di contrabbasso e su delle svisature di sassofono che, almeno secondo la sottoscritta, sono un po' troppo barocche e metropolitane per un brano spudoratamente andino e tradizionale come questo. Comunque si fa molta festa, anche aiutati da un violino che invece contribuisce ad avvicinare il brano a certe atmosfere boliviane poco conosciute da noi. Il finalino è molto chiassoso ma è un chiasso dolce, che diventa automaticamente metropolitano quando inizia a preludere a "Sensemaya", uno dei primi esperimenti di musica afro-cubana di composizione cilena. Ci stiamo riferendo ad un brano di Nicolás Guillén, grande poeta cubano molto noto in vari paesi di lingua spagnola, che ha una storia un po' particolare per quanto riguarda me. Quando ero molto piccola, credo facessi le elementari, sentii il ritornello "mayombe bombe mayombe", che è poi quello che scandisce tutta l'ultima parte del testo. Immaginatevi quale fu il mio stupore quando me lo ritrovai (ben dieci anni dopo) inciso dagli Inti!).

Continuando il gruppo offre una "Petenera", un carinissimo brano messicano interpretato anche da Daniel Cantillana, voce giovane che da dieci anni circa è diventata una delle più importanti della formazione. Il brano è interpretato con molte "rotture di note" tipiche della tradizione messicana.

Ed eccoci ad una delle canzoni più recenti tra quelle che sinora si sono sentite, un brano ispirato alla tradizione afroperuviana scritto da Horacio Salinas su testo del poeta e cantautore cileno Patricio Manns, dal titolo "Negra presuntuosa". La voce di Daniel, sto parlando davvero a cuore aperto, non mi ha mai entusiasmato, però in questi brani un po' meno passionali o quantomeno non principalmente passionali, va detto che riesce a dare molto. È curioso il finalino cantato da Horacio Salinas, accompagnato con molte note staccate da parte degli strumenti.

Sicuramente molto più passionale è questa "Arriesgaré la piel", che Jorge canta con piglio da cantante abituale di musica "ranchera" (la tipica musica messicana suonata dai gruppi di Mariachi). Meravigliosi sono i finali acuti che permettono di entrare completamente nell'atmosfera del brano, anche al di là del testo che pure è fondamentale per capire questa poesia di tentativo di ritorno ad un amore lasciato per errore o per inganno.

Ed eccoci ad un bellissimo valzer peruviano, scritto da Horacio Salinas su testo di Patricio Manns. Il brano dava il titolo ad un cd speciale, quell'"Amar de nuevo" che io ricevetti con largo anticipo sulla data di pubblicazione in Italia, proprio in occasione di quel concerto di Bastia Umbra a cui ho fatto riferimento precedentemente. La canzone è caratterizzata da un dialogo tra le voci di Daniel Cantillana e Horacio Salinas, che si interpellano tramite dei controcanti di terze che Salinas esegue sotto la melodia base di Cantillana.

Ed eccoci alla principale e prima colpevole del mio amore per gli Inti-Illimani, a quel capolavoro di romanticismo e passione intitolato "Medianoche", che apriva e presentava il cd "Arriesgaré la piel" (1996). Qui abbiamo l'insuperabile piacere di sentirla cantata da quello che ne è stato il primo interprete, il tenore José Seves. Questo è un brano che richiede potenza, quindi sono sempre un po' scettica ogni volta che lo devo sentire interpretato da voci troppo dolci (come ad esempio quella di Daniel Cantillana). Qui è stato curioso l'intervento del clarinetto, che ha toccato il jazz molto più spesso rispetto a quanto non lo ricordi nell'originale, oltre all'entrata del violino, strumento che comunque sta benissimo in qualsiasi musica un minimo romantica (e il bolero alla cubana lo è moltissimo).

Il brano successivo è un'interpretazione molto personale di "Fina estampa" di Chabuca Granda (cantautrice peruviana molto importante nei paesi di lingua spagnola). La versione di José Seves, aiutato molto dalla chitarra di Horacio Salinas, è molto rallentata, almeno rispetto alle altre che conosco, e forse è un po' troppo poco tenera. Comunque è estremamente illuminante su quale sia lo stile di questo grandissimo cantante, che utilizza la voce più come uno strumento che come un semplice mezzo di dizione.

Il brano successivo è un brano a cui gli Inti-Illimani sono molto legati perché in esso hanno raccontato, aiutati dalla poesia di Patricio Manns, le sensazioni di un esiliato che ritorna nel proprio paese (quando loro ancora non lo potevano fare, infatti il brano è del 1979 e loro sono potuti tornare solo nove anni dopo).

La parte ufficiale del concerto (perché è difficile che gli Inti possano chiudere un concerto quando per la prima volta salutano il pubblico) si chiude con "La fiesta eres tú, bellissima cumbia che purtroppo non possiamo sentire per intero nell'edizione che mi ha permesso di parlarvi di questa esibizione. La curiosità principale di questa versione è la voce diHoracio Salinas che sostituisce quella di Daniel Cantillana, che interpreta molto convincentemente il brano nel cd.

Spero di avervi fatto venire voglia di riascoltare gli Inti-Illimani senza aggettivi e lotte interne, con la voglia di scoprire gli anni che spesso, per troppa superficialità, non consideriamo qui nel paese che li ha accolti per tre lustri.

Inti-Illimani live a Puerto Aysen (Cile)

2010-08-10T09:17:00.001+02:00

doardo de Angelis: Historias"

2010-08-05T20:38:00.001+02:00

Carissimi lettori, ho il piacere e l'onore di recensire il più recente lavoro di uno dei pochi cantautori rimasti in un paese in cui questo nome si dà con troppa facilità a chiunque scriva anche solo una canzoncina.

L'artista di cui ci occupiamo si chiama Edoardo De Angelis, uno dei fondatori di quel gruppo spesso chiamato "Scuola romana". Sono suoi alcuni dei classici della canzone italiana, che ritroveremo in questo bellissimo "Historias", pubblicato nel 2008 per l'etichetta "Il manifesto".

L'album è tutto dedicato all'America, sia del Nord che del Sud, con uno sguardo non rivolto ad un mito, ma ad un territorio pieno di suggestioni antiche e per questo sempre nuove.

La prima traccia è ispirata alla lettura della produzione civile dello scrittore cileno Luis Sepúlveda ed è intitolata "Cinque parole". In questa società in cui l'immagine predomina e schiaccia le parole, riducendole spesso ad un chiacchiericcio virtuale, è meraviglioso ritrovare qualcuno che chieda "una parola che non debba cadere mai", oppure "che non debba tacere mai". La ballata ci fa trovare un cantautore che utilizza in qualche caso le risorse del pop, ma non disdegna, anzi si direbbe preferisce, quelle delle tradizioni proprie o altrui.

La seconda traccia è una rilettura personale da parte di De Angelis di un personaggio biblico come Davide, questo personaggio la cui presenza ha fortemente condizionato la storia degli Ebrei. Il brano è una ballata apertissima, in tonalità minore ma spesso puntellata da accordi maggiori, sui quali il pezzo si ferma e si chiude. La profondità del testo, uno dei tanti ritratti di perdenti che costellano il cd, potrebbe ricordare il grande De Andrè, col quale d'altronde De Angelis ha anche in comune una certa profondità tellurica nella voce, caratteristica che il cantautore romano equilibra con una dolcissima confidenzialità.

Ed eccoci ad una delle canzoni che io amo di più tra quelle presenti in questo cd, uno dei gioielli portati al successo da Lucio Dalla, la bellissima "Sulla rotta di Cristoforo Colombo". Si può forse dire che questa coppia di brani crei un'atmosfera notturna, confermata dalla struttura intima che De Angelis, che si è occupato anche della produzione di questo cd, ha dato al ritornello di questo brano. È sinceramente facile immaginare in questo Colombo un gran bevitore, un po' forse alla Hemingway. Questo brano, come altri momenti del cd, è caratterizzato da una poderosa sezione di fiati che dà veramente l'idea di una poderosa orchestra o "sonora" cubana degli anni Cinquanta. In questa sezione si innesta un breve pezzo in dialetto leccese cantato da Bungaro, che rappresenta una rinnovata sintesi tra il Salento e Cuba, a dimostrare che forse, come diceva Pierangelo Bertoli, "è sempre uguale il Sud".

Ed eccoci ad una storia nord-americana, raccontata con ricostruzione scientifica. Anche qui, solo leggermente oscurati da piccoli accenni di batteria sintetica nella prima parte del brano, si ritrovano i poderosi accordi arpeggiati alla vecchia maniera, come oggi non si sente fare più, perché la musica d'autore, quella poca che c'è, tende a prendere come modello lo swing statunitense e non guarda mai alle ballate né nord-americane né europee. Il brano è il racconto di una rapina, ma nessuno si aspetti la condanna dei banditi e l'assoluzione o la mitizzazione dell'"uomo di legge", che anzi viene descritto come un personaggio che si crede eroe e che da questo piccolo fatto prende troppo alla lettera il suo ruolo come i suoi soldati. Interessantissimo il recitativo di De Angelis, che si sdraia sulle poderose basse della sua voce, a cui si unisce un bellissimo assolo di quena (flauto andino ad una canna sola), che si snoda su scale moderne ma bellissime magicamente soffiate.

Ed eccoci ad "Un'altra medicina", dedicata alla storia di Ernesto "che" Guevara. Fortunatamente non assistiamo alle troppe e troppo comuni mitizzazioni del personaggio, infatti ci troviamo davanti ad un ritratto umano e tenerissimo di un "che" Guevara giovane ma già convinto dei suoi ideali. Il ritmo non guarda all'America Latina, alla quale ci riporta la fisarmonica usata in un registro particolare. Il brano, infatti, è orgogliosamente una ballata basata su un poderoso finger piking della chitarra, da cantautore anni Settanta, intervallato da suggestioni che possono rimandare ad un limbo tra bossanova e ballata raffinata.

Ed eccoci ad un altro brano puntellato da una poderosa sezione di fiati, di quelle che caratterizzano tutta la musica cubana e centroamericana a qualsiasi livello. Il brano, intitolato "Ramírez", potrebbe ricordare "Avventura a Durango" di Dylan o altre produzioni di cantautori di matrice dylaniana. L'anima centroamericana, però, è mitigata da un mantice che ricorda un po' le tecniche del tango, che comunque accompagnano come un respiro silenzioso ma forte quasi tutta questa serie di storie americane. Dopo il canto, veramente superbo e limpido come ormai è raro sentire, si staglia un assolo di trombone, con il quale dialoga il rif di fiati che porta il brano alla sua naturale conclusione.

Ed ecco un altro grande classico della produzione del cantautore romano, una canzone scritta in vernacolo romanesco e lanciata dalla Schola cantorum agli inizi degli anni Settanta. Ci riferiamo, naturalmente, a "Lella", che il cantautore interpreta con l'aiuto nel ritornello della cantante umbra Lucilla Galeazzi. Questa versione, leggermente portata verso l'America Latina anche e soprattutto grazie alle scale pentatoniche di quena dell'introduzione, perde un po' della forza quasi tellurica che porta con sé il dialetto romano, per acquistare una confidenzialità segreta, forse difficile da capire, ma innegabilmente bella. Va anche detto che questa storia, di un uomo che confessa un omicidio probabilmente scaturito da gelosia, oggi acquista tinte di attualità allarmanti, perché in questo paese, che troppo spesso si vanta di essere sviluppato, le donne hanno ancora troppo poca libertà.

La traccia successiva, intitolata "Mamén", è un omaggio alla ritualità, questa particolare vitalità che unisce tutti i paesi del Sud, e di cui ora si stanno riscoprendo alcuni elementi, in maniere non sempre condivisibili. Il brano di De Angelis è un misto tra una chacarera argentina, leggermente personalizzata nellastrofa, ed una normale ma sempre bella ed interessante ballata terzinata anni Sessanta-Settanta. Meraviglioso l'assolo di violino finale, che ha delle venature tra il country americano e la musica del sud dell'Argentina.

Andando avanti si arriva a quello che per me è il momento più commovente di tutto il cd, una bellissima rielaborazione de "La casa di Hilde", tenerissima canzone ispirata ad una storia personale della vita dell'autore, ma portata al successo da Francesco De Gregori (i cui primi due dischi sono stati prodotti da De Angelis). Nell'armonizzazione troviamo una "cadenza evitata", che però non appesantisce affatto l'ascolto, ed un breve passaggio in diminuita che dà al brano un po' di anima brasiliana. Niente tradimenti, nonostante tutto, anche perché la voce di De Angelis è aiutata solo da sonorità semplici e non artefatte.

La successiva traccia è il ritratto di un ragazzo napoletano che "di lavoro fa il tifo al Napoli perché di lavoro non ce ne sta". Anche questo ritratto è tenerissimo, non si ha voglia di fare morale, si ha voglia di gridare l'esistenza di questa gente affinché le sia data una possibilità. Il brano ha una matrice brasiliana indubbia, ma non si ha voglia di scimmiottare una cultura, la si vuole mettere a confronto con la propria affinché le due si possano reciprocamente arricchire.

Ed ecco un'altra rilettura biblica, ma, come già avevamo potuto costatare in "La stella di Davide", il personaggio è talmente umanizzato, che sembra quasi volerci dire che è una metafora di un mondo in piena contraddizione, insomma questa è la religiosità di De Andrè, quella che si confonde con la politica e l'impegno e non conosce la provvidenza. La ballata rappresenta un ritorno alle sonorità latino-americane già meno mediate dall'italianità, che è rappresentata solo dalla grande apertura melodica della voce di De Angelis.

Ed eccoci a "Waterloo", brano dove il personaggio di Napoleone viene ritratto come un perdente, ma sempre con tenerezza, perché la chiave del vero cantautorato è questo sentimento che oggi pare aver perso la cittadinanza.

L'ultima traccia è una reinterpretazione da parte di De Angelis di una ballata cantata da Cesaria Evora, grande cantante capoverdiana lanciata, come molte altre, da una grandiosa carriera francese. Il brano, pur essendo un'evasione apparente dal repertorio del cantautore, finisce per essere un riassunto di tutte le tematiche che si affrontano leggermente ma ineluttabilmente in questo cd.
È un cd che consiglio fortemente a chiunque voglia essere ancora stregato dalla musica, dall'arte vissuta nella sua semplicità e da una delle più belle voci d'Italia.

Buon ascolto!

Edoardo De Angelis: "Historias" (Il manifesto dischi, 2008).

Zoè in Toscana.

2010-08-02T15:00:00.000+02:00

Carissimi lettori, sono appena tornata dalle vacanze in Toscana, che si sono concluse con un bellissimo e festosissimo concerto degli Officina Zoè tenutosi a Porto Santo Stefano. Non ve ne posso parlare come vorrei, in quanto il mio provider di posta elettronica ha pensato bene di cambiare la grafica che lo contraddistingue, mandando assolutamente fuori chiunque lo utilizzasse e fosse non vedente (come me ad esempio).

Il concerto, cosiccome quello tenutosi a Gualdo Cattaneo, si è aperto con una "Santu Paulu I" con voce solista di Lamberto Probo. Il brano, come poi tutto l'insieme del concerto, è stato caratterizzato da una durezza notevole, forse naturale continuazione del processo di avvicinamento alla dimensione tellurica che contraddistingue questa fase recente dell'Officina. La durezza era data dal canto di Cinzia, la quale rifuggiva da ghirigori e virtuosismi vocali, che erano invece portati avanti con caparbietà da Rachele. La seconda voce dell'"Officina" sta entrando in una fase di maturazione che la porta ad essere da un lato profondamente dentro la filosofia del gruppo, ma dall'altro a voler dare il proprio nuovo e cosciente apporto alle sue sonorità.

Subito dopo si è avuta la curiosa versione valzerata di "Nia, nia, nia", che un secondo ascolto permette sicuramente di apprezzare maggiormente. Quello che continuo a pensare è che la velocità e l'allegria che porta con sé il tempo di valzer (se non di mazzurka) a cui è portato il brano, non permette di assaporarne tutta la profonda dolcezza. Un'altra caratteristica che ha indurito ulteriormente il brano, sono stati alcuni bellissimi finali calanti e corti, di cui Cinzia Marzo ha riempito il suo canto.

Andando avanti si è poi avuta "liknon", bellissima ballata ispirata a Cinzia Marzo dalla lettura del libro "Sola andata" di Erry de Luca. Dal libro del famoso romanziere e poeta, il brano riprende una certa apertura poetica, che comunque trovo profondamente connaturata anche al mondo della cantante di Corsano. Bellissima la presenza della seconda percussione, che equilibrava con il suo suono indeterminato i bassi della tammorra muta. Il brano non mancava per niente di modernità e allucinazione, nonostante l'assenza del contrabbasso nel suo organico. Mi ha stupito profondamente la duttilità del violino, strumento a cui è stata affidata una lunga e complicatissima parte. Il suono dello strumento era sporchissimo, niente però faceva pensare alla sporcizia che troviamo nella musica tradizionale, quella patina che si ascoltava era lo sporco della metropoli. Prima della parte veloce, si è assistito ad un applauso a scena aperta, causato dalla pausa che divide le due diverse parti del brano. Comunque è emozionantissimo sentire brani che non si sono mai assaporati dal vivo, perché quando gli interpreti sono bravi questi prendono una nuova e stupefacente forma.

Tra i classici dell'"Officina", ovviamente, non è mancata "Don pizzica". Il brano è tra i più rappresentativi della produzione d'autore del gruppo, ma non mi sentirei nella possibilità di presentarlo come un pezzo nel segno della tradizione. Se lo si analizza a livello armonico, esso è caratterizzato da una maggiore ricchezza rispetto alla tradizione e da combinazioni d'accordi inusitate. È un brano coinvolgente ed è impossibile negarlo, ma io parteggio spudoratamente per "Filia", che trovo molto più semplice e festosa.

Insuperabile è stata la versione di "Ijentu", brano che da due anni a questa parte è diventato un rompicapo inestricabile. Le voci amano troppo giocare e ormai non si tengono, anche aiutate dalla notevole bravura dell'armonicista Luigi Panico.

C'è stata poi anche "kali nifta", che ha conservato l'inusitato salto di velocità da lentissimo a veloce sperimentato a Gualdo Cattaneo. Anche qui rischierei di ripetermi se facessi le mie osservazioni, voglio solo dire che forse questo brano è troppo triste per dargli tutta l'allegria che i gruppi salentini gli regalano (quella degli Zoè resta la versione più bella in assoluto, quindi non si discute!).

In griko c'è stato poi spazio per la "Pizzica mistica", brano che Cinzia ha interpretato in maniera estremamente dura, ad eccezione degli inizi di strofa in "pianissimo" o sussurrato. Il virtuosismo che aveva eseguito in Umbria ha trovato spazio anche qui, ma non era eseguito con la leggiadria di un volo mistico, semmai con lo spirito festoso che culmina in un grido di giubilo.

Non c'è stata la bellissima "Lu rusciu de lu mare", ma abbiamo avuto il piacere di ritrovare "T'amai". È un brano tra i meno conosciuti ma più emozionanti della tradizione salentina, uno di quelli dove si è avuta maggiormente la dialettica tra la durezza secca di Cinzia e quella barocca di Rachele.

Anche in questa occasione hanno voluto cantare "Moira", ma questa volta il brano non ha conservato la sua struttura di canto quasi gregoriano, arrivando ad avere un contatto profondo con le radici più ancestrali del canto funebre griko. Ci troviamo davanti un canto molto più barocco e gorgheggiato, niente impostazione e limpidezza, ma forse più vicino alla disperazione contadina.

Il concerto si è chiuso con alcuni brani del repertorio d'autore dell'"Officina". Abbiamo potuto ascoltare "A mammata", pizzica cantata in italiano dedicata ai potenti. Sinceramente è un brano che non finirà mai di provocarmi sensazioni strane, miste di affetto, condivisione ma anche di discordanza con la fusione fra la pizzica e la nostra lingua. Bellissima la parte di chitarra acustica che accompagnava il finalino, perché la terzina si stemperava e veniva scoperta la radice binaria della pizzica.

Notevole, sempre fra quelle che il gruppo ha estratto da "Maledetti guai", è stata "Ciao rom", suonata di ispirazione balcanica interpretata con maestria da Donatello Pisanello all'organetto coadiuvato dai tamburellisti Lamberto Probo e Danilo Andrioli e dal violinista Giorgio Doveri. Per quanto riguarda la partecipazione del violino, ancora una volta devo dire che in quei fatidici trenta secondi dove il giro base si infrange su un sol minore prolungato seguito da un re minore, lo strumento non ha saputo esprimere quella magica tristezza che riesce a dare in disco.

Sempre dall'ultimo cd dell'"Officina" si è avuta poi la bellissima "Cu li suspiri", con cui il gruppo ha chiuso la parte ufficiale del recital. È un brano dove Lamberto spesso si fa prendere la mano a livello di velocità di terzina, e purtroppo anche stavolta è stato così. Questo ovviamente ha comportato una cattiva gestione del canto da parte di Cinzia e Rachele, le quali ovviamente non potevano pensare ad abbellire i loro fraseggi vocali, in quanto impegnate a gestire bene il fiato. Ciò non toglie che questo sia un bel brano, anche se vi consiglio di ascoltare la versione da studio, quella presente nel cd "Maledetti guai" e nel loro myspace in versione accorciata.

I due bis, concessi dopo scalpitii generalizzati del centinaio di persone convenuto nel piazzale antistante la scuola Edmondo de Amicis di Porto Santo Stefano, sono stati una commovente "La lettera ca me desti" e "Santu Paulu II" (quella con voce solista affidata a Cinzia Marzo). Per quanto riguarda la prima si può dire che è stata molto più dura, anche se la durezza che ci abbiamo potuto notare era condita ed equilibrata da un notevole senso di dolcezza nascosta. Interessanti i finali acuti sul modello di Rosa Balistreri, eseguiti spesso e volentieri da Cinzia. In questa occasione il brano forse ha acquistato un'anima più vicina alla sua essenza, perdendo quella bellissima confidenzialità urbana che ce lo aveva fatto conoscere ed amare.

L'ultimo bis, siccome io non mi sono permessa di richiedere "Menevò", è stato un canonicissimo "Santu Paulu II", che io ho ballato da in piedi.

La pizzica era vorticosa, ci si era avvicinati moltissimo alla versione di terra, la festa era ormai incontenibile.

L'aver finalmente potuto vedere gli Zoè due volte in molto poco tempo, solo trentacinque giorni, mi ha permesso di confermare una mia personale ed assodata opinione sulla loro personalità. Avevo sempre pensato che loro fossero in grado di cambiare e di molto la loro gamma espressiva, ne ho avuto la assoluta certezza. Grandi!

Passione salentina.

2010-07-24T22:13:00.002+02:00

Carissimi lettori, oggi ho il piacere di recensire un particolarissimo cd di musica popolare salentina. È una raccolta di classici della musica tradizionale del basso salento, incisa da Valerio Rodelli e Anna Invidia, due dei membri più in vista dei Malicanti, gruppo che da queste parti è di casa.

Il primo brano è "Aremu", canto griko particolarmente amato da coloro che hanno un rapporto intimo con questo repertorio. È eseguito con vera maestria da Anna Invidia, che si fa dei particolarissimi controcanti propiziati dalle sovraincisioni. Sono interessanti le quinte che la voce esegue ad ogni fine di strofa.

La seconda traccia del cd è una versione splendida di "Pizzicarella", che viene qui riportata ad uno stile fortemente influenzato dagli Aramirè, fatto anche provocato dalla tecnica tamburellistica dell'Invidia, collegabile a quella di Luigi Chiriatti, con una certa presenza del battito delle dita in corrispondenza del movimento dei sonagli.

La terza traccia sono degli stornelli al modo degli Ucci, interpretati benissimo dall'Invidia che suona con maestria anche dei cucchiai. Particolare, da parte di Rodelli, l'uso dell'organetto con la terza voce chiusa.

La quarta traccia del disco è "La tabaccara", interpretata in un modo che unisce la festa al raccoglimento che dovrebbe portare con sé ogni singola esecuzione del brano. Non è un disco che si possa usare per fare macello o per sballarsi, è un album che ricorda come la musica salentina sia profondamente malinconica.

COME HO AVUTO OCCASIONE DI DIRE IN RIFERIMENTO AL CONCERTO DEI "malicanti, è interessantissima la "confidenzialità rurale" tipica del canto dell'Invidia. Questa sua particolare caratteristica è assecondata dall'organetto di Rodelli che, anche laddove suona con la terza voce aperta, mantiene un certo colore maluinconico eE raffinato. La particolarità maggiore di questa canzone è il giro in minore che caratterizza il ponte tra strofa e strofa.

Andando avanti troviamo "Fior di tutti i fiori", il cui giro di organetto ricorda "Anima bella" degli Officina Zoè.

La versione del brano è tra le più belle che mi sia stato dato di sentire, stornellata e senza tanti fronzoli nè raffinatezze spesso inutili (vedasi la versione degli stessi Zoè in "Crita"). In questo brano troviamo anche la partecipazione di Valerio Rodelli, che si prodiga in un basso ritmico e perfetto, di quelli tipici degli stornelli, mentre il controcanto alto è sempre affidato alle sovraincisioni della voce dell'Invidia.

Il brano si chiude con uno stornello in lingua italiana (quelli che alla sottoscritta piacciono di meno!), che il duo riprende direttamente dal repertorio di Uccio Aloisi.

Il brano successivo è una pizzica paragonabile a quella che il Canzoniere Grecanico Salentino esegue nel cd "Canti e pizzichi d'amore" col titolo di "Ronda". Qui i due musicisti suonano entrambi le percussioni, la cui secchezza fa partire una pizzica senza pietà.

La cosa più curiosa di questo brano è una traduzione al femminile del noto verso "La fimmena se llarga e l'omu cucchia", che per l'occasione, in conseguenza, diventa: "l'omo se llarga e la donna cucchia". geniale!.

La traccia successiva è uno dei cavalli di battaglia dell'Invidia anche all'interno del concerto dei malicanti, quell'"Aria caddhripulina" che Zimba canta come nessuno. Queste strofe suonano inizialmente forse un po' strane, ma hanno una cantabilità tale che ci si abitua anche a sentirle così confidenziali e dolci. La cosa bella della vocalità della cantante, infatti, è questa convivenza di certi elementi rurali con una nuova, e mai troppo coltivata nel Salento, confidenzialità che permette una maggiore scansione dei testi. Nel ritornello c'è Valerio Rodelli che dimostra la propria bravura come cantante e aiutante in leggeri controcanti.

Ed eccoci all'unico brano un po' deludente del cd, soprattutto per quella che io trovo un'esagerata elaborazione armonica da parte della chitarra acustica che accompagna. Il brano in questione è "Lu rusciu de lu mare", che viene eseguito completamente lento ma non con la dolcezza che permette a questo arrangiamento di dare il meglio di sé. Opprimenti sono anche le modulazioni dei bassi e degli alti della chitarra, che forse portano esageratamente la voce dell'Invidia verso delle modulazioni un po' troppo moderne, che, quantomeno secondo me, non permettono a questo brano di essere cantato con la dolcezza sufficiente. Comunque, evviva la temerarietà, perché sono pochissimi a fare questa versione del brano, preferendo eseguire spesso interpretazioni pretenziose e perché no sguaiate.

Il cd si riprende subito con una strepitosa versione di una delle più belle pizziche che mi sia mai stato dato di sentire in vita mia, la pizzica di Torchiarolo, nella versione raccolta di recente da Enza Pagliara. La formazione ridotta dà al brano una leggerezza divina, la festa che si fa quando lo si sente è davvero tanta!

E dalla raccolta di brizio Montinaro "Musiche e canti popolari del Salento" è direttamente ripresa questa "La fontanella", una beguine meravigliosa, in quel misto di dialetto e italiano che caratterizza una buona parte di certo repertorio degli anni Settanta.

Suona solo strano ascoltare alcune parti dialogate, nell'interpretazione di una sola voce, ma queste sono quisquiglie a cui la tradizione non tiene.

Il percorso continua con una versione lenta di "Ohi rondine", dove le due voci dialogano sostenute dall'organetto. Sinceramente, forse, questo tipo di brani rendono di più o "alla stisa" o accompagnati da strumenti a corda o a plettro. Sinceramente io ho un gusto, forse data la mia ignoranza sugli strumenti a mantice, che mi fa preferire l'organetto in momenti più festosi come valzer, mazurke, quadriglie, tarantelle, pizziche e compagnia.

Queste riserve non tolgono naturalmente la qualità al brano, ed ovviamente non mi inibiscono dal consigliare caldamente l'ascolto di questo cd a chiunque ne sia voglioso ed interessato.

Credo che questo cd, forse come pochi, dimostri come la musica popolare salentina non sia una musica da fare con moltissimi strumenti, anzi più la formazione è ridotta e meglio è.

22-Amália Rodrigues-Germany-Eurovision-" É OU Não É ",(fado).

2010-07-23T18:26:00.001+02:00

Francesco Guccini - Fantoni Cesira

2010-07-21T20:00:00.001+02:00

Italia D'oro!

2010-07-13T22:38:00.001+02:00

pizzica Salento BTQ - ballati tutti quanti (lu core meu)

2010-07-12T21:26:00.001+02:00

Paolo Conte - Sono qui con te sempre piu' solo

2010-07-10T18:13:00.001+02:00

Lelio LUTTAZZI "Vecchia America" Omaggio a Lelio

2010-07-09T14:33:00.001+02:00

E nà E nà

2010-07-08T18:32:00.001+02:00

Ricordo triestino (A Lelio Luttazzi)

2010-07-08T15:14:00.001+02:00

Carissimi lettori, avrete notato che ormai questo blog non si aggiorna più settimanalmente. Sappiate che ciò non dipende per niente dalla mia volontà, ma solo dalla carissima "mamma rai", che dimenticandosi dei suoi figli non vedenti ha pensato bene di rendere introvabile il podcasting di "canzonenapoletana@rai.it".
Purtroppo oggi devo scrivere per un motivo doloroso, perché il grande jazzista, pianista, presentatore televisivo, cantante e compositore Lelio Luttazzi ci ha lasciati questa notte.
Questo articolo non sarà una sua biografia, cosa che d'altronde non faccio mai, ma solo un excursus tra le canzoni sue da me più amate, o anche tra quelle che non sapevo fossero sue ma io altrettanto amo, vedremo!
Il percorso comincia con "Vecchia America", brano scritto dal musicista triestino nel 1951, reso celebre da quello che per me è il più grande gruppo vocale che l'Italia possa vantare, il Quartetto Cetra. Il brano permette veramente al gruppo di dare il massimo per quanto riguarda gli impasti vocali, in quanto possiede una melodia aperta e ricca. È un omaggio ad una terra che si ama, da parte di una generazione che non ne è schiava (come spesso siamo oggi), ma ha appreso un'altra cultura come forma di arricchire la propria. Questo atteggiamento si riscontra nell'insieme di elementi italiani ed americani che costellano il brano, che non diventa mai una scimmiottatura gratuita di modelli, ma si dimostra piuttosto una loro reinterpretazione fortemente personale. La si può trovare, in versione rigorosamente originale ma ben restaurata, nel quarto numero della collana sulla musica anni Cinquanta uscita in edicola qualche tempo fa.
Subito dopo si arriva ad una geniale interpretazione di Mina intitolata "Una zebra a pois", che gioca con ironia forte ma rispettosa su questo bellissimo ed ora bisfrattato mito della serenata, rivolgendo le parole d'amore non ad una donna ma ad una zebra. Musicalmente il brano è a dir poco ricco, cosa che ha fatto dimenticare il suo massiccio sfruttamento. l'inizio è quasi classico e porta con sé una melodia mista di rimandi blues e italiani, mentre il ritornello arriva ad uno sfrenatissimo twist giocato su un giro di blues convenzionale, seguito da dei vocalizzi sulla parola "pois", basati sulla ripetizione di due note su uno sfondo di un accordo solo. Veramente geniale, anche perché citare Dante per una canzone su una zebra non mi pare esattamente da tutti!
Troviamo poi la canzone che mi ha fatto accorgere dell'esistenza di questo artista dalla fantasia sfrenata, la geniale "Legata ad uno scoglio". Forse è un po' esagerato fare discorsi come. "Forse sarà un po' scomodo, ma l'amore è anche sacrificio (o sacrifizio!). non ti ho portata al mare per farti sbaciucchiare dal giovane leone Bevilacqua Vinicio (o Vinizio!), ma meglio che ammazzare una donna per gelosia come sento dire da troppe parti, questo è sicuro. Anche questa è una canzone dall'andamento spudoratamente swing, dall'armonia ricchissima, che Luttazzi interpreta con una verve totale, sentitevela se non ve la ricordate e ridete a crepapelle (io lo faccio tutte le santissime volte che la sento!).
So di non aver dato un buon ritratto di Luttazzi, ma voi sapete che io scrivo per attizzare la vostra curiosità, non per sservirvi tutto su un piatto d'argento (non c'è polemica!).
Ai jazzisti moderni mi sento di dire che, forse, se riscoprissero questo grande del pianismo jazz dal tocco impetuoso e battente, sarebbero meno sofisticati ma più profondamente legati ad una tradizione di jazz che, nonostante i grandi successi che miete, ha perso la sua più profonda identità perché scimmiotta ciò che avviene in America (tranne qualche salutarissima eccezione!).

Attenzione! Attenzione!

2010-07-01T11:07:00.000+02:00

Carissimi lettori, ho evitato fino all'ultimo di scrivere, anche perché purtroppo tendo ad avere il grossissimo difetto di tenermi spesso e volentieri ciò che mi rende più felice solo per me.
Ieri sera mi sono avventurata nel web alla ricerca di qualche intervista agli Officina Zoè. Vi giuro che trovare loro esternazioni è come cercare un ago in un pagliaio, insomma quasi impossibile.
Quale è stato il mio stupore quando ne ho trovata una che, oltretutto, era pure recente!
Per chi si volesse lasciar incuriosire da questo segnale che vi lascio, potrebbe andare su www.overgrow-italy.nl/?p=507.
È un'intervista a cinque componenti dell'"Officina" (Lamberto Probo, Cinzia Marzo, Donatello Pisanello e Danilo e Rachele Andrioli), i tre fondatori e i due elementi entrati nel gruppo tra il 2004 ed il 2005 (rimangono fuori i nuovi arrivi Luigi Panico e Giorgio Doveri, ingiustizia!).
Si parla della nascita dell'"Officina", della nascita di "Sangue vivo" e nel suo brano trainante "Don pizzica", è davvero curiosa.
Io ve l'ho segnalato, poi voi fate quello che volete!

Attenzione! Attenzione!

2010-07-01T11:03:00.000+02:00

Qualche parola sul concerto degli Zoè.

2010-06-27T15:32:00.001+02:00

Carissimi lettori, vi avevo annunciato che ieri sera ci sarebbe stato un concerto degli Zoè dalle mie parti. Ovviamente io ci sono andata ed eccone il resoconto, dove finalmente si rispetterà l'ordine rigoroso delle canzoni.
Si è iniziato a suonare abbastanza tardi, il pubblico non era numeroso come la bravura del gruppo avrebbe meritato, ma erano giustificati dal tempo inclemente che ha fatto abbattere su Perugia e dintorni un temporale violentissimo. Nonostante questo si è suonato sotto una bellissima luna piena, e vi giuro che gli Zoè hanno dato il meglio di loro.
Il primo brano eseguito è stato un "Santu Paulu" in sol con voce solistica di Lamberto Probo. È stata una pizzica davvero emozionante, forte e festosa come solo in pochissimi oggi la riescono a suonare (fare festa non significa fare macello!). Le voci si muovevano con un canto "abbandonato", anche se in questo particolare frangente c'era molto contatto con la terra, cosa che, come si è già avuta occasione di dire in vari articoli dedicati agli ultimi Zoè, il gruppo forse stava un po' perdendo. Meravigliose, qui e durante tutto il concerto, le acrobazie di Giorgio Doveri soprattutto con il violino, di cui il musicista sa sfruttare al meglio le risorse, prime fra tutte tremuli e vibrati.
Subito dopo Cinzia Marzo e Rachele Andrioli, grandi voci femminili del gruppo e tra le più belle nel Salento, ci hanno fatto ascoltare un brano a cappella intitolato "La lettera ca me desti".
Il brano non era da me conosciuto quindi mi ha intrigato moltissimo. Era cantato in quel misto di dialetto ed italiano che caratterizza molto repertorio polifonico salentino, e musicalmente era basato su una scala di sibemolle arricchita da un interessantissimo "mi" naturale che costituiva un intervallo di "quarta aumentata". Il testo era un canto di sdegno, ma per niente caratterizzato da ironia.
Dato che c'erano state complicanze con la chitarra, subito dopo si è eseguita una "Filia", che Lamberto ha brillantemente e lungamente presentato, contestualizzando questa stupenda pizzica nella storia dell'"Officina", e raccontando come essa sia stata dedicata a Carlo Giuliani, una delle persone che hanno provato sulla propria pelle la violenza spesso gratuita di questo cosiddetto "Stato democratico".
C'è stato spazio ovviamente anche per la "pizzica tarantata", bellissima ed insuperabile, dove il violino brilla come nessuno. La parte percussiva era equilibratissima, data la convivenza delle nacchere e dei tamburelli, che rappresentavano da una parte la dolcezza insita in questo ritmo, dall'altra la sua conclamata e spesso esagerata ossessività.
Proseguendo ci è stata data la possibilità di ascoltare una curiosissima versione a valzer veloce, simile a quella strumentale presente nel cd in duo di Donatello Pisanello e Giorgio Doveri intitolato "Melodie salentine", di "Nia, nia, nia". Devo dire che, come avevo già confessato in occasione della mia recensione al "live in Japan", qui io tradisco quelli che sarebbero i miei gusti naturali. Trovo insostituibile il trio di corda, plettro ed arco che esegue questo brano su "Terra", mentre l'organetto e la velocizzazione del "tempo" gli dànno una allegria che forse non gli si confà (sono solo opinioni personali). Comunque era molto bella, ed il canto di Cinzia Marzo e Rachele Andrioli sapeva rendere come pochi la grande dolcezza insita nel testo.
Continuando si è avuta la prima canzone d'autore mai apparsa in un cd dell'"Officina Zoè", quella molto amata e forse sopravvalutata "Don Pizzica". Come si sa io ci sono legata da storie personali che ho più e più volte condiviso con voi, quindi l'ho comunque accolta con un grido di giubilo. Come in tutti i brani del primo periodo ("Terra" e "Sangue vivo") il canto di Cinzia prendeva un profondo contatto con la terra, era effettivamente secco e forte, senza gorgheggi né ghirigori sulle vocali. Questa volta però Rachele rispondeva con l'atteggiamento opposto, soprattutto quando entrava con la sua parte da solista "Intra stu munnu...". Molto caratteristico degli interventi di Rachele in questo brano è il giocare con l'espressione "ete quistu ca me face nnammurare", che viene sminuzzata, troncata e ristrutturata in svariati modi tramite abbellimenti e pause d'effetto variabile.
Di seguito si fa il primo dei quattro riferimenti all'ultimo cd degli Zoè, che come saprete da queste parti è considerato un capolavoro, con un bellissimo brano strumentale dedicato a quel popolo "che molti denigrano", ossia i Rom. È un brano di cui si è ampiamente parlato in sede di recensione di "Maledetti guai", qui converrà dire che se ne è potuta assaporare la dolcezza quasi mistica che dà un colore speciale al ritmo. Il brano è stato eseguito a velocità normale, peccato che il violino, almeno secondo me, non abbia saputo dare la giusta enfasi a quella breve parte tra sol e re minore dove è solista solo appoggiato dai bassi dell'organetto (non ha pianto abbastanza!).
Tornando a "Sangue vivo" si è potuta poi godere una strepitosa versione di "Ijentu", anche se anche qui tradisco i miei gusti naturali, perché sono stata sempre un po' contraria all'inclusione del "Cupacupa" nell'organico di questa canzone. Entrando tecnicamente nella struttura del brano, le voci hanno giocato moltissimo, trovando un equilibrio quasi meraviglioso tra la telluricità, che qui forse è stata un po' troppo smorzata anche se era sempre presente, e l'interiorità a cui questo brano inevitabilmente porta la sua interprete principale ed autrice, Cinzia Marzo. Impagabili inoltre gli assoli di armonica a bocca di Luigi Panico, che hanno permesso alle voci di "tarantarsi", tornando in alcuni momenti alla forza insuperabile dell'esibizione di Melpignano (peccato che nessuno l'abbia pubblicata in maniera decente su Youtube!).
Subito dopo si è tornato a cantare in griko, con il classico indiscusso di quella tradizione, "Kali nifta", scritta ormai moltissimi anni fa da Vito Domenico Palumbo. La versione dell'"Officina" ha una caratteristica che io le ho sempre spudoratamente invidiato: riesce a connettere in maniera veramente notevole la crescente velocità del ritmo, quindi la festa, con l'espressività del canto (non è facile, il novanta per cento delle versioni di riproposta lo provano!). Forse l'espressività è stata un po' diminuita dall'esagerato salto di velocità operato tra la prima e la seconda strofa, in questo è insuperabile la versione di "Crita" (Polosud, 2004).
Sempre dal repertorio di testi lasciatici dal grande studioso di Calimera morto nel 1918, l'"Officina" ci ha poi offerto una "Pizzica mistica", brano di cui si è già accennato in sede di recensione di "Maledetti guai". In questo caso forse è conveniente approfondire la questione, raccontando un po' meglio la struttura del brano. Esso parte con una lunga introduzione strumentale, che viene eseguita con un tempo di terzina talmente lento che potrebbe ricordare un valzer. Il canto di Cinzia, quasi dolce e sospirato, d'altronde del tutto simile al suo parlato, si inizia a stagliare dopo che la tammorra muta abbia iniziato ad accompagnare questo ritmo con delle varianti che obbligano alla sua velocizzazione. La cosa curiosissima di questa particolare versione è stato il virtuosismo vocale con il quale Cinzia ha concluso il suo canto, facendo seguire al "la" centrale che conclude la frase, una scala di un'ottava e mezzo che è arrivata fino ad un "mi" sopranile falsettato. Dopodiché si è passati alla parte strumentale, quella che io non riesco assolutamente a digerire, per la sua notevole dodecafonia.
Sempre in griko e tratta da "Maledetti guai", si è poi avuta "Moira", che le voci di Cinzia Marzo e Rachele Andrioli hanno eseguito a cappella. Cinzia cantava nel suo inconfondibile colore limpido e dolce, quasi da cantante lirica, mentre Rachele rispondeva controcantando con la sua "potenza rispettosa". Va riconosciuto a questo brano di aver saputo plasmare come pochi una possibile strada per la sopravvivenza e per la rinascita o ricontestualizzazione del canto funebre griko, non più come "moroloja", spesso gridato, ma come qualcosa di più posato ma non per questo meno sofferto.
Dopo questa parentesi "mistica", si è tornati prepotentemente con i piedi per terra, e si è cantata quella meravigliosa serenata sdegnosa al nostro "grande capo" (chi mi conosce sa già di quale parlo...) intitolata "A mammata". Si è sentito il testo effettivo del brano, ossia quello presente nel cd "Maledetti guai", senza sconti e senza tralasciare quello che per me è un esplicito riferimento al dialetto romano, con l'espressione "lui ci vuole morto bene". Per quanto riguarda le parti a vocalizzi, che come avrete capito sono tra le caratteristiche che mi fanno apprezzare comunque questo brano, purtroppo non posso dire niente perché non le ho sentite.
Continuando con i "Maledetti guai" si è poi arrivati ad una perfetta versione di "Cu li suspiri". L'"Officina" non si è lasciata prendere troppo la mano e non l'ha velocizzata esageratamente, particolare che ha permesso al brano di conservare intatto il suo insuperabile romanticismo. Le nacchere di Cinzia sono entrate in corrispondenza dell'inizio della seconda metà del brano, equilibrando anche qui l'ossessività dei tamburelli con la loro innegabile dolcezza. Prima della fine si è avuto quel momento di gioco spensierato che fa sì che questo brano non sia completamente avvicinabile alla tradizione, provocando quindi una certa sensazione di esagerato in un ascolto di "Maledetti guai" che non sia condizionato da esperienze personali particolarmente forti (quindi non al mio).
Dopo nostre scalpitanti richieste di bis, perché nonostante fossimo pochi di festa ne facevamo quanta più volevate, Danilo Andrioli ci ha fatto sentire un canto di trainieri che ormai da quattro anni fa compagnia all'"Officina". È un canto ripreso paro dalla raccolta di Maurizio Agamennone "Musiche tradizionali del Salento. Le registrazioni di Diego Carpitella ed Ernesto de Martino" (Ed. Squilibri, 2008, Roma). La voce principale qui non canta ma emette delle note calanti e "sporche" a voce piena. Le voci femminili rispondono altrettanto quando entrano nel ritornello, che forse fa riferimento al tarantismo (sono solo supposizioni!).
Subito dopo si è avuto il piacere di ascoltare "Lu rusciu de lu mare" in versione integrale, ossia con le tre parti che troviamo nell'insuperabile versione di "Terra" (1997). Nella terza parte, che l'"Officina" non eseguiva da svariati anni, si è avuto un interessante arricchimento da parte della chitarra che ha fatto diventare questo ritmo mediterraneo veramente perfetto. Il canto era molto secco e tradizionale, segno che l'"Officina" si sta riavvicinando alla tradizione come spirito interpretativo, senza mai essersene distaccata come filosofia.
Il concerto si è chiuso nella miglior maniera possibile, con quella che secondo la sottoscritta è la più bella canzone degli Zoè e una delle canzoni salentine più belle in assoluto, la pizzica lenta e profonda "Menevò". La versione che l'"Officina" ne ha proposto ieri sera ha saputo conciliare un certo aumento di ritmo (purtroppo inevitabile!) con una grandiosa espressività e simbolicità. Bellissimo il dialogo tra i doppi flauti calabresi suonati da Cinzia e la mandola di Giorgio, che veramente permettevano a chiunque di vivere il dolore di questo brano.
Spero di avervi dato qualcosa di ciò che vi siete persi, ovviamente il consiglio resta quello di andarvi a vedere l'"Officina" se passa dalle vostre parti.

Riflessioni a caldo sull'attarantamento di Umbria jazz.

2010-06-22T21:53:00.001+02:00

Carissimi lettori, oggi la pizzica è dappertutto, perfino ad Umbria jazz.
Nel programma di Umbria jazz 2010, dicasi uno dei più famosi festival di jazz a livello mondiale, si può reperire la bellissima presenza di uno dei più grandi contaminatori e "concertatori" della pizzica il laziale allievo prediletto di Carpitella Ambrogino "nazionale" Sparagna.
Io dico spesso che i nomi hanno importanza, e qui mi pare che il nome storico di Umbria Jazz è sempre più usato per definire qualcosa di molto diverso da quello che questo festival dovrebbe essere, un percorso tra le varie facce del jazz italiano e straniero.
Sinceramente mi sembra che Ambrogio Sparagna potrebbe andare ad un festival di musica pop, a Sanremo ci stava benissimo, ma ad un festival di jazz non mi pare il caso.
Qualcuno forse dirà che io dovrei essere contenta, perché moltissimi scoprono la pizzica tramite lui.
Io rispondo che a me non interessa la quantità di gente che ama un genere musicale, ma come questo viene amato. Trovo davvero difficile che qualcuno che scopre la musica popolare salentina con Sparagna, poi sia anche solo aperto alla possibilità di sentirla dalle voci di Officina Zoè, Alla Bua (vecchia maniera), Agorà, Aramirè, Canzoniere di terra d'Otranto ed altri.
Sinceramente se volete un consiglio: perugini, sparagnatevi Sparagna, così risparmiate un pochino del vostro tempo libero e lo dedicate a cose migliori.

Auguri "Guccio!"

2010-06-13T17:43:00.003+02:00

Carissimi lettori, è raro che io scriva due articoli in un giorno, ma mi va di fare gli auguri tramite questo blog a Francesco Guccini che domani compie settant'anni.
Attraverso questo articolo non ripercorrerò la sua biografia, che d'altronde è ampiamente disponibile anche in alcuni bellissimi e caldissimi libri come "Un altro giorno è andato" di Massimo Cotto (non mi ricordo l'editore, mea culpa!). Mi limiterò a mettere insieme un collage di sensazioni dedicate al "guccinastro", soprannome personale di Guccini.
Non so dirvi come avvenne la mia scoperta di Guccini, perché credo di averlo sempre sentito nella mia famiglia. I primi ricordi sono legati a dei pomeriggi passati a casa di mio zio Claudio ad ascoltare, da due vecchi vinili, "Radici" (1972) e "Via Paolo Fabbri 43" (1976). Mi ricordo anche di bellissime suonate in duo di repertorio vario, lui alla chitarra ed io al pianoforte, che comprendevano spesso e volentieri qualche pezzo del nostro, soprattutto "Via Paolo Fabbri 43", brano per il quale mio zio nutre una passione fortissima.
Il mio primo ricordo personale legato a Guccini è l'acquisto di "Quello che non" (1990). Una leggenda metropolitana diffusa nella mia famiglia, narra che io, sul bancone di un negozio non esattamente noto per la vendita di cd che allora vendeva anche questo prodotto, chiesi questo disco ad una commessa sconvolta. L'album è tutt'ora tra i miei preferiti, insieme ad un altro che ha cullato la mia infanzia arrivatomi da Venezia. Mi riferisco a "Fra la Via Emilia e il West", primo disco che mi ricordi di aver posseduto in una copia di proprietà esclusivamente personale, estratta da un vinile abbastanza ben conservato ma leggermente rovinato sull'inizio, purtroppo sulla frase "siete un bel casino!", pronunciata da Guccini dopo l'immancabile "Canzone per un'amica".
Quando ero piccola avevo molto buoni rapporti con una signora che era madre di una compagna di scuola di una mia sorella, la quale era convinta che i cantautori avessero fatto cose belle fino alla fine degli anni Settanta, quindi mi regalava solo dischi di quel periodo (spero che ora si sia ricreduta, non lasciando gli anni Novanta fuori dalla sua vita...). Fu lei a regalarmi quello che io considero il più geniale lp di Guccini, il suo primo disco pubblicato, quel "Folk beat n. 1" del 1967. Ciò che mi fa trovare geniale questo disco è la sua irresistibile spontaneità, la sua ingenuità dilettantesca. Adoro tutt'ora due brani di quel disco, che ora possiedo in cd ma che all'epoca avevo in una bellissima cassettina originale: "Il sociale e l'antisociale" e "il 3 dicembre del '39". Mi piace molto lo stile chitarristico di Guccini, che non essendo il finger piking americano allo stato puro praticato allora da moltissimi cantautori di varia notorietà e spessore, è un interessantissimo e personale compromesso tra la tradizione dei canti di montagna tosco-emiliani e varie influenze nord-americane, che sono state sempre la bussola della musica del "Guccio". Adoro anche il timbro del giovane Guccini, ancora non diventato da basso, anzi ancora caratterizzato da una tenorilità perfetta.
L'album che mi è più indifferente di Guccini, se ne è ampiamente parlato durante il commento al Concerto del 26 febbraio, è "Stanze di vita quotidiana". La copia che possiedo, in cassetta originale, mi fu data da un amico, ma non posso essergli grata, me ne dispiaccio.
Sono invece gratissima ad un altro amico, amante di cantautori e possessore di alcune vecchissime incisioni che spesso ora conservo io nella mia nastroteca, che mi fece dono di quel gioiello di goliardia e sagacia che è "Opera buffa", album precedente del "Guccio", forse mai troppo ben capito anche perché il cantante stesso tende a snobbarlo (peccato mortale!).
Ritengo che Guccini abbia trovato uno stile molto migliore da quando ha incontrato Juan Carlos "flaco" Biondini, suo chitarrista di fiducia da trent'anni almeno. Credo che l'America Latina ha equilibrato le spinte esageratamente progressive che stavano rischiando di rendere Guccini un cantautore legato ad una musica emarginata ed emarginante, la stessa che non ha permesso ad un altro grande genio della canzone italiana, il bolognese Claudio Lolli, di emergere come si sarebbe meritato. Va anche detto oltretutto che io sono un po' scettica con i lupi solitari in campo artistico, quelli che fanno questo mestiere per una nicchia sparuta, facendo sì che il loro repertorio non sia apprezzato (fortuna Guccini non è tra questi!).
Nonostante la critica fatta a Lolli, anche lui gode di una stima incondizionata da parte mia. Tra i brani del suo repertorio ce n'è uno chiamato "keaton", che i due artisti condividono. La versione di Guccini è più godibile, anche perché più acustica, ed è contenuta nel cd "Signora Bovary" del 1987. Claudio Lolli la ha poi fatta propria nel cd "Viaggio in Italia" (1998", con un arrangiamento che su di me ha un effetto abbastanza estraneante.
Spero che abbiate gradito questo distillato di sensazioni gucciniane, ancora aguri grande maestro!

Commentoalla puntata del 13/06/10 di canzonenapoletana@rai.it.

2010-06-13T13:24:00.002+02:00

Carissimi lettori, finalmente si torna a parlare di canzone napoletana in questo blog, con la terza puntata di "canzonenapoletana@rai.it" dedicata a Francesco Fiore (la seconda l'abbiamo saltata probabilmente per colpa mia!).
Si inizia con una canzone intitolata "Chi tene mamma", che ascoltiamo da un cantante particolarmente famoso in America chiamato Gennaro Cardenia. Il brano è uno di quelli mezzi in minore e mezzi in maggiore, dalla struttura "di giacca". E' il monologo di un innamorato arrabbiato con un'innamorata che lo ha lasciato, che si consola pensando a sua madre. E' bellissima e tragica.
Si arriva ad una delle canzoni più famose di Francesco Fiore, intitolata "Nun è Carmela mia". E' interpretata da Tito Schipa, l'usignolo di Lecce, che qui veramente dà il suo massimo, senza mai sfoderare quei colori popolareschi che in ambiente operistico non sono secondo me particolarmente belli. Il brano è un monologo di un innamorato che ritrova la propria amata ma non la riconosce quindi la rifiuta, bella.
Siamo con uno dei musicisti più prolifici della scena napoletana d'inizio secolo: Oscar Cattedra. La musica di questa "Nun sia maje" è caratterizzata da una precisa alternanza di strofe in un "modo minore" arricchito e di un ritornello in un "modo maggiore" altrettanto meticciato con tocchi minori. L'interpretazione che ascoltiamo è quella di Raffaele Balsamo, che riesce veramente a dare l'intensità giusta a questa serenata bella e paradossale.
Continuando si ascolta questa bellissima "Tu si spusata", che si gusta nell'interpretazione di Ciro Formisano, un tenore potente ma aggraziatissimo. Il brano ha la musica di Nicola Valente, ed è la storia di un innamorato che consiglia alla propria ex amata, che lui ancora ama profondamente, di ignorarlo. Il tappeto musicale ha una struttura di "giacca", paragonabile al più noto repertorio della coppia Bovio-Valente come "Brinneso".
Stiamo ascoltando un brano in tempo ternario dal titolo "'A sirena d''e canzone", inno alla napoletanità ed al rapporto profondo che i napoletani hanno con il canto, che si ascolta dalla voce di Giuseppe de Vita. Come in tutto questo repertorio, anche qui si ha il tipico quadro dei cantatori e della cantatrice che si trova davanti al mare affacciata ad un balcone. La voce del cantante è lirica ma è più leggera e l'impostazione non si sente. E' un brano bellissimo, che dimostra come questa città avesse trovato una maniera serena e profonda di raccontarsi in musica che la rende unica.
Per la prima volta devo dire di soffrire, perché questo disco di Salvatore Papaccio che ci permette di conoscere questa sconosciuta "Abbracciate cu mme" è davvero ridotto alla frutta. Il brano nonostante tutto è spassosissimo ed è veramente festoso, anche se del testo non prendo quasi niente. L'interpretazione di Papaccio, come spesso capita e sovente abbiamo qui sostenuto, è un po' esageratamente teatrale. L'allegria del brano, almeno secondo me, non è esattamente rispettata ma queste sono appunto opinioni personali e niente di più. E' comunque un brano molto bello. cantanti moderni, riprendete questi gioielli d'epoca!
E continuiamo a soffrire, se è possibile soffriamo ancora di più di prima. Il brano che si ascolta è molto bello, ma per farcelo ascoltare la Rai sta usando un disco ridotto alla frutta (aiuto!). La canzone si chiama "Parlame e chiagne" ed è interpretata da Ciro Formisano. E' un ritmo binario, eseguito in una tonalità minore con una scala non arricchita, anzi piuttosto semplice, se non fosse per un intervallo di quarta aumentata fortemente arabicizzante. Il ritornello, come è spesso avvenuto in questo repertorio, è più ricco della strofa in quanto i due "modi" convivono. Non mi sembra che questo brano si possa definire triste, anzi è solo romantico. Purtroppo, forse ve l'aspettavate, non sto capendo molto del testo.
E la puntata si conclude con una sofferenza a massimo grado elevata, rappresentata da un brano del 1928 intitolato "Io rido e chiagno". L'interprete è Salvatore Papaccio, che canta con sentimento dei versi dedicati alla madre musicati da Nicola Valente. Anche qui si ritrova quella vicinanza allo stile che molti associamo a certo repertorio sceneggiato di Bovio o anche Pacifico Vento. Il brano comunque è bello e riporta l'atmosfera dei posteggiatori, con il suo semplice accompagnamento mandolinistico. Suona strano questo gruppo cameristico per l'interpretazione del repertorio riconducibile al canto "di giacca", ma non fa un effetto sgradevole, anzi.
E' stata una bella puntata, con un po' di sofferenza ma ogni tanto purtroppo è obbligatoria.

Zoè a Gualdocattaneo!

2010-06-04T14:31:00.002+02:00

Carissimi lettori, avrete notato che è da tantissimo tempo che non scrivo.
Oggi lo faccio con particolare piacere, per annunciarvi un evento che avrà luogo il 26 di giugno a Gualdocattaneo, in provincia di Perugia.
Nella Sede dell'associazione "Oleum" si esibiranno gli Officina Zoè.
Il pubblico è invitato a trovarsi lì per le 20.30.
Per ulteriori informazioni rimando ai manifesti che al più presto si troveranno in vari luoghi.
Ai miei lettori, che ho visto non essere solo perugini, ovviamente prometto un racconto più particolareggiato possibile della serata, così da poter loro far vivere quello che la distanza impedisce loro di assaporare.
Sono davvero felice di aver scritto questo post. Mi scuso per la sua vaghezza, ma ciò che ho riportato è ciò che mi è stato riferito.
Vi aspettiamo più numerosi possibile!